Un café amb la Charlotte

Trob'Art, Trobades amb l'Art Contemporani.

2009-11-08T01:20:00.002+01:00

Si seguíeu el Cafè de la Charlotte no dubteu en fer un cop d'ull a Trob'Art, Trobades amb l'Art Contemporani.

Que és Trob'art?

Ha nascut a Girona un nou grup de gent interessada en el món de l'Art Contemporani:

Trob'Art, Trobades amb l'Art Contemporani, ha estat creat l'any 2009 a Girona. És un grup format per persones d'àmbits molt diversos: historiadors d'art, crítics, artistes, aficionats..., amb un objectiu comú: donar a conèixer l'Art Contemporani des de diferents suports i amb diverses estratègies, per tal d'acostar al públic en general aquest art malentès.

Concretament, Trob'Art difón temes relacionats amb el món de l'Art Contemporani; organitza trobades, visites i esdeveniments, ja siguin virtuals o reals; participa en esdeveniments artístics i culturals; i tot allò que considera d'interés per tal que l'Art Contemporani es conegui i es reconegui.

Text de Cèlia Izquierdo, penjat per Meri Gil.

FINAL DE TEMPORADA (JUNY DEL 2008 - SETEMBRE DEL 2009)

2009-09-02T23:17:00.008+02:00

Hola a tots i totes,

Porto tot l’estiu pensant en això del Café de la Charlotte i he decidit plegar. Bé, aquí els meus motius:

En PRIMER LLOC per que en aquests dos mesos d’estiu he estat fent un repàs pels meus objectius i m’he adonat que no s’han complert. Eren principalment aquests:

1. Fer un cop d’ull a tot el moviment artístic de Girona i rodalies (fent-se extens a Catalunya en menor mesura). Entrar-hi en contacte per crear xarxa.
2. Crear un espai virtual (i també físic un cop al més) on parlar d’art d’una manera llana per tal de tractar diferents punts d’interès propi o col·lectiu del fenomen artístic. El meu interès principal era qüestionar i intercanviar informació així com realitzar projectes comuns de caire artístic o intel·lectual.
3. Entendre i intentar combatre el rebuig que l’art contemporani (s’entén des de finals del s. XIX fins als nostres dies) genera en una gran part de la població. En aquest punt m’interessava qüestionar la critica de l’art i la forma com es difon.
4. Crear un petit experiment col·lectiu: Un col·lectiu on el meu paper es limitava a coordinar, en cap moment organitzar.

Des de un principi tot això ha estat pensat com a quelcom experimental. Si més no experimental pel mi, en aquest sentit sí he assolit aquest 4º objectiu.

M’he adonat, d’una manera molt grata, que tothom ha estirat la meva idea cap a casa seva i l’ha usat com ha volgut. Del Café de la Charlotte que en realitat no és més que fum (un nom i res més). Tothom n’ha pres el que li convenia i n’ha ignorat el que no i això m’ha semblat que com a experiència ha estat interessant tot i que, en algun moment, la meva passivitat m’ha perjudicat.

En SEGÓN LLOC, ja sabeu que cansa molt això “d’estirar el carro” i no m’he trobat, per part dels serveis públics (la X), massa recolzament. Vaja, potser n’esperava un altre cosa. El cas es que al llarg d’aquest any l’interès i el recolzament ha anat en detriment i estant sola no em surten les comptes:

Satisfacció personal = {(Temps personal dedicat – diners) + Esforç}X

Que hi farem, la X m’ha fallat.

En TERCER LLOC, aquest Octubre començo un Màster, com ja sabeu, i li vull dedicar tot el temps possible. A més a més aquest estiu m’he posat les piles en aspectes professionals (Ja sabeu que actualment treballo 4 dies al més fent enquestes als súpers, vaja, una puta merda) i tinc alguns projectes per dur a terme que m’ocuparan molt esforç i temps.

SOBRE QUE FARÉ A PARTIR D’ARA I QUE US PROPOSO A VOSALTRES

Francament penso per la majoria de vosaltres no canviarà res (em sembla que alguns si us assabentareu que he plegat ;P) i per altres només canviarà a mitges.

EL BLOC: Queda tancat (o millor dit: congelat) però tothom que vulgui escriure la seva critica o opinió i tingui ganes que els altres hi diguin la seva ho pot fer al grup (Fòrum) d’internet. Penso que ho llegirà més gent així, que no pas al bloc. El bloc segons el comptador de visites no se’l mira ningú i a mi em suposa un esforç de manteniment inútil.

LES QUEDADES MENSUALS: s’anul·len. Els divendres tindré pràctiques a partir d’Octubre durant tot aquest any pel Màster i la majoria de les tardes també les tindré ocupades. Si tenim ganes de xerrar penso que ja ho podem fer junts o per separat enviant-nos un mail. Per Octubre em donaré de baixa al Centre Cívic que fa temps que ho estic desitjant.

SORTIDES: Deixo de organitzar coses per tothom. Això alguns ni sabeu que vol dir però els que fa més temps que quedem saben que aquest any he estat organitzant sortides i quedades per diferents coses.

EL FÒRUM: aquest queda obert i ven obert! Es una forma fantàstica de mantenir-nos en contacte sense que ningú hi hagi de gastar temps de manteniment.

Algunes sortides no han sortit del tot bé per malentesos i aquest és un dels motius principals pel que prefereixo deixar de muntar coses: no vull més queixes en quelcom voluntari i lliure. Des d’un principi un dels meus objectius principals era no convertir-me en una mena de monitora d’esplai i pel que veig això ha estat precisament en el que m’he convertit.

Us proposo que sabent que la majoria tenim uns interessos semblants feu ús del fòrum i dels mails de tots si us ve de gust anar a veure coses acompanyats. Jo així ho faré, però insisteixo no tornaré a organitzar cap sortida general que s’anuncií a l’agenda de Girona com les de l’any passat. Espero que, com alguns de vosaltres feu, quedeu o aprofiteu per anunciar les vostres coses (exposicions, excursions culturals...). Si algú de vosaltres organitza alguna cosa intentaré apuntar-m’hi! No deixeu de enviar-me les vostres exposicions els que en feu. Jo per la meva part sempre que sàpiga alguna informació que pensi que us pot interessar us la enviaré.

I per últim volia dir que no es pas que enterri el meu projecte, es més una mena d’Stand by o que es converteix en un fòrum i prou i que potser torna a engegar-se si alguna institució, fundació, associació o grup de persones em recolza. Es massa feina i massa responsabilitat per una sola persona que a més a més no hi vol dedicar més el temps i l’esforç que “cobra”.

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Si ets un dels 5-6 lectors habituals i fidels d'aques bloc només dir-te que MOLTES, MOLTÍSSIMES GRACIES i si vols seguir lleguint alguns dels nostres articles, comentaris o altres pots fer-ho aquí.

Meritxell Gil

CRÓNICA

2009-09-01T13:26:00.000+02:00

Como suele ser costumbre haré una breve reseña de las exposiciones que he visto últimamente en Barcelona. Como siempre hay cosas interesantes y otras más bien decepcionantes.

En primer lugar fui a ver la exposición temporal del MNAC dedicada a los fotógrados Robert Kappa (1913-1954), uno de los más grandes del siglo XX, y su pareja Gerda Taro (1910-1937). La encontré realmente interesante, aunque no entiendo demasiado de fotografía. Los motivos fueron diversos. En primer lugar se podía ver las series completas de las fotografías que tomaba, no se trataba de fotos sueltas, de modo que podía verse la secuencia completa de las fotos tomadas. Me gustaron en especial las tomadas en la Batalla del Segre en la Guerra Civil. La sensación que transmitían las fotos era de encontrarse en mitad de la batalla. Otro aspecto interesante era poder ver la función final de estas fotografías, es decir como estas fotografías eran luego publicadas en revistas de actualidad y los textos que las acompañaban, muchas veces contando cosas que nada tenían que ver con la realidad. Con respecto a Gerda Taro se puede comentar que es una figura que en los últimos tiempos se está recuperando. Hace cosa de un año se asistí a una interesantísima conferencia sobre su figura. Aunque quizás sus fotografía son bastantes diferentes a las de Kappa, se podían ver algunas realmente interesantes.

A continuación fui a ver la dedicada al pintor Maurice Vlaminck (1876-1958), uno de los cabecillas del movimiento fauvista a principios del siglo XX. La exposición se centraba en sus obras del período 1900-1915, donde puede observarse una fuerte influencia de Van Gogh y Cezanne. Esta exposición me decepcionó bastante. La mayoría de las obras las encontré bastante insulsas, incluso las del periodo más fauvista. Quizás el motivo habría que buscarlo en que las obras expuestas no eran en general de las más importantes del autor. Hace unas semanas pude ver en el Museo Picasso otra exposición sobre otro pintor que había participado en este movimiento, Kees Van Dongen (1877-1968). En este caso puedo decir que sus pinturas fauvistas me deslumbraron por la fuerza que transmitían y su expresividad. En esta exposición se podían contemplar algunas de las obras más importantes del autor (aquí se puede ver una muestra).

En el mismo lugar, en el CaixaForum, visité la exposición dedicada a algunos cuadros de grandes dimensiones realizados en los años 80 y pertenecientes a la colección de la Caixa. La exposición constaba de una docena de cuadros, entre ellos uno de la primera etapa de Barceló. Lo primero que hay que decir es que como siempre en exposiciones dedicadas al arte contemporáneo en este lugar, una pequeña explicación sobre la obra y autor acompañaba cada cuadro. Como siempre en este tipo de exposiciones la apreciación está en función de los gustos personales, pero no voy a negar que algunos los encontré batante interesantes. Evidentemente la explicación ayuda mucho a apreciarlos.

Por la tarde visité la exposición del “Siglo del Jazz” que se puede visitar en el CCCB. Como casi siempre en este lugar se pueden visitar exposiciones muy interesantes. Hay que tener en cuenta que muchas de estas exposiciones son coproducciones con el centro Georges Pompidou de París. Esta exposición venía precedida de un gran éxito en París. La verdad es que me pasé más de dos horas y me dejé algunas cosas que ver. Una larga vitrina presenta de forma cronológica, partituras, discos, fotos, libros, etc desde antes del nacimiento del Jazz hasta finales del siglo XX. Al mismo tiempo pueden irse escuchando grabaciones de los diferentes períodos. Al lado de esta vitrina y agrupado por períodos podían verse cuadros, grabaciones, gravados, objetos etc de artistas, diseñadores, etc que se habían visto influenciados a lo largo del siglo XX por el Jazz. Mis críticas a esta exposición, que es realmente interesante, es que las explicaciones de cada uno de los períodos se limitaban a unas pocas líneas. Dada la importancia de este género musical, hubiera sido de esperar unas explicaciones más generosas.

BILL VIOLA I EL DIÀLEG AMB UN MATEIX

2009-08-31T09:13:00.000+02:00

A partir d’una contínua indagació sobre els interrogants que planteja la condició humana i la seva relació amb el món, l'artista Bill Viola ha creat una de les obres més personals de l'art contemporani i el seu treball transmet preocupacions constants que conviden a l'espectador a una recerca de la seva vida interior i a repensar les seves relacions amb l'ambient que l'envolta.

Les imatges del millor videoartista del moment es mouen entre l'ambigüitat de l'elevació espiritual i el reflex d'allò real. I és que a finals del anys 90, Bill Viola estava abrumat per totes les imatges transcendents i sense connexió amb allò real, amb el món actual, que l'envoltaven. Inspirat per la literatura mística, s'interessa per quelcom que els místics coneixien com ningú: el contacte amb el propi ésser com a experiència transcendental.

La seva obra és fruit de la seva necessitat de trobar una solució al conflicte existencial de l'home amb el seu entorn, com els seus treballs sobre les imprecisions en paisatges desèrtics, on la seva obra s'orienta cap a una captació sensible de la realitat exterior. Les imatges plasmen l'accentuada identificació de l'artista amb els paisatges desèrtics que passen a conformar per a l'autor la millor representació d'estats mentals interiors. "El paisatge pot existir com a una reflexió sobre les parets internes de la ment o com una projecció d'un estat interior sobre l'exterior. Els espais oberts i planers es presten a un monitoratge més clar del món interior subjectiu. Els espais urbans contemporanis parlen sense parar... removent les suggerències de l'exterior, les veus dels estats interns es tornen més intenses i clares".

A les obres de Bill Viola, l'experiència estètica resulta anestèsica i en comptes de ser un contacte amb la realitat, aquesta queda bloquejada, com si els nostres sentits quedessin sobrestimulats. Hi ha qui critica aquesta forma contemplativa i passiva de veure l'obra d'art: "davant la que l'espectador manté una actitud de veneració distant per una banda i de confiança en fondre's amb ella sense esforç, per una altra, ignorant que la recepció de l'art suposa un procés d'apropiació i, per tant, d'esforç, aprenentatge, competència."

Aquesta forma de mostrar-nos les seves obres produeix una partició d'allò sensible, consistent en fer visible allò que no ho era, en escoltar com a èssers dotats de la paraula a aquells que no eren considerats més que animals sorollosos. Les imatges de Viola estan lligades a una forma de veure que no requereix cap tipus d'esforç de l'espectador per descobrir un tipus de coneixement i, alhora, són l'únic mitjà per fer visible allò invisible.

Absorbit en la tasca conscient de crear imatges per als demés, Viola troba en l'inconscient la via cap a un diàleg amb la interioritat.

+ informació, aquí i aquí. Imatges d'aquí.

Cèlia Izquierdo.

ESTEM DE VACANÇES FINS L'1 DE SETEMBRE

2009-08-11T09:40:00.014+02:00

Imatge extreta d'aquí.

Podeu consultar alguns dels nostres articles com:

EL BLOOMSDAY (Israel Muñoz)

"En este día que se celebra cada 16 de junio se reviven los hechos relatados en la novela Ulyses (1922) de James Joyce (1882-1941)." Més aquí.

MAN RAY: LE RETOUR A LA RAISON (1923) (Meri Gil)

"Neix a Amèrica (Philadelphia) el 1890. El seu nom significa “Home llamp” i ja ens mostra el que vol ser; velocitat, llum... Un dels grans representants de les primeres avantguardes." Més aquí.

L’INUND´ART decepciona (Cèlia Izquierdo)

"Com a artista, estava molt interessada en conèixer el festival abans de presentar la meva sol·licitud, de manera que vaig assistir al primer dia i a la inauguració. Per als qui no vau assistir i per a aquells que encara no heu participat, us comento què em vaig trobar." Més aquí.

JEFF KOONS. Artista genial o el arte de ganar dinero (Israel Muñoz)

"Jeff Koons es uno de los artistas, si se le puede considerar así, más famosos del mundo artístico actual y uno de los más populares entre el público en general." Més aquí.

SOBRE L'ART I LA SEVA INTERPRETACIÓ (Cèlia Izquierdo)

"Des de fa temps, el fet que moltes persones cultes i amb projecció mediàtica critiquin i rebutgin l’art contemporani gratuïtament, m’ha fet reflexionar sobre com podem fer que les persones “normals” entenguin l’art. " Més aquí.

PEQUEÑA HISTORIA DE LA MÚSICA DEL SIGLO XX (Israel Muñoz)

"Esta pequeña historia de la música del siglo XX la dividiré en dos partes debido a su extensión. En esta primera parte me centraré en la primera mitad del siglo XX." Més aquí.

DIARIO DE UN AFICIONADO (Israel Muñoz)

"Voy a hablar de la fauna que habitualmente puebla los eventos culturales de nuestra ciudad y lo que opinan algunas personas respetables." Més aquí.

BAYREUTH 2009

2009-08-04T01:04:00.003+02:00

Durante los últimos días de julio y el mes de agosto tiene lugar en la ciudad alemana de Bayreuth el prestigioso festival dedicado a la obra de Richard Wagner (1813-1883). El teatro en el que tiene lugar las representaciones fue construido ex profeso para sus óperas y se ha celebrado el festival, impulsado por el propio autor, desde 1876. Hoy en día es un lugar de peregrinación para los wagnerianos de todo el mundo. Debido a la gran demanda de entradas cada año se calcula que se tarda en conseguir una entrada una media de 10 años. Por suerte las representaciones se retransmiten por radio a toda Europa. El plato fuerte del festival es la interpretación de la Tetralogía, conocida como “El Anillo del Nibelungo” y que se interpreta cada año a excepción de los años en los que hay cambio de producción. Esta obra consta de cuatro óperas: “El Oro del Rhin”, “La Valkiria”, “Sigfried” y “El Ocaso de los Dioses” y que tienen una duración total de unas 15 horas, aunque como siempre en música depende del director de orquesta.

El festival de este año ha vuelto a demostrar la carencia actual, con alguna excepción, de voces adecuadas para interpretar Wagner, para muchos una especie destrozavoces. Especialmente lamentable ha sido la interpretación del papel del héroe wagneriano por antonomasia, Sigfried. El intérprete, Christian Franz, ha desafinado al punto de que daban ganas de apagar la radio ante el dolor de cabeza que causaban sus continuas desafinaciones y salidas de tono. Uno deseaba que se lo cargaran antes de hora, pero el argumento no se puede cambiar. Hay que reconocer que el papel es complicado y agotador, pero lo escuchado pasaba en muchas ocasiones de lo que puede ser comprensible Hace ya muchos años que dejaron el escenario o fallecieron las figuras míticas de la interpretación wagneriana. Entre los pocos grandes intérpretes actuales de esta música se encuentra el tenor español Plácido Domingo, relacionado durante buena parte de su carrera con el repertorio italiano y que en el tramo final de su carrera interpreta con frecuencia las óperas de Wagner.

La interpretación orquestal del “Anillo del Nibelungo”, bajo la batuta de Christian Thielemann, ha sido de un gran nivel, aunque en la primera de las óperas se pudieron escuchar algunos despistes en la sección de metal. De la producción actual del “Anillo del Nibelungo”, cada producción dura varios años, se puede hablar de gran éxito, ya que en los bastantes años que llevo siguiendo el festival cada año se solía liar al final de la interpretación de esta obra, sobretodo debido a desavenencias del público con el director de escena.

Este año el festival ha organizado una actividad totalmente novedosa como ha sido la interpretación de una de las óperas, “El Holandés Errante”, en versión simplificada y con final feliz, las operas suelen acabar como el rosario de la aurora, para niños. Un aspecto curioso a comentar, y que demuestra que la ópera continúa siendo un lugar para dejarse ver, aunque luego algunos aprovechen a dormir, fue lo que ocurrió el día de la inauguración con la ópera “Tristán e Isolda”. Gran número de autoridades y gente famosa suelen acudir a la inauguración. Fue bastante curioso ver como se pedía silencio en la sala antes de empezar la representación y antes de los diferentes actos. Esto no suele ser habitual en el resto de días del festival.

Como siempre se dice la historia pondrá a cada uno en su sitio. Wagner, a pesar de haber transcurrido más de 125 año de su muerte, sigue bien vivo en nuestra cultura. Todavía hoy se sigue vinculando este autor con el nazismo, cuando murió antes del nacimiento de Hitler. Una buena muestra es el sacrilegio que representa interpretar a Wagner en Israel. Hace unos años una de las más importantes personalidades actuales del mundo musical, el director de orquesta Daniel Baremboim, interpretó al final de un concierto a Wagner provocando un gran escándalo. Otro ejemplo de cómo Wagner sigue influyendo hoy en día es en la saga la Guerra de las Galaxias. El argumento de esta serie de películas se compara en numerosas ocasiones con la obra de Wagner con la que existen numerosos paralelismos. Igualmente a nivel musical existen gran número de similitudes. En el “Anillo del Nibelungo” la música esta estructurada en base a “leitmotiv”, temas musicales que están relacionados con personajes, objetos, etc. Cada vez que se hace referencia a alguno de estos elementos en la acción dramática suena alguno de estos temas. Esta idea es retomada en la música para esta celebre saga.

Israel Muñoz.

PROCÉS CREATIU D'AVANTGUARDA - GIRONA

2009-08-01T23:48:00.011+02:00

Curs d'art contemporani a l'Escola Municipal d'Art de Girona.

Dalí. Imatge extreta d'aquí.

Per comprendre el que s’amaga darrera de cada obra d’art no la podem deslligar completament del seu artista i alhora, no hi ha cap artista que es pugui deslligar completament del temps i la societat en que li ha tocat viure.

Imatge extreta d'aquí. Marcel Duchamp. La fonte, 1917

Parlarem del Dadaisme, del futurisme, del surrealisme, del cubisme, sobre l’Impressionisme, del fauvisme, de l’expressionisme, i també de l’abstracció. Acabarem fent un breu cop d’ull al més actual i conceptual.

Cada classe es centra en una avantguarda, les obres i els autors més representatius de cadascuna. Com ho farem? Doncs, dividirem cada sessió en dos;

• Una part teòrica (uns 15 min) per situar-nos en l’època on es desenvolupa l’avantguarda.

• Una part la pràctica (1'15 h) que ens endinsarà, pas per pas, a través de divertits exercicis pràctics, dins el mecanisme creatiu d’artistes com Duchamp, Picasso, Monet, Seurat, Miró, Dalí, Magritte, Marinetti, Van Gogh, Matisse... i molts més.

Veurem i farem cadàvers exquisits, ready-made, caligrames, collages. Tractarem el moviment, l’espai, els colors, la caricatura i fins i tot treballarem breument sobre el nostre codi simbòlic personal.

Imatge extreta d'aquí. Wassily Kandinsky. Transverse Line, 1923

A qui va dirigit:

Va dirigit a totes aquelles persones interessades en l’art Contemporani(Avantguardes) i que tinguin ganes de passar una bona estona. Cal tenir present que, tot i no és necessari ni saber dibuixar ni pintar, pot ser una fantàstica oportunitat per que l’alumne explori les habilitats i tècniques artístiques apreses en altres cursos: llapis, aquarel•la, fang... (mirar l’apartat de material).

Imatge extreta d'aquí. Henry Matisse. Madame Matisse, 1905

Programació del curs/ Continguts:

1. INTRODUCCIÓ A L’ART D’AVANTGUARDA
2. El DADAÏSME
3. EL SURREALISME
4. EL FUTURISME
5. EL CUBISME
6. L’IMPRESSIONISME
7. EL FAUVISME
8. L’EXPRESSIONISME
9. L’ABSTRACCIÓ
10. INTRODUCCIÓ ALS NOUS COMPORTAMENTS ARTÍSTICS (ANYS 60)
PREPARACIÓ DE LA EXPOSICIÓ.

Material:

Llapis, goma, tisores, cinta adhesiva, llapis de color, cola (material tipus escolar).

A inicis de curs es passarà un full on s’especificarà el material per cada classe i es detallarà les possibilitats dels exercicis pels alumnes que vulguin treballar aquest aspecte amb més profunditat.

Professor/a: Meritxell Gil Calonge
Nombre d'hores del curs: 1 hora 30 mts setmanals
Dates del curs: 24/09/09 a 17/12/09
Dies de la setmana: dijous
Horari: 21:15 a 22.45
Públic: A partir de 17 anys
Nombre màxim d'alumnes: 12
Preu: 80€ (Preu reduït: 60)

Matrícula i més informació aquí.

JAIME ROSALES

2009-07-21T16:13:00.001+02:00

Hoy le toca el turno a Jaime Rosales y sus películas. Este director de cine es en mi opinión el director español más interesante en la actualidad. Nació en Barcelona 1970 Aunque estudió inicialmente empresariales, más tarde se trasladó a Cuba para estudiar cine. A pesar del reconocimiento que han recibido sus películas él no sé dedica al cine de forma profesional, al menos hace unos meses así era. Parece que su actividad principal se centra en el sector inmobiliario que actualmente no pasa por su mejor momento.

Hasta el momento su producción es más bien escasa con tres largometrajes: “Las horas del día” (2003), “La soledad” (2007) y “Tiro en la cabeza” (2008), y varios cortometrajes que no he visto. Tosas estas película han obtenido galardones de cierta importancia. La primera ganó el Premio de la Crítica del Festival de Cannes, la segunda tres Goyas, dos de ellos a la mejor película y al mejor director en una decisión realmente atrevida y digna de ser alabada. La última hasta ahora ganó también el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de San Sebastián.

Si hay algo que destaca en todas sus películas es la capacidad de sacudir, de descolocar al telespectador, en seguida veremos el motivo. Otro aspecto destacable es la realidad que transmiten sus películas. Los diálogos y situaciones parecen reales, nada forzados, a veces parece que uno se encuentra delante de un documental en lugar de estar viendo una película. Según lo que pude leer, hace algún tiempo, los actores tienen cierto margen para improvisar lo que contribuye a esta sensación de realidad. Además, la mayoría de los actores que intervienen en sus películas no son conocidos para la mayoría del público lo que evita que una cara conocida rompa el halo de realidad.

Sus historias suelen centrarse en narrar la vida cotidiana de unos personajes que en un momento u otro realizan o sufren una serie de actos imprevistos que descolan al espectador por ser completamente inesperados. En este aspecto su cine se ha llegado a comparar, por ejemplo con el de Michael Hanecke. En una se sus últimas películas más alabadas “Caché” (2005) narra la historia de una familia normal que de repente se ve chantajeada sin saber muy quien y el porque.

"En la horas del día", este hecho imprevisto y que golpea al espectador en el momento más inesperado son los asesinatos que comete el protagonista de la película. Un personaje que lleva una vida de lo más normal y tranquila. Aunque pueda parecer exagerado, irreal, etc cuantas veces vemos en la televisión o podemos leer en los periódicos que el criminal llevaba una vida de lo más normal y que nadie se lo imaginaba que vivía junto a un asesino.

En "La soledad", un atentado golpea a la protagonista de la película después de haberse trasladado a Madrid con su hijo pequeño. En la escena más ordinaria de la película, un viaje en autobús, una explosión trastoca tanto a los protagonistas como a los espectadores. Aparte de este aspecto central, la película ofrece muchos más alicientes; aunque la verdad sea dicha difíciles de disfrutar por gente acostumbrada a sólo ver cine comercial americano.

Finalmente en "Tiro en la cabeza", se nos narra la vida normal de un terrorista, todo el mundo lleva una vida normal, que en un momento determinado descubre a dos Guardias Civiles y no tiene ningún problema en pasar de se una persona normal a asesinar a sangra fría. Por increíble que puede aparecer el argumento la película está basada en un hecho real.

De las tres películas la que más me gusta es “La Soledad”, la primera que puede ver, y que me dejó impactado, no únicamente por el hecho que he explicado, sino por el realismo que transmite y la excelente descripción de los personajes y sus tragedias personales, descritas dentro de la más normal cotidianidad. Desgraciadamente en su estreno duro poquísimo en la cartelera, como suele pasar con algunas grandes películas.

Israel Muñoz.

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Más información de Tiro en la cabeza en este video:

Sies.tv

Video sacado de aquí.

Siestv: Art contemporani a la vella Barcelona industrial

2009-07-20T16:17:00.014+02:00

Can Framis és l'espectacular nou centre de la Fundació Vila Casas.

Els prop de quatre mil metres quadrats de Can Framis, una antiga fàbrica de llana integrada per dues naus d'arquitectura industrial vuitcentista i una tercera de nova planta, acullen el fons pictòric de la Fundació Vila Casas. Can Framis és al canviant districte 22@ de Barcelona i conté obres de Tàpies, Enric Pladevall, Jaume Plensa i Xevi Vilaró, entre molts d'altres. Parlem amb Natàlia Chocarro, responsable de premsa de la Fundació.

Sies.tv

Informació extreta d'aquí.

Qué és Siestv?

Sies.tv és una cadena de televisió IP, que emet els seus continguts a través de la xarxa Internet. Té la vocació de cobrir tot el territori de llengua catalana amb continguts que facin referència a l’actualitat cultural, noves tendències i tot el que afecta el coneixement i la innovació. Informació extreta d'aquí.

El més interessant és la opció d'inscripció i rebre cada día una notícia cultural. Més informació aquí. Es gratuït!

FESTIVAL MÚSIQUES RELIGIOSES I DEL MÓN DE GIRONA

2009-07-16T09:52:00.000+02:00

Intentaré realizar un pequeño repaso de los aspectos positivos y negativos del “Festival de Músiques Religioses i del Món de Girona” que finalizó este pasado domingo. Me centraré en los conciertos de música clásica a los que he asistido. Este año he acudido a 4 conciertos, el del Ricercar Consort, el concierto de órgano que tuvo lugar en la catedral, el de Jordi Savall y el del Cantus Koln.

En primer lugar hay que decir que este festival ofrece la oportunidad de escuchar grupos de primera línea del panorama internacional centrados en la interpretación de música antigua. Los programas que suelen interpretar son muy interesantes, músicas de los siglos XVI-XVIII, ya que su repertorio rara vez se puede escuchar en otros sitios. Sin embargo, uno siempre tiene la duda de si los grupos consagrados que acuden al festival se encuentran en su mejor estado de forma interpretativo. Aunque siempre hay detalles de un gran nivel, por ejemplo las interpretaciones de Phillippe Pierlot con el Ricercar Consort, tengo serias dudas de que todos los miembros del grupo estén al mismo nivel. Otro aspecto positivo del festival, en particular en estos últimos años, es la programación de conciertos donde se interpreta música contemporánea en una ciudad tan conservadora en gustos musicales como Girona. El año pasado por ejemplo se pudo escuchar al Ensemble Intercontemporain en una obra de Messien, que se puede considerar ya un clásico, y de una de las jóvenes promesas de la música española como Héctor Parra. La asistencia a este concierto, al que asistí, fue realmente satisfactoria, aunque el número de entradas disponibles no es que fuera muy elevada. Dentro de los aciertos del festival se puede incluir también la organización de un concierto donde se interpreta el órgano de la catedral, cosa que ha ocurrido en las dos últimas ediciones del festival. Aunque en el lado negativo hay que añadir que después del atrevido programa del año pasado, donde se tocaron algunas obras compuestas en el siglo XX y que provocó la huida de parte del publico en mitad del concierto, este año se han tocado obras mucho más clásicas y del gusto del aficionado medio o del curioso que acude al concierto.

Ahora vayamos a analizar los aspectos más negativos. En primer lugar se puede mencionar la catedral. La catedral es un sitio muy bonito y adecuado desde el punto de vista de la composición de las obras, muchas de ellas pensadas para ser interpretadas en lugares de culto. Sin embargo, la acústica de la catedral es nefasta. La reverberación es tan grande que a pocos metros del lugar donde se encuentran los intérpretes no se escucha más que un sonido mezclado y requiere de una gran concentración del oyente para poder percibir algo de la interpretación. Sobretodo si uno se encuentra sentado en la zona de las localidades más baratas. Otro aspecto negativo, y extramusical, son los fotógrafos que aparecen para tomar fotografías para los diarios. Su comportamiento llega a ser realmente escandaloso, por mucho menos una gran orquesta ha parado un concierto para pedir orden en la sala. Con sus máquinas no únicamente hacen ruido, llegando a competir con el intérprete como fue el caso del concierto de Jordi Savall, sino que no tienen ningún problema en molestar durante minutos al público asistente y además no respectando las órdenes de los miembros de la organización. Relacionado con los fotógrafos también es digna de crítica la prensa de Girona, Diari de Girona y el Punt. El nivel de sus críticos no pasa de ser un masaje y peloteo al intérprete. A los conciertos que he acudido, las críticas que he podido leer no pasan de comentar de pasada pequeños desajustes en la interpretación, donde se han podido escuchar desafinaciones y fallos continuos. Hay que tener en cuenta que estos medios de comunicación aparecen como “Medios Colaboradores” en los programas de mano de los conciertos, cosa que explicaría que no se ensañen mucho con los intérpretes. Además alguno de estos críticos suele escribir buena parte del programa de mano. El peor concierto al que he acudido en este festival fue el de Jordi Savall en el claustro. No sé si fue el lugar, el fotógrafo de turno, los continuos ruidos de fondo de aviones, coches, trenes, pájaros etc pero el concierto fue bastante lamentable con una interpretación llena de desafinaciones, falta de matices o sonido poco limpio como consecuencia de tocar cuerdas que no tocaban tocar. Sin embargo la crítica gironina ha hablado de un gran concierto con algún desajuste, en una de las críticas. Como dije en otra ocasión la crítica de esta ciudad se ensaña con unos, mientras que otros, aunque hayan interpretado el peor concierto de su vida, son alabados. Hace unos pocos años tuvimos la oportunidad de escuchar a otro interprete de viola da gamba, como Jordi Savall, su nombre era Charles Medlam, la verdad es que quedamos todos maravillados de su interpretación, de un nivel muy superior al de la estrella local que se pudo ver este año.

Israel Muñoz.

SALA ART JOVE 2010 : CONVOCATÒRIA DE PROJECTES D'ARTS VISUALS

2009-07-13T23:14:00.014+02:00

Sala d’Art Jove 2010: Convocatòria de Projectes d’Arts Visuals - Creació, investigació, edició, educació

Bases de la convocatòria, aquí.
Sol·licitud i formulari de modalitats, aquí.

La Secretaria de Joventut de la Generalitat de Catalunya presenta la convocatòria de projectes d’arts visuals per desenvolupar en el marc de la Sala d’Art Jove al llarg de l’any 2010. L’objectiu de la convocatòria és facilitar el desenvolupament de projectes d’arts visuals, els quals poden implicar aspectes relacionats tant amb la creació com amb la investigació, l’edició i l’educació.

Així mateix, la Sala d’Art Jove estableix una col·laboració contínua amb Can Xalant Centre d’Art i Pensament Contemporani de Mataró i Hangar Centre de Producció d’Arts Visuals amb l’objectiu de disposar de més suport i recursos per a la producció dels diferents projectes que se seleccionin amb aquesta convocatòria.

Data límit de presentació de propostes:
30 octubre de 2009.

Modalitats

Projectes de creació: 750 €
Projectes d’investigació: 750 €
Projectes d’edició: 1.500 €
Projectes d’educació: 1.000 €

Jurat

President: Sílvia Cabeza, directora de programes de l’Agència Catalana de la Joventut. Pilar Cruz, comissària independent; David G. Torres, crític d’art, comissari independent i co-director de la plataforma a-desk*; Lluc Mayol, productor i curador de projectes d’art i educació; Laurence Rassel, responsable de projectes de la Fundació Antoni Tàpies; Maria Ruido, realitzadora, investigadora i professora del departament d’imatge de la Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona; Oriol Fontdevila, crític d’art i comissari independent, com a membre de l’equip gestor de la Sala d’Art Jove.

Secretària del jurat: Marta Vilardell, tècnica de l’àrea de cultura de la l’Agència Catalana de la Joventut.

AQUEST ESTIU A LA PLAÇA DELS JURATS - GIRONA

2009-07-12T14:16:00.011+02:00

Dimarts 14 de juliol / 22.30 h / Gratuït / Entrada al recinte 10 minuts abans de la funció.

Projecció-espectacle: Un Univers per descobrir. Any internacional de l'astronomia.

Guió i direcció artística: Mariona Fàbregas Assessorament artístic: Ferran Frauca Coordinació i assessorament del guió científic: Marta PeracaulaActors: Ferran Frauca i Mariona Fàbregas.Imatges exposició: “El Universo para que lo descubras”: Direcció científica C4: Guillermo Tenorio Tagle, Enrique Pérez. Col·labora: Universitat de Girona, centre Tecnio Vicorob, Consell Social de la Universitat de Girona, Patronat de l'Escola Politècnica Superior de la UdG, Ajuntament de Girona i la Universitat de Barcelona.
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Dimecres 15 de juliol / 22.30 h / Gratuït / Entrada al recinte 10 minuts abans de la funció.

T DE TEATRE i LOS TIGRES presenta: Nelly Blue.

Teatre d'humor.

Català-CastellàDirecció: Marta PérezIntèrprets: Xavi Mira i Albert Ribalta.
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Dijous 16 de juliol / 22.30 h / Gratuït / Entrada al recinte 10 minuts abans de la funció.

SHAKE THAT presenta: Shake that.

Humor-Circ.

Direcció: Shake ThatInterpretació: Hans Vanwynsberghe, Joris Verbeeren, Sander De Cyper, Nino Mertens i Gab Bondewel.
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Dimecres 22 de juliol / 22.30 h / Gratuït /Entrada al recinte 10 minuts abans de la funció.

DUO FULL HOUSE presenta: Full House.

Humor - Circ.

Direcció: Full HouseInterpretació: Henry Camus i Gaby Schmutz.
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Dijous 23 de juliol / 22.30 h / Gratuït / Entrada al recinte 10 minuts abans de la funció.

CAPA I ESPASA presenta: 13 La casa encantada.

Teatre d'humor.

Direcció: Àngel Amieva amb col·laboració de Jango EdwardsInterpretació: Àngel Amieva, Marta Lopez i David Moya.
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Divendres 24 de juliol / 22.30 h / Gratuït / Entrada al recinte 10 minuts abans de la funció.

TEATRO CHE Y MOCHE presenta: Oua Umplute.

Teatre d'humor - Música.

CastellàDirecció: Joaquín MurilloInterpretació: Eugenio Arnao, Kike Lera, Teresa Polyvka i Joaquín Murillo.
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Dilluns 27 de juliol / - CONTES INFANTILS de 18 a 20 h - CONTES PER A ADULTS a partir de les 21 h i per acabar - CONCERT a càrrec de Le Croupier.

VA DE CONTES fa 10 anys! Marató de contes.

Contes.

Va de contes és un col·lectiu de rondallaires de l’ull viu. I per celebrar que fa 10 anys que porten escampant contes i somriures arreu fan una festa de les grosses i t’hi conviden a tu. A tu i a tothom que vulguis portar.
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Dijous 30 de juliol / 22.30 h / Gratuït / Entrada al recinte 10 minuts abans de la funció.

LOS 2 PLAY presenta: Comeback.

Circ acrobàtic.

Direcció: Leandre RiveraInterpretació: Cristina Solé, Leticia García, Julian González i Oscar Santamar.
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Divendres 31 de juliol / Jardí de l'Ànel (darrera la pl. Sant Pere)

Divendres 7 d'agost i Divendres 14 d'agost /Plaça dels Jurats / a partir de les 21 h - Concert a partir de les 22 h

Trobar d’enyor : Concerts de Música Medieval, Tradicional i noves músiques.

Cançons de Trobadors Catalans i Occitans, cançons tradicionals d’origen medieval, poemes de J. Verdaguer i Martí i Pol i temes de composició pròpia dins una expressió musical a cavall entre el jazz i les noves músiques. En aquests vespres musicals podreu gaudir de varietat de pastes i pastissos, creps artesanals, infusions i tisanes, sucs de fruita natural, ratafia... elaborats amb productes naturals i biològics.ALFONS ENCINAS: nickelarpa, psalteri, viola de roda, mandola, llaüt àrab, arpa medieval, viola d’arc, baglama, guitarres clàssica, acústiques de 6 i 12 cordes, elèctrica i veu.MIRIAM ENCINAS: flautes de bec, ney, viola de gamba, teclat i percussions.JAUME CATÀ: tabla indú, darbouka, tar,bendir, gerres, caixó flamenc, efectes i bateria.PERE MARTINEZ: baix elèctric.
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Dilluns 10 d'agost / 19 h

Cie Toi d’abord presenta: Croktapom.

Circ.
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Dimarts 11 d'agost / 22.30 h / Gratuït / Entrada al recinte 10 minuts abans de la funció.

EL PALLER presenta: Vet aquí la diferència.

Dansa.

Direcció: Emma TeixidorInterpretació: Natàlia Entrocassi, Dolors Yglesias, Edgar Tarrès, Isidre Rebenaque, Emma Teixidor i Sabina Mèrida.

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Informació extreta d’aquí.

GIRONA: LLIBRES, ART I MÉS CULTURA A LA 22

2009-07-11T09:17:00.000+02:00

A vegades ens queixem per que no hi ha prou oferta cultural a Girona però hi ha algunes coses que les tens al costat de casa, saps que hi son però tot i així et passen desapercebudes. Em refereixo a la Llibreria22. Aquest dissabte vaig anar a fer una jornada de firmes, que per cert va anar molt bé: vaig triplicar la quantitat de persones respecte al Saló del Cómic: de 1 vaig passar a 3!! (és el que tenen les estadístiques...).

Doncs bé, he estat remenant la web de la 22 i vaig veure que hi ha un munt de coses interessants que volia destacar:

EL BLOC

Hi ha un bloc amb un munt de informació i, el millor de tot, on s'hi pot deixar comentaris i opinions...

Podeu anar-hi clicant aquí.

La veritat es que la majoria d'autors i llibres que s'hi esmenten no els conec i no en puc destacar gran cosa però sempre va bé donar un cop d'ull a algunes de les persones que estan escrivint i fent coses per Girona (i Catalunya en General) per que mai se sap on es pot trobar coses interessants i apassionants.

ACTIVITATS

· Presentacions de llibres que sovint van acompanyades per tertúlies com la que es va fer arran de les presentacions dels llibres DONES A L’ISLAM. Autodeterminació i SER DONA I MUSULMANA.

· Concursos com el II Concurs de Vídeo Creació (Vídeo) o el Premi Quim Masó (Teatre).

· Agenda amb un recull de les activitats culturals de Girona. Podeu fer un cop d’ull aquí.

MÉS ENLLÀ DELS LLIBRES

Als enllaços que proposa la web de la Llibreria 22 hi ha un parell d’artistes interessans.

Manel Bayo: Aquí tenim un personatge curiós. Cap al final hi ha algunes propostes interessants com: jackpott o ABCDEFG que té la seva gràcia.

Jordi Gispert: Un altre pintor Gironí (la seva web es molt senzilla però no està malament).

I com no, la web del “Jefe”: El Bloc d’en Guillem Terribas. Amb ressenyes de llibres i entrevistes.

ALGUNS ENLLAÇOS

Des d’aquí podeu accedir a la Revista BonArt. Hi ha les ressenyes d'exposicions amb opinions i hi ha hemeroteca).

Aquesta revista, en la seva versió web hi ha una galeria d'art virtual. Ara hi ha una mostra d'un artista que a mi personalment m'agrada molt: l'Antoni Llena.

COLECCIÓN MACBA

2009-07-07T09:42:00.000+02:00

Hoy hablaré un poco de las última exposición que he visitado en el MACBA “Temps com a matèria. Col·lecció MACBA. Noves incorporacions” y que puede verse hasta finales de agosto. Esta exposición está dedicada a las últimas adquisiciones realizadas por el museo para su colección. En primer lugar hablaré de los aspectos organizativos y luego comentaré algo sobre las obras.

Para empezar hay que destacar que respecto a otras exposiciones, como la que fuimos a ver hace algunos meses, han mejorado algunas cosas. En la taquilla te entregan un cuaderno de unas 20 páginas, se puede descargar aquí, donde aparte de explicar bastantes de las obras expuestos, de forma muy somera, intenta dar una visión más global de las obras intentando relacionarlas unas con otras. También intenta situarlas un poco en el contexto de la época en la que fueron creadas y hacer un pequeño repaso del arte en la segunda mitad del siglo XX. Como algunos recordaréis en el MACBA hasta ahora si se quería saber alguna cosa sobre las obras expuestas había que ir al exterior de la sala para consultar el catálogo. En esta exposición muchas de las obras, no todas, tienen a su lado una hoja explicativa donde se habla de la bibliografía del artista y su obra e intenta explicar con un poco de detalle la obra que tenemos delante. Un aspecto criticable es que algunas explicaciones son bastante técnicas para el común de los mortales.

Ahora pasemos a las obras. Como siempre en estas exposiciones uno tiene la sensación en algunos casos que el artista con su mensaje es demasiado rebuscado y que él solo capaz de entender su propia obra. Otras obras solo se pueden llegar a comprender conociendo muy las inquietudes artísticas del momento en el que fueron concebidas y que hoy en día al aficionado medio le son difíciles de captar.

Respecto a las obras que he visto, una de las que más me ha gustado ha sido “Shapolsky et al. Manhattan Real Estate Holdings, a Real-Time Social System, as of May 1, 1971” de Hans Haacke. Se trata de una denuncia contra la especulación urbanística en Nueva York donde se denuncian los trapicheos de una empresa del sector a base de fotografías, planos y diagramas de las transacciones realizadas dentro del mismo grupo de empresas para conseguir beneficios fiscales. La obra fue objeto de un gran escándalo en los años 70 en el Guggenheim al decidir el director del museo que la obra no era adecuada para su exposición. Según las malas lenguas el director del museo tenía vinculaciones con la empresa denunciada.

Otra obra que también me ha gustado mucho ha sido “Construction of the Matriz” (1976) de Francesc Torres presentada en la Bienal de Venecia de ese mismo año. Esta obra consiste en un montón de tierra cubierta de balas y donde dos libros en posiciones opuestas están iluminados por dos lámparas, un libro es el “Nuevo Testamento” y el otro el “Manifiesto Comunista”. La obra representa la violencia que ha acompañado estas dos ideologías. En mitad del montón una figura en posición fetal es proyectada representando la ilusión del nacimiento de una nueva sociedad, como correspondía a la época de la transición en la que fue creada esta obra. La verdad es que un número importante de obras tienen un fuerte contenido de denuncia política como las del artista argentino León Ferrari que realiza una ácida y divertida crítica de la iglesia en su obra “L’Osservatore Romano“, artista muy conocido por esta obra. En esta obra combina titulares del órgano oficial de la iglesia (L’Osservatore Romano) con obras de otros artistas con las que se ilustra el titular (ejemplo).

Otra línea de reflexión de las obras expuestas era el poder y la manipulación de los medios de comunicación. Una de las obras expuestas y de las más interesantes de la exposición es la “Situación de tiempo” (1967) del argentino David Lamelas. La obra consiste en 17 monitores, instalados en un habitación oscura, que no emiten nada, simplemente la típica nieve de cuando no hay sintonizado ningún canal. Los televisores son privados de ejercer su función habitual y son reducidos a la nada.

Otra obra que atrajo mi interés fue “Codex Artaud XIII” (1972) de Nancy Spero. Esta obra consiste en una serie de cuadros donde se combina escritura, textos del poeta francés Antonin Artaud uno de los escritores más turbadores del siglo XX, dibujos y collage. Los dibujos suelen representar el contenido del texto. Con esta obra la autora daba rienda suelta a su ira por las discriminaciones que sufría por ser una mujer artista y también al dolor que sufría como consecuencia de problemas físicos que padecía. Esta obra se encontraba dentro de un apartado dedicado a la utilización del lenguaje como forma de expresión artística y donde podían verse poemas visuales de diferentes autores como Joan Brossa.

Estas han sido algunas de las obras que me han atraído; aunque hay más. Es recomendable ir sin prisa ya que la exposición es bastante larga, ocupa los tres pisos y la Capella.

Israel Muñoz.

J.D. SALINGER

2009-07-04T23:26:00.000+02:00

Este año se celebran los 90 años del nacimiento de este gran escritor norteamericano. Que es conocido principalmente por la novela “El guardián entre el centeno” (“The catcher in the rye” en su título original en inglés). De esta novela hablaré más adelante, antes un pequeño apunte de la vida de este escritor.

Salinger nació en Nueva York en 1919 en una familia judía, como en tantos otros casos de intelectuales norteamericanos. Inició su andadura como escritor escribiendo relatos para diferentes publicaciones de su país. Su participación en la Segunda Guerra Mundial lo dejó bastante traumatizado. En 1951 publicó la novela mencionada que le reportó una gran fama. Posteriormente escribiría algunas obras más. Desde hace muchos años vive aislado del mundo. La última foto que se tiene de él data de los años 80 y la última entrevista que concedió fue hace unos 30 años. Hace unas pocas semanas volvió a saltar a los periódicos, a través de sus abogadas, para denunciar el intento de publicación de una continuación de su novela. Algunos estudiosos creen que en su retiro sigue escribiendo obras pero que no han sido publicadas. Quizás haya que esperar a su muerte para saber lo que hay de verdad en esto.

Vayamos ahora a su novela “El guardián entre el centeno”. Esta obra, que hace pocos días acabé de leer, narra tres días de la vida del protagonista, Holden Caulfield, un adolescente de 16-17 años, desde que abandona una escuela secundaria de élite del que están a punto de expulsarle, como había ocurrido antes en otras, hasta que llega a su casa, en la que no saben todavía que lo han expulsado. Ese tiempo lo pasa básicamente en Nueva York donde le ocurren diferentes peripecias. Este es más o menos el argumento de la novela. Como podemos ver volvemos a estar delante de una obra en la que el argumento no es especialmente destacable, como el caso de “Ulyses” o “A la búsqueda del tiempo perdido” por mencionar algunas novelas ya referidas anteriormente. ¿Dónde se encuentra el interés de esta obra?

El libro narra en primera persona los eventos transcurridos estos tres días en un estilo muy directo y coloquial, propio de un adolescente de su tiempo. El protagonista de la novela es una especia de anti-héroe. Una persona que desconfía de prácticamente de todo el mundo con el que se encuentra o ha compartido alguna parte de su vida, a excepción de su hermana. Se trata de una persona bastante cínica y sarcástica en su relato de los hechos. Detrás de las experiencias vividas por el protagonista se puede vislumbrar una crítica bastante ácida de la sociedad de su tiempo, de la hipocresía, y del estilo de vida y aspiraciones de la mayoría de la gente. Para muchos expertos todo esto refleja el miedo, la confusión del protagonista que está a punto de entrar en la vida adulta con la que no se identifica. Un aspecto muy destacable y alabado de este libro es la gran caracterización de los diferentes personajes que aparecen en el libro, de una gran realidad humana.

Un aspecto polémico del libro, y que le ha costado algunas prohibiciones en algunas bibliotecas de Estados Unidos (hasta la caperucita roja no se escapa de esto), es la importante presencia del alcohol y del tabaco en los hábitos de consumo del protagonista y del sexo en sus pensamientos y deseos. Aunque esto haya escandalizado a bastantes personas parece ser que no deja de reflejar más que la realidad de los adolescentes de su época, y casi podríamos decir que de buena parte del siglo XX.

La obra hoy en día sigue siendo un gran éxito. Según datos que se pueden consultar en wikipedia la obra habría vendido más de 65 millones de copias. Aquí tenemos un ejemplo de libro exitoso y de gran nivel literario que casi 60 años después de ser escrito sigue siendo admirado.

EXPERIMENTEM AMB L'ART - BARCELONA

2009-07-02T09:38:00.000+02:00

Consulteu la pàgina web aquí.

AGENDA DE JUNY AL SETEMBRE - GIRONA / BARCELONA

2009-06-29T23:29:00.006+02:00

GIRONA

Bolit
26/06/2009-20/09/2009: Nits fosques del’ànima

Fontana d’Or
29/05/2009-15/07/2009: Nonell. Figures i Espais
24/07/2009-04/10/2009: Costa Brava Segle XXI

Museu d’Art
02/04/2009-30/08/2009: Fascinació per Grècia. L’art a Catalunya als segles XIX i XX

Museu del Cinema
Siempre organizan un montón de actividades. Se puede consultar en el siguiente link (ir a Activitats Temporals).

Museu d’Història de la Ciutat
02/04/2009-27/09/2009: Girona i França. Entre la Guerra i la Pau 1659-1939

Obra Social "La Caixa"
27/05/2009-28/06/2009: Manolo Valdés. Escultures Monumentals.

Fundació Valvi
Siempre organizan exposiciones. Información aquí sobre la exposición más actual.
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BARCELONA

Barbier Muller
Hasta 10/2009: Obras maestras del arte precolombino (no hay informacion acerca de la exposicion).

Caixa Forum
21/05/2009-06/09/2009: Andrea Palladio.
03/07/2009-18/10/2009: Maurice Vlaminck, un instint fauve
19/06/2009-27/09/2009: Figuracions. Col·lecció d’Obra Gràfica de la Fundació “la Caixa”.

Centre d’Art Santa Mònica
20/06/2009-6/09/2009: After Architecture. Tipologies del després
26/06/2009-25/10/2009: A green new deal. Arquitectura mineral vs arquitectura vegetal
26/06/2009-20/09/2009: Arquitectures sense lloc 1968-2008
26/06/2009-20/09/2009: US Trade Center Graphics in Europe

CCCB http://www.cccb.org/ca/programacio
25/05/2009-06/09/2009: Quinquis dels 80. Cinema, premsa i carrer.25/07/2009-18/10/2009: El segle del Jazz. (Esta exposición ha tenido un gran éxito en París).

Fundació Caixa de Catalunya-La Pedrera
(Parece que no hay nada hasta octubre)

Fudació Joan Miró
17/06/2009-18/10/2009: Miró-Durpin. Art i Poesia

MACBA
23/01/2009-19/04/2009: Temps com a matèria. Col·lecció MACBA. Noves incorporacions

MNAC
07/07/2009-27/09/2009: Això és la guerra! Robert Capa en acció.
07/07/2009-27/09/2009: Gerda Taro

Museo d’Història de Catalunya
07/05/2009-02/08/2009: Princesas de terres llunyanes. Catalunya i Honoria a l’edat mitajana

Museo Frederic Marès
29/04/2009-27/09/2009: Antoni Solà (1780-1861). La Bellesa Ideal

Museu Picasso
11/06/2009-27/09/2009: Kees Van Dongen

Palau de la Virreina
10/07/2009-27/09/2009: Jo mateix i l’altre. Retrats en la Fotografia India Contemporània
16/07/2009-27/09/2009: Valérie Mréjen. La place de la Concorde

Israel Muñoz.

BLOOMSDAY

2009-06-24T10:12:00.003+02:00

Hace pocos días se celebró un año más el Bloomsday. ¿Qué es el Bloomsday?. En este día que se celebra cada 16 de junio se reviven los hechos relatados en la novela Ulyses (1922) de James Joyce (1882-1941). Esta novela está considerada por muchos expertos como la más importante obra literaria del siglo XX en lengua inglesa y para algunos de toda la literatura de este siglo, con el permiso de Proust, y uno de los máximos exponentes de la novela moderna.

Bloomsday hace referencia al protagonista de dicha obra, Harold Bloom. Los hechos relatados en esta obra tienen lugar un 16 de junio de 1904 en Dublín. Durante este día se celebran multitud de actos para recordar esta obra y su autor. Se realizan lecturas públicas del libro, la gente se disfraza de época, realizan el recorrido de los personajes de la novela o intentan comer y beber lo mismo que los personajes del libro, con riesgo de sufrir problemas de colesterol y alcoholismo. Esta celebración no únicamente se celebra en Irlanda, sino que se ha extendido a otros lugares del globo. Pocas obras literarias pueden presumir de una celebración de este calibre. Sin embargo, a pesar de las celebraciones, poca gente puede afirmar que ha leído “Ulyses”. La mayor parte de la gente que lo intenta lo deja al poco de comenzar ya que la consideran aburrida, difícil de seguir, espesa o ilegible. Como curiosidad parece que la fecha mencionada del 16 de junio de 1904 hace referencia a la primera cita de James Joyce con quien sería su futura mujer.

La obra narra principalmente un día ordinario en la vida de Harold Bloom, un hombre normal, una especie de vendedor de publicidad, casado y judío y de Stephen Dedalus, alter-ego de James Joyce. ¿Qué tiene que ver el poema homérico de la Odisea con esta obra?. Esta obra relata la odisea del hombre moderno. A diferencia de las obras escritas hasta entonces, el personaje principal de la novela no es un héroe, ni nadie importante, simplemente un ciudadano vulgar. Por muchos es considerado como una celebración del hombre común, que pasa a ser el protagonista de la novela. Los personajes que aparecen en la obra están relacionados con los personajes de la Odisea, por ejemplo Harold Bloom es Ulyses y Stephen Dedalus es Telemaco, y cada capítulo de la obra hace referencia algún evento que ocurre en la obra de Homero.

Muchos estudios consideran que el “argumento” de esta novela es la búsqueda simbólica de un hijo por parte de Bloom, perdido tiempo atrás, y que lo encuentra en la persona de Stephen Dedalus. Sin embargo este argumento no es tan destacable en una primera lectura, y en general mucha gente considera que esta obra carece de un argumento en el sentido clásico del término.

Una de las característica más importantes de esta obra, y que hace que el libro sea muy complicado de seguir, es la utilización de la técnica conocida como “stream of consciousness” o monólogo interior a la que me referí en el artículo referido a Marcel Proust. El uso de esta técnica es tan radical que se precisa de una gran concentración para poder seguir el hilo del libro. Ya que al igual que los pensamientos de una persona normal cambian constantemente (ahora pensamos en la cena y de repente vemos algo y nos ponemos a pensar en el trabajo o en algo que ocurrió hace unos años) los pensamientos de los personajes de este libro también cambian continuamente. Otro aspecto destacable es el uso de vocabulario, según los estudiosos el autor utiliza un vocabulario de unos 30.000 términos. También cabe destacar que cada capítulo está escrito en una técnica diferente. Por ejemplo, hay un episodio donde el protagonista va a un periódico para publicar unos anuncios. Todo este capítulo esta escrito como si fuera un conjunto de noticias, donde se narra la historia a base de noticias que consisten en titulares y noticias. Más adelante en el libro, en uno de los momentos más delirantes en el que los protagonistas se encuentran con unas prostitutas está escrito como si fuera una obra de teatro. A todo esto hay que añadir una enorme cantidad de referencias culturales, filosóficas, históricas, etc inabarcables para el común de los lectores.

Debido a cuestiones morales, prostitutas, alcohol, adulterio, etc el libro durante mucho tiempo fue objeto de prohibición. Hay que añadir que aprovecha que el protagonista es judío para atacar sin piedad a la iglesia católica, en un divertidísimo capítulo en el que acude a un entierro, o para criticar los políticos salvapatrias irlandeses. Hay que añadir que no se priva de nada en las descripciones de las actividades de los personajes (comer, ir al baño, sexo, etc)

Como he comentado anteriormente la lectura de este libro no es nada fácil y muy larga, unas 1000 páginas. Sin embargo existen ediciones de esta obra en la que cada capítulo es comentado y analizado a parte, de modo que uno puede tener una idea de lo que está leyendo y no perderse tanto. Evidentemente gente que sus lecturas se centren en los últimos libros de moda como el “Código da Vinci” o las novelas de Stieg Larson mejor que no lo intente, no pasaría de la primera página.

Israel Muñoz.

Art Jove a Barcelona

2009-06-17T12:47:00.007+02:00

Abans de Programació pel 2009

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Inauguració: DEMÀ, dijous 18 de juny a les 20h.Del 18 de juny al 17 de setembre de 2009 (agost tancat)

domèsticació

Daniela Ortiz

Espacio privado

Conrado Pittari Volcán

Adrià Rodríguez de Alòs-Moner

Casa teva, el teu regne

Procés de tutoria a càrrec de Cèlia del Diego

Projectesd’edició 2009

Mireia C. Saladrigues

El Poder de la Convocatòria

Daniel Jacoby

Pronòstic del temps per al 20 de febrer dels propers 100 anys

Procés de tutoria a càrrec de Txuma Sánchez

Publicació Llogo habitació a canvi de sexe cèntrica, confortable, decorada d’Ikea en format digital, aquí.

MAN RAY: LE RETOUR A LA RAISON (1923)

2009-06-17T09:00:00.004+02:00

Neix a Amèrica (Philadelphia) el 1890. El seu nom significa “Home llamp” i ja ens mostra el que vol ser; velocitat, llum... Un dels grans representants de les primeres avantguardes.

Rebutjava la petjada del pintor. Creia que l’obra havia d’anar sempre per sobre la intervenció humana; evitava a tota costa evitar que es notés, en les seves obres, la seva pròpia mà.

Per ell és la victòria d’allò conceptual sobre el treball artesà i fins i tot pinta algunes teles evitant sempre de tocar-les.

Aquesta que penjo aquí és una de les poques pel·lícules que es conserven.

El vídeo es diu Le retour a la raison (El retorn de la raó) i té una durada de 3 min i es de 1923. No s’ha de mirar de la mateixa forma que un mira una pel·lícula de diumenge a la tarda sinó com qui mira per primera vegada una pantalla. Es una rebel·lió: no explica cap història, no s’ha d’entendre res, només mirar el joc de la llum i les formes. Res més. El propi artista ho classifica amb el terme de “cuina fílmica”, hi posa xinxetes, sal, pebre...damunt d’una cinta fílmica com si cuinés i dona un resultat abstracte de la pel·lícula.

Abstracte del tot? Doncs no, és ben senzill reconèixer els objectes utilitzats. Un dels debats del moment i també d’ara es si pot existir l’abstracció en un suport fílmic tant condicionat a les 4 dimensions.

Els creadors d’avantguarda són els artistes que van a la recerca de nous horitzons, d’innovar artísticament. Sobretot pel que fa a la difusió de les obres. A més es comencen a preocupar per totes les característiques de recepció i creació de les obres. Per tant, es preocupen per tot el procés artístic. El mercat capitalista dona lloc a la industrialització de l’art i la cultura i cal que les avantguardes hi tinguin lloc. S’inaugura una nova xarxa de galeries i de sales d’exposició allunyades del ordre oficial i acadèmic que de forma paral·lela encara treballa.

Avui dia i després de l’últim gran boom de ventes dels anys 60 i 70 del s. XX, les formes de distribució i comercialització han quedat apartades per part dels propis artistes. Una de les noves formes de l’art més actual és que ja no només fuig de les normes que l’acadèmia imposava a les primeres avantguardes sinó que també es fuig dels lligams que el mercat pot arribar a sotmetre.

Meri Gil.

JOAN MIRÓ

2009-06-12T07:40:00.000+02:00

Hace unos día finalicé la lectura del libro “Miró” de Jacques Dupin, amigo y colaborador de Joan Miró (1893-1983). A pesar de ser un libro largo, unas 450 páginas, se lee fácilmente y permite, gracias a las explicaciones del autor, introducirse en la comprensión de la obra de este gran artista. Una de las críticas que se puede hacer a este libro es que la obra de sus últimos años es analizada un poco de pasada por su autor. Quizás sea consecuencia del poco tiempo transcurrido desde la muerte del autor para tener una perspectiva global de este último periodo.

Una de las características más destacables de las obras de Joan Miró son los fondos de sus cuadros como puede verse, por ejemplo, en este cuadro. Muchas veces los fondos de estos cuadros son más importantes que las figuras que lo pueblan. Una de las cosas que más me ha llamado la atención, y que desconocía, es la influencia de Miró en un autor tan importante en el arte del siglo XX como Mark Rothko (1903-1970). Para quien no lo conozca es uno de los más importantes representantes del expresionismo abstracto, movimiento que surgió en Estados Unidos en los años 40 y que dominó el arte internacional después de la Segunda Guerra Mundial. Este autor es sobretodo conocido por sus cuadros abstractos formados por manchas de color en formas de rectángulos como este. Estos fondos de color de la obra de esta autor es considerada por muchos como una clara influencia de Joan Miró. ¿Cómo se produjo esta influencia? Miró fue un artista muy admirado en Estados Unidos ya que en 1941 el MOMA, es decir, el Museo de Arte Moderno de Nueva Cork organizó la primera retrospectiva de Joan Miró en el mundo y que resultó un gran éxito. Posteriormente en 1947 viajaría a este país a realizar algunos encargos. Otro pintor que también se vería influenciado por Miró fue Jackson Pollock. Aunque Joan Miró influenció la obra de pintores del movimiento expresionismo abstracto el mismo utilizaría algunas ideas de Jackson Pollock (un ejemplo) para sus obras, como en este “Disco rojo” de 1960.

Como puede observarse las influencias artísticas a veces no tienen un sentido único.

Inauguració "Caos i Ordre" de Carlos Ruiz Brussain‏

2009-06-11T00:25:00.009+02:00

Carlos Ruiz Brussain ens convida a fer una visita a Caos i Ordre, la seva propera exposició que s'inaugurarà el proper dissabte 13 de juny a les 12h al Museu Etnològic d'Amer.

En Carlos es forma a Buenos Aires. S'inicia com a il·lustrador l'any 1991 fent encàrrecs per publicitat i còmics. Al 1996 descobreix el món dels dibuixos animats on comença fent animació publicitària. L'any 1999 el contracten per dissenyar els personatges i dirigir l'animació del llargmetratge Condor Crux (Patagonik-Disney).

A partir del 2001 fins a l'actualitat dibuixa storyboards publicitaris (Audi, Nescafe, Knorr, La Virginia, Movistar). Al gener del 2005 col·labora com a director artístic del projecte Tree of Fire, pel·lícula gestada pel director guanyador del Oscar Eugenio Zanetti. L'octubre del 2006 s'estrena com a director amb el curt Somnis creat per a Converse gallery. Al 2007 dibuixa l’animació pel “Black Music Festival”.

L’any 2008 dirigeix el curtmetratge “Felicitat”. Actualment treballa com a director artístic, cool-hunter i il·lustrador freelancer. Des de l'any 1999 compagina la seva carrera amb la docència on s'especialitza en la branca de la creativitat. En el seu temps lliure es dedica a la pintura, a la literatura i al projecte “Sinestetics” que combina dibuixos i música en viu amb vídeo digital.

Aquí podeu veure un avançament virtual de l’obra que podreu veure.

MÉS INFORMACIÓ

Lloc: Museu Etnològic d'Amer

Adreça: Plaça del Monestir, 2

Telf. 972431956

HORARIS MATINS:
Dimarts, Dimecres, Dijous i Divendres de 10 a 14h
Dissabtes, Diumenges i Festius de 11 a 14h

HORARIS TARDA
Dimecres, Divendres i Dissabtes de 17 a 19h
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Informació biogràfica extreta d’aquí.

CRÓNICA

2009-06-05T11:03:00.000+02:00

Aprovechando que hace unos días fui a Barcelona a ver algunas exposiciones, intentaré resumir lo que pude ver y la impresión que me llevé. Como siempre hay de todo.

En primer lugar fui a CaixaForum donde visité la recién inaugurada exposición sobre Andrea Palladio (1508-1580). Para quien no lo sepa es uno de los más grandes arquitectos de la historia. La exposición es entretenida. Lo mejor, y eso puede atraer a gente, incluso niños, que habitualmente no van a exposiciones es que hay bastantes maquetas de sus edificios. Además de pueden ver algunos cuadros de Tiziano, Tintoretto, Il Veronese, etc evidentemente no son los mejores cuadros. En la parte negativa se puede comentar que muchas de las explicaciones que acompañan los dibujos de sus obras, y hay muchos, son muy técnicos y hay que saber bastante de arquitectura clásica para poder entender algo. También en el inicio de la exposición faltan explicaciones porque hay una serie de obras de sus maestros que no se acaban de comprender como encajan en la exposición.

En el mismo sitio pude ver algunas obras del Festival Loops que se encontraban ubicadas en la sala 5, hay que subir unas escaleras, y en la mediateca. Me han gustado bastante, el problema con las obras de la mediateca es que el sonido de las obra apenas se escuchaba. Si las queréis ver no os preocupéis porque se podrán ven hasta mediados de julio.

Después de comer he ido al reinagurado Centre d'Art Santa Mónica (en la Rambla cerca de Colon para quien no lo sepa). Había oído hablar bastante de este sitio pero nunca había entrado. Parece que en la nueva etapa según me comentaron se va a centrar en las artes visuales. Lo visité casi todo y lo encontré muy interesante. Ya tengo un nuevo sitio para ir a visitar con asiduidad a Barcelona. Además no hay que pagar entrada. En el antiguo claustro había una instalación, una especie de laberinto, de Isabel Coixet que había creado como homenaje al escritor John Berger. La otra cosa que me gustó mucho fueron algunas de las instalaciones de Mal Pelo. Otro aspecto muy positivo es que cada obra tiene una pequeña explicación, pero cortita, nada que ver con otros sitios muy amantes de la mala literatura. Lo que menos me ha gustado ha sido la sala donde han ubicado las proyecciones del Festival Loops, no he visto ni una. No invitaba demasiado a pasarse un rato mirando las proyecciones. Si queréis visitar estás exposiciones hay que darse prisa porque finalizan el 7 de junio. Parece que alguna de las instalaciones Mal Pelo vendrá en otoño al Bòlit. El próximo ciclo parece que irá de arquitectura; no sé como encaja con lo que me comentaron en la entrada sobre los objetivos del centro.

A continuación me he acercado al Palau de la Virreina, Rambla arriba. He visto la exposición llamada “Ingrid Last Login” que está relacionada con el Festival Loops. Es una exposición colectiva relacionada con la creación artística y las comunidades virtuales. Algunas cosas, sobretodo de fotografía, me gustaron bastante; sin embargo hay algunas cosas un poco sanguinarias no aptas para estómagos débiles.

Finalmente he ido a la Pedrera a ver una exposición dedicada a Josep Mompou (1888-1868). Fue un pintor catalán bastante olvidado y hermano del compositor Frederic Mompou, este bastante más conocido. No es que me haya gustado en exceso; aunque si que he visto algunas cosas que me han gustado. Sus cuadros recuerdan a Matisse, pero sin un lenguaje excesivamente moderno, muy dado a pintar marinas, pueblos de postal, etc. También se podían ver cuadros de cuerpos femeninos, en la línea de las odaliscas de Matisse, o interiores. Lo que me ha gustado de sus paisajes es el color utilizado, muy blanquinoso, y las formas sensuales de pintar. También me ha gustado este cuadro conocido como “Dancing”. Parece que fue muy elogiado por la crítica norteamericana cuando se exhibió en aquel país. Si uno visita la exposición verá que la mayoría de la obra expuesta poco tiene que ver con esta.

También en la Pedrera se podían ver algunas proyecciones del Festival Loops. En este caso eran creaciones del músico Michael Nyman, en mi opinión una especie de Beuys en el peor de los sentidos. Se cree y se define como una de las figuras de la música de vanguardia y su música está escrita en un estilo bastante trasnochado. De las videoinstalaciones había alguna cosa interesante; pero tampoco es que fuera para tirar cohetes.

Israel Muñoz.

ARQUITECTURA MODERNA EN GIRONA

2009-06-01T16:30:00.001+02:00

Estos últimos días he estado investigando un poco sobre los edificios que en los últimos años han recibido algún tipo de premio en nuestra provincia; aunque sea a nivel local. No es una lista exhaustiva ni sistemática y está un poco en función de los gustos del autor de este artículo.

En relación con el tema de los premios hace unas semanas se hizo público el ganador del Premio Década que reconoce el mejor edificio 10 años después de haberse construido. Esta vez correspondió a una biblioteca de la Universidad Pompeu Fabra. Lo interesante de este premio es que muchos edificios son muy bonitos el día que se inauguran, sin embargo algunos no resultan ser prácticos, los materiales se deterioran con facilidad, aparecen goteras, etc al poco tiempo. Ya veremos como están algunos de los edificios que menciono de aquí a unos años.

Dentro de nuestra provincia desarrolla su actividad el despacho conocido como RCR Arquitectes de Olot que ha ganado varios premios prestigiosos y cuyas obras son admiradas por muchos expertos. La mayoría de las obras que comentaré han sido creadas por este despacho de arquitectura.

La primera construcción que mencionaré son las Bodegas Bell-Lloc cerca de Palamós diseñado por RCR Arquitectes. Se trata de unas bodegas dedicadas a la elaboración de vino que han sido construidas de forma semienterradas por cuestiones paisajísticas. Una de las características más interesantes del edifico es que al estar las zonas de elaboración semi-enterradas permite que la temperatura de la zona de proceso fluctué menos y pueda mantenerse dentro de los parámetros óptimos sin tener que recurrir a grandes dispendios para alcanzar la temperatura óptima. Otro aspecto a tener en cuenta es la integración en el entorno ya que parte de la construcción se encuentra enterrada bajo las viñas.

Otro edificio emblemático del mismo despacho de arquitectos es el Restaurante Les Cols en Olot. Ubicado en una antigua masía remodelada se han construido en su alrededor una serie de pabellones a base de cristal y acero donde se puede pasar la noche. Estos pabellones, que por lo visto no disponen de televisión ni Internet, son transparentes y tienen por objetivo que aquellos que pasen allí la noche estén en comunión con el entorno y el cielo. Es como dormir una noche al aire libre pero protegido por un edificio. En este link podéis encontrar bastantes datos, fotos y planos de esta obra. Como debe de ser pasar una noche de lluvia.

Otro edificio realizado por el mismo despacho y donde también dominan las transparencias es la “Casa M-lidia” en Montagut. Edificio concebido como vivienda para una pareja. Aquí podéis encontrar algunos planos y fotos aquí.

Otra obra, diseñada por el mismo grupo de arquitectos es el Estadio de Atletismo Tussols-Basil en Olot. Es un buen ejemplo de una obra integrada en el entorno. Aprovechando un claro en un bosque de robles se ha creado una pista de atletismo. Parece que el proyecto no era del agrado ni de atletas ni de ecologistas. No sé si a los atletas les seguirá desagradando pero a mí no me importaría correr en él. Acostumbrados a las animaladas que se ven en la costa habría que ver esto como un buen ejemplo de combinar naturaleza y modernidad. Aunque esto también puede aplicarse a otras de las obras anteriormente mencionadas. No lejos de allí, en Les Preses, y como no por los mismos arquitectos tenemos el famoso Parc de la Pedra Tosca

Recientemente el Hotel del Empordà Golf en Gualta ha ganado uno de los Premios de Arquitectura que organiza el Colegio de Arquitectos. A mí no me gusta tanto como las otras obras que he mencionado pero si cabe destacar el importante uso que se hace de la madera como elemento constructivo y el gran aprovechamiento que se hace de las vistas gracias a las grandes cristaleras que dan al exterior. En este país a veces se hacen edificios modernos con ventanas tan pequeñas que parece que da miedo el sol. Sus autores en este caso son Carlos Ferrater y Martí-Sardá Arquitectos.

Quizás un día podríamos realizar una especie de ruta de la arquitectura moderna en Girona; aunque fuera con prismáticos para que no nos echen los perros.

Israel Muñoz.

MAURICE RAVEL

2009-05-22T10:50:00.000+02:00

Ya que esta semana pasado se ha celebrado un concierto en nuestra ciudad en el que se pudo escuchar el famosísimo Bolero de Ravel, me gustaría hablar de este grandísimo compositor, una de las figuras más influyentes de la música del siglo XX. Estamos ante una figura conocida por la mayoría de la población por una única obra. Por suerte los aficionados y expertos lo conocen por muchas más obras e igualmente maravillosas. Estamos ante un compositor cuyas creaciones combinan un lenguaje moderno, pero sin ser vanguardista en extremo, con belleza y sensualidad.

Maurice Ravel (1875-1937), nació en el País Vasco francés, de madre origen español, y padre francés. Este dato es importante porque durante su carrera mantendría siempre un inusitado interés por España, y que le servirían de inspiración en “Bolero”, “La hora española”, “Rapsodia Española”, etc. Fue alumno entre otros de Gabriel Fauré (1845-1924) en el Conservatorio de Música de París. Otro aspecto también muy importante para comprender sus obras es el interés que tuvo siempre por la música del Extremo Oriente que tuvo ocasión de conocer durante la Exposición Universal de 1889, para la que se construyó la Torre Eiffel. A la muerte de otro gran compositor francés, Claude Debussy (1862-1918) gozaba ya de un gran prestigio y fue reconocido como el más importante compositor de su país. Los cuatro últimos años de su vida los pasó retirado por una grave enfermedad neurológica.

Su estilo se puede considerar como de gran originalidad, combinando elementos clásicos y modernos, creando un lenguaje con una capacidad de sugestión y evocación rara vez alcanzado por otros compositores. Por un lado su música se puede considerar heredera del estilo impresionista de Claude Debussy, pero también del clasicismo, no abandonando la tonalidad pero si haciendo uso de las disonancias. Su música incorpora elementos de procedencia muy variada como puede ser la música popular, como la española, ya mencionada, la música oriental en obras como “Sheherazade” o “Ma mere l’oie” o la gitana como en “Tzigane” para violín y orquesta. También el Jazz, gracias a la ayuda George Gerschwin, que conoció directamente durante su gira en Norteamérica en 1928, en obras como el “Concierto en sol mayor” para piano o “El niño y los sortilegios”.

Una de las características de su creación es que un porcentaje muy elevado de su catálogo, que no es excesivamente numeroso, son auténticas obras maestras y de repertorio. Esto se debe a que era muy perfeccionista, Stravinsky lo llegó a comparar con un relojero. Está considerado como uno de los más grandes orquestadores de la historia, es decir que sabía utilizar muy bien los recursos de la orquesta. Esto puede observarse en muchas sus obras. Es capaz de obtener timbres, combinaciones de instrumentos rara vez escuchados hasta la fecha. “Bolero” es un ejemplo de esta maestría en el manejo de la orquesta. El tema es repetido de forma machacona y con pocos cambios harmónicos, sin embargo la obra no se hace larga ni monótona por los cambios de coloridos y timbres debido a la utilización de los diferentes instrumentos de la orquesta,

Se puede decir que su música por lo general, no toda, no es fácil de escuchar para gente no iniciada. En mi caso Ravel fue uno de los compositores en los que más me costó entrar. Sin embargo cada vez que lo escuchaba me daba cuenta que había algo que no era todavía capaz de comprender pero que debía de ser maravilloso. Hoy en día todavía sigo descubriendo auténticas maravillas en sus obras.

A continuación analizaré de forma breve alguna de sus obras para que podáis comprender lo que he comentado. Comenzaré por el concierto para piano en sol mayor

El primer movimiento arranca con un tema inspirado en un zortziko, música popular vasca, para luego pasar a un segundo tema (entorno al 1:10 del video) con claras influencias del jazz.

El segundo movimiento recuerda a los movimientos lentos de algunos conciertos para piano de Mozart, estamos ante una música claramente clásica pero que suena al mismo tiempo moderna y una de las obras más bellas del autor.

En “Ma mère l’oie” podemos escuchar en el fragmento conocido como “ La Emperatriz de las Pagodas” una referencia muy clara a la música del Extremo Oriente.

En el inicio del Trío de cuerda se puede escuchar en el inicio de la obra una muestra del poder de evocación y uso exquisito de los dos instrumentos de cuerda en combinación con el piano

En Dafne y Cloe podemos ver unos cuantos ejemplos de la maestría como orquestador de Ravel. En el primer fragmento podemos ver como utilizando los diferentes colores instrumentales es capaz de describir el amanecer. En el segundo fragmento podemos escuchar la danza final, considerados por muchas como una maravilla de orquestación.

LOOPS - FESTIVAL DE VIDEOCREACIÓ

2009-05-20T13:37:00.005+02:00

La setena edició de LOOP tindrà lloc a Barcelona del 21 al 31 de maig.

Després de sis edicions, LOOP s’ha consolidat internacionalment com un referent
indiscutible en la difusió i promoció del millor videoart i com a punt de
trobada excepcional per als professionals i amants d’aquesta disciplina
artística. Articulat en torn a tres eixos, el Festival, la Fira i els Panels
d’experts, reuneix a Barcelona tant les últimes propostes del videocreadors més
reconeguts com les creacions d’artistes de vídeo emergents, a més de recuperar
per al gran públic algunes de les peces més emblemàtiques de la història del
vídeo. El Festival que, com altres anys, s’estén per museus, centres culturals i
altres espais de la ciutat, explorarà en l’edició d’enguany la relació entre el
vídeo art i altres disciplines i gèneres artístics, com ara la dansa, el cinema,
el teatre, el disseny o la música, entre d’altres.

LOOP és el punt de trobada anual per als professionals de vídeo art des de tres formats diferents: el Festival, la Fira i els Panels de conferències. LOOP és un projecte dirigit per Emilio Álvarez, Carlos Durán i Llucià Homs.

Festival LOOP mostra els treballs més recents de més de 800 artistes a localitzacions diverses al centre de Barcelona.

Fira LOOP és la primera fira especialitzada en videoart i compta amb la participació de més de 40 galeries i distribuïdores que mostren els darrers treballs d’artistes internacionals.

Panels LOOP reuneix a distingits artistes, col·leccionistes, comissaris i directors de museus i festivals per a discutir entorn dels diferents aspectes de la conservació, el col·leccionisme, la distribució i les noves tendències al videoart.

LOOP neix l’any 2003 com a resposta a la necessitat de definir la situació present del videoart però també les possibles passes a seguir en el futur, col·laborant en la consolidació d’aquesta jove disciplina.

LOOP vol ser un espai de repercussió internacional on reunir als diferents agents del sector. Un punt de referència que afavoreixi el debat entre els amants del vídeo art i que permet als visitants entrar en contacte amb les noves creacions i traçar estratègies de futur sobre diferents aspectes que envolten la disciplina. LOOP té la voluntat de convertir-se en un referent mundial, una plataforma activa de difusió, creació i gestió per a tots els aficionats i professionals del vídeo art.

LOOP té lloc a la ciutat de Barcelona durant els mesos de primavera.

Text i imatges extret d'aquí.

ROBERT GERHARD

2009-05-15T21:43:00.000+02:00

Hoy hablaré del más importante compositor catalán del siglo XX y seguramente de su historia. Sin embargo es un gran desconocido para la mayoría de la población y gente del mundo de la cultura. Hoy en día en Cataluña se hacen más homenajes a compositores mediocres que se dedican a componer sardanas en un estilo transnochado, equivalente a los que pintan cuadros de barquitos, que a esta grandísima figura de la música. En algunos sitios en Internet se le considera como el mejor compositor español del siglo XX.

Robert Gerhard nació en Valls en 1896 y falleció en Cambridge (Reino Unido) en 1970 en el exilio y con nacionalidad británica. Hoy en día hay intentos de que su música se vuelva a interpretar, casi siempre por iniciativa de músicos extranjeros que mantienen una estrecha relación con Cataluña, como puede ser el Director actual de la OCB Eijie Oue, por el nombre se ve que muy catalán no es que sea. El “problema” es que su música es demasiado moderna para la mayoría de los aficionados y seguramente no encaja con la cultura oficial que se promueve desde las instituciones. Es cierto que el régimen de Franco no hizo nada para que fuera conocido aquí. Sin embargo, esto debería de ser un motivo de más para rehabilitar su figura y que fuera ensalzado como mínimo al mismo nivel que otros con menos méritos.

Robert Gerhard fue hijo de padre suizo y de madre alsaciana establecidos en Cataluña por negocios. Aunque inicialmente la intención de sus padres fue que se dedicara a los negocios, fue enviado a estudiar a Suiza, finalmente se decantó por la música. Fue pupilo en Barcelona de figuras tan importantes como Granados o Felip Pedrell. Sin embargo, tras intentar en vano que Manuel de Falla fuera su maestro, acabó siendo aceptado por Arnold Schoenberg (figura capital de la música del siglo XX como expliqué en un artículo anterior) con el que estudió entre 1923 y 1928. Es el único compositor español que estudió con tan eminente figura. Durante sus estudios al lado de Schoenberg tuvo también la oportunidad de conocer a otros grandes creadores como Alban Berg o Antón Werbern. Regresó a Barcelona en 1928 donde se dedicó a difundir la nueva música que se estaba desarrollando en Europa. Invitó a su maestro y a Webern a Barcelona y organizó el festival ISCM (Internacional Society for Contemporary Music) en 1936 durante el cual se realizó el estreno mundial de una de las obras más emblemáticas de la música del siglo XX, el concierto para violín “a la memoria de un ángel” de Alban Berg. Tras la guerra civil, en la que se identificó con la República, se exilió en el Reino Unido donde desarrolló una gran actividad creadora hasta su muerte.

Su estilo creativo suele dividirse en dos períodos diferenciados. Su primer estilo que abarca desde los inicios de su carrera hasta sus primeros tiempos en el Reino Unidos se caracteriza por utilizar un lenguaje tonal modernizado, con influencias del impresionismo francés o de las vanguardias rusas, asimilando muchos elementos populares catalanes y españoles, una clara influencia de su maestro Felip Pedrell. Sin embargo durante su exilio su música avanza hacía estilos mucho más modernos y abstractos claramente influenciados por las técnicas compositivas de Schoenberg, sin que las referencias a la música de su tierra lleguen a desaparecer por completo. Llega incluso a experimentar con la música electrónica. Es en este último período que alcanzó gran fama y reconocimiento en el mundo musical internacional

Algunas de sus obras más conocidas con la música para el ballet Don Quijote, sus cuatro sinfonías (sus obras más apreciadas), una opera (La dueña), así como música de cámara, coral y conciertos. Hace poco se pudo escuchar en el Liceu la cantata “La peste” (1964), un fragmento, basada en la obra de Albert Camus. Otra ejemplo es el concierto para orquesta (1965). Como se puede apreciar su estilo compositivo es muy moderno.

DISSABTE 16 DE MAIG: SORTIDA PER LA NIT DELS MUSEUS

2009-05-13T10:57:00.002+02:00

Imatge treta d'aquí.

Aquest dissabte anirem al MUSEU D’ART DE GIRONA. A veure la exposició temporal: FASCINACIÓ PER GRÈCIA. L'ART A CATALUNYA ALS SEGLES XIX i XX.

HORA I LLOC: a les 22,15h dins el pati del museu (davant la porta).

Agrairia confirmació al bloc si algú s’hi vol apuntar i no ens coneixem. Gràcies!! (es per estar al cas i si cal esperar-nos).

L’INUND´ART decepciona

2009-05-10T10:40:00.009+02:00

Com a artista, estava molt interessada en conèixer el festival abans de presentar la meva sol·licitud, de manera que vaig assistir al primer dia i a la inauguració. Per als qui no vau assistir i per a aquells que encara no heu participat, us comento què em vaig trobar.

En primer lloc, al llarg de la Rambla havien unes tanques, d’aquelles que trobem a les obres, i un fil amb uns papers que penjaven enganxats amb celo. Semblava que la Rambla estigués en plena restauració... Aquell trist panorama en realitat era el suport de la majoria dels artistes plàstics del festival i, els papers, eren la imatge del festival, tot i que semblava un treball de manualitats de parvulari. A aquell context cal afegir l’obligació dels artistes a vigilar el muntatge durant una hora, el dia i l’hora que l’organització t’indica, a més d’haver de muntar i desmuntar cada vegada...

Respecte a la inauguració, independentment de la qualitat dels espectacles (que deixaven molt que desitjar), em va sorprendre la felicitació que van fer als organitzadors de l’INUNDART, per “la seva capacitat de coordinar 300 artistes”. Coordinar? Però si els artistes s’ho fan tot ells! No poden ni pagar a vigilants o facilitar uns mitjans més adequats? A més, els organitzadors obliguen als artistes a participar de tots els debats i trobades d’artistes, mentre la ciutadania ha de pagar per poder assistir...

Però no oblidem la inauguració, perquè allà em vaig trobar una escena encara més trista: al cartell anunciaven que convidaven a un “cocktail-pop”, però ens vam trobar un para-sol amb rodes, vestit amb una tela vermella i amb un cap al damunt que simulava un “pop” (l’animal!). Al final dels tentacles, apareixien uns sortidors i un paper indicava: “Cocktail-pop. Aportació d’1€, que el pop també està en crisi”. Se’m va encongir l’ànima de la vergonya! Però si ja era penós, van aparèixer uns personatges que es van col·locar un pop mal fet al cap (sense comentaris).

Quan consultes les notícies de l’esdeveniment, només en parlen de la llista d’activitats, sense entrar en valoracions. Però si llegiu els comentaris dels ciutadans, trobareu dues paraules que es repeteixen: “collonada” i “cutre”. Efectivament, hem d’agrair als organitzadors de l’INUNDART que amb la seva difusió de l’art, amb la seva forma d’acostar l’art a la ciutadania, la gent ara pensa que l’art contemporani és una collonada. I us asseguro que a mi no em trobareu allà!

Cèlia Izquierdo
http://celiaizquierdo.blogspot.com/

DAVID CHIPPERFIELD

2009-05-08T17:31:00.000+02:00

Hace unos días ojeando algunas revistas en la biblioteca tope con una monografía dedicada a la obra de este arquitecto, David Chipperfield. A diferencia de otras artes, la arquitectura tiene el problema de que generalmente no es transportable y por lo tanto es más complicado de acceder a las obras, salvo que se viva cerca de una de ellas. Esto hace que a veces el público general sólo conozca a los arquitectos más mediáticos como Norman Foster o Richard Rogers, mientras otros igualmente interesantes no sean tan conocidos.

David Chipperfield nació en Londres en 1953. Tras graduarse trabajó con arquitectos como Norman Foster y Richard Rogers, ya mencionados, para establecerse por su cuenta a partir de 1984. A parte de dedicarse al diseño arquitectónico ha desarrollado una amplia actividad docente en diferentes universidades. Sus proyectos se han llevado a cabo en Europa, Japón y Estados Unidos. Por ejemplo en España actualmente se está a punto de poner en marcha un proyecto creado por él como es “La Ciudad de la Justicia” en l’Hospitalet. Una de las áreas en las que ha trabajado más ha sido en la construcción de equipamientos culturales.

Su estilo es considerado por muchos expertos como minimalista. En el campo de la arquitectura este término se puede entender como la búsqueda en la simplicidad, y la utilización de formas claras, volúmenes simples, así como la eliminación de elementos superfluos que no contribuyen a la obra. Otro aspecto importante es el aprovechamiento de la luz natural. El objetivo no es otro que el alcanzar la armonía del conjunto. Otro arquitecto considerado como seguidor de estos preceptos es el reciente ganador del premio Pritzer, Meter Zumthor. Una de las críticas que se suelen hacer a este estilo es que para algunos este tipo de arquitectura resulta “fría” y poco acogedora. La base de esta arquitectura es menos es mas, término acuñado por Mies van der Rohe. Las creaciones de este arquitecto son elegantes y da una gran importancia a las vistas que rodean sus edificios. Algunos de sus diseños recuerdan a edificios de tipo renacentista o barroca, por la utilización de pórticos a base de columnas.

Durante su carrera ha ganado numerosos premios. A parte de dedicarse a la arquitectura también ha diseñado muebles e interiores. Entre sus obras podemos destacar (en los links se pueden ver algunas fotos):

El museo de literatura moderna en Marbach (Alemania). La utilización de las columnas y las logias recuerdan a un edificio de estilo clásico. Aprovecha la pendiente del terreno para crear diferentes espacios iluminados por luz natural.

The River and Rowing Museum en Henley-on-Thames (Reino Unido). Este edifico alberga un museo dedicado al remo y al río Támesis. Aunque es un edificio moderno sus formas recuerdan a los edificios tradicionales de la zona. Es uno de las obras más admiradas del autor.

Pabellón de la Copa América en Valencia. Destaca por un lado la sencillez de las formas del edificio y la existencia de grandes terrazas con grandes vistas alrededor del edificio y que se encuentran protegidas del sol gracias a la construcción en forma de voladizo de parte del edificio.

La sede de la BBC en Escocia (Reino Unido). Uno de los elementos más destacables de esta obra es el atrio. Este atrio es una de las creaciones más conocidas del autor y una solución muy ingeniosa, en lugar de utilizar un sistema de escaleras más tradicional, para unir las diferentes plantas del edificio creando al mismo tiempo zonas de encuentro y reunión. Aunque en la foto no se ve puede observar debajo del atrio se encuentran varios estudios de la BBC.

Imagen sacada de aquí

PROPERA SORTIDA PEL DIVENDRES DIA 15 A LES 18H

2009-05-07T16:17:00.008+02:00

El proper divendres, 15 de maig, a les 18h anem a veure la exposició que té lloc al claustre de la Universitat de Lletres (a les Àligues). Quedarem a la mateixa hora a la porta d’entrada principal.

Exposició i Jornada de conferències

Equilibri Natural: Art & Ecologia

Del 9 al 17 de Maig de 2009

Artistes: Harmen de Hoop (Holanda), Samantha Clark (Reino Unido), Lucrecia Troncoso & Karrie Hovey (Argentina y Estados Unidos), Terry Berlier (Estados Unidos), Jeanette Ramirez (Venezuela) y Isidro López Aparicio (España

Lloc: Patis de la Universitat de Girona (Campus Barri Vell) a Girona -dins la 54 Mostra Girona Temps de Flors.

Sobre l'exposició

L'exposició Equilibri Natural proposa un recorregut a través de cinc instal·lacions en espais arquitectònicament emblemàtics de la ciutat que pertanyen a la Universitat de Girona - Campus Barri Vell sota un mateix tema : l'equilibri natural que posseixen els sistemes ecològics. Els 6 artistes que crearan els seu projectes específicament per a aquests espais han estat sel·leccionats a partir de les propostes presentades per més de 30 artistes convidats pels comissaris a nivell internacional. Aquest recorregut forma part de la Mostra Girona. Temps de Flors d'enguany.

Comisaris: Lluís Sabadell, Yolanda de Zuloaga y Sam Bower.

Més informació a www.hibrids.net/naturalbalance

FRAGMENT DE L'ESPECTACLE POLIPALETA!

2009-05-06T00:09:00.005+02:00

POLIPALETA! espectacle de polipoesia clown i cabaret literari de HUMAN TRASH I LA PUBILLA DALTONICA. Aquest vídeo és una part del que es va poder veure dissabte a la nit al Centre Cultural la Mercé dins l'Inundart.

Genial noies!!

Per saber més sobre elles: KATALITZA (LA WEB I EL BLOC).

2009-05-01T22:28:00.023+02:00

AQUEST CAP DE SETMANA ES CELEBRA A GIRONA L'INUNDAR'T;

EL CENTRE DE LA CIUTAT DE GIRONA ES CONVERTEIX EN UN PUNT DE TROBADA PELS ARTISTES, ELS AMANTS DE L'ART I LA CULTURA.

DIGA'NS ELS QUE MÉS T'HA AGRADAT (I SI VOLS EL QUE MENYS).

Deixa la teva opinió a COMENTARIS.

QUÉ ES UN CAFÉ AMB LA CHARLOTTE?

2009-05-01T22:00:00.003+02:00

Som un grup obert de gent que es reuneix el primer divendres de mes, a les 19:30h al Bar del Centre Cívic de Sta. Eugènia de Girona (això si hi ha lloc) per parlar d'art, pensament contemporani, exposicions, pel·lícules, llibres... i tot allò que ens ve de gust.

Gairebé cada setmana organitzem sortides de tipus cultural i si és possible gratuïta. El més habitual es que sortim per Girona. A vegades fem sortides fins Barcelona.

Mirem l'art d'una forma lúdica sense pretensions, per a passar-lo bé, però no per això deixem d’un cantó la crítica.

En aquest bloc a part de penjar informació sobre les nostres activitats (que tu mateix pots proposar), es la paret on penjar els nostres coses: art, recomanacions, articles i crítiques.*1

Si t’animes a formar part del nostre col·lectiu tant per les xerrades, les sortides com si vols publicar un escrit teu, posa’t en contacte amb nosaltres: uncafeamblacharlotte@gmail.com
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*1. Criteris pel tal de publicar un article al Blog:
1. El tema ha de correspondre’s amb art contemporani (en totes les seves vessants). És important que es tractin temes que pugui ser d’interès pels altres membres del Cafè de la Charlotte i expressar-ho de la forma més simple y entenedora possible. Per tant, dir el que es vol dir sense massa ornamentació, ni paraules especialitzades o complexes.
2. El tema ha de ser original, que no se n'hagi parlant recentment - Aproximadament 2 mesos. (si és així igualment es pot reservar per un futur).
La llargària no ha de ser superior a 1 Din A4 i mig (amb lletra a Arial 11).
3. El redactat ha de ser mínimament cuidat: no cal que sigui el text d’un filòleg però repassa una mica la ortografia.
4. Si s’envien imatges envieu-les en *jpg i amb una mida no superior a 150ppp (ideal a 72ppp) i mides no superiors a 15cm tant d’alçada com d’amplada. Poseu-m'ho facil :)
5. Aportar el nom o sobrenom amb el que es vol publicar.
6. Cal que la persona que envií un escrit estigui disposada a rebre crítiques tant positives com negatives! Penseu que el bloc és un espai obert on tothom hi pot dir la seva.
NOTA: El bloc s’actualitzarà un cop a la setmana per tant, es penjaran els articles per ordre d’arribada.
Moltes gràcies per respectar-los, així tots fem un Cafè amb la Charlotte més interessant i de qualitat per tots!

PROPERA OBERTURA DE LA CAMBRA FOSCA DE CÈLIA IZQUIERDO

2009-04-30T13:18:00.016+02:00

La forma de les carícies 2007 Acrílic sobre fusta 120x100cm

El proper dia 4 i fins el 31 de maig podeu visitar al Mostrar’t (Estació Jove de Girona) LA CAMBRA FOSCA de CÈLIA IZQUIERDO.

Tot i la joventut s’ha relacionat la trajectòria de Cèlia, amb l’obra artistes tant rellevants com Jackson Pollock, Kandinsky o Antoni Tàpies. I no podem negar els punts que uneixen l’obra de Cèlia Izquierdo amb la d’aquests grans creadors però no podem passar per alt que ni les intencions de Cèlia, ni les d’aquests grans artistes son, ni podrien ser, les mateixes. I si acabéssim aquí la nostre ressenya cometríem un greu error per que precisament quan ens endinsem en la voluntat de l’artista és on comencen a trobar l’autèntic interès de La cambra fosca.

La manca de figuració i la falta d’una educació visual en els estudis obligatoris provoquen una total falta d’interès fruït de la incomprensió. Hem de llegir més enllà de la obra, més que endinsar-nos en ella, deixar-nos abrigar per l’aura que aquí encara no ha perdut.

Espectres del record 2007 100x70cm Acrílic sobre fusta.

Ens podem preguntar sobre la necessitat que sorgeix davant aquesta obra que l’artista l’expliqui. Fins a quin punt és imprescindible per l’espectador, el crític o l’historiador tenir coneixement del codi simbòlic de l’artista? Cal que Tàpies ens digui que és per a ell una creu, una mà, una forma simple i abstracte com ho és un tirabuixó? Si ho sabem gaudirem més de la seva obra?*1

Cèlia, així com alguns experts creuen que no, que precisament en això radica la qualitat d’una bona obra. I de fet, es un propòsit al que hem d’aspirar. Si bé en un temps passat també resultaven incomprensibles algunes obres i avui dia ens fascinen amb coneixement o no directe del seu autor, un dia l’abstracció serà plenament acceptada i valorada, com es mateix.

Actualment però, una servidora, es decanta per creure que la informació aportada pels experts i especialment pel propi autor és imprescindible. Si tots fóssim capaços de plantar-nos davant qualsevol obra i entendre exactament el mateix*2, no hi hauria ningú capaç d’agafar un dibuix d’un nen de primària per comparar-lo amb un quadre de Mark Rothko, ni escriure a la premsa un article con aquest.

Ala Cambra fosca de la Cèlia hi podem trobar peces d’escultura a partir de materials envellits, com la fusta i el ferro, amb sustentats per superfícies de guix.

La memòria de la pell 2008 Ciment, fusta, ferro oxidat i filferro.

La pintura es estesa sobre grans plafons de fusta es aplicada a partir de taques, generalment, sense ús de pinzells. A vegades el suport és el cartró.

Rumors del passat 2007 Acrílic i vernís sobre fusta 41x75cm.

A la cambra fosca es dona una volta de 180º a l’abstracció. Sense complexes l’autora n’explora el propi mètode creatiu que potser, de tant mitificat, ha acabat enquistant-se en alguns artistes. Ens fa plantejar doncs si hi ha un mètode vàlid i un d’erroni per l’artista abstracte. Sembla ser que si anem els llibres així és.

Cèlia crea a partir de la casualitat (aquí el punt d’unió amb Pollock). La pintura es projectada, es deixa lliscar lliurement per la superfície, es barreja amb altre pintura i a vegades es torna a començar capa sobre capa... En aquest punt es quan l’artista es deixa engolir per la pròpia plasticitat de les formes i com si unes taques de Rorschach es tractés es revela l’obra. Cèlia, com ella mateix en alguna ocasió ha comentat, no és més que una intermediària. Ella retorna a l’abstracció la forma de la que en realitat prové.

Que hi ha, doncs, dins aquesta cambra fosca? Hi trobem, més enllà de taques de pintura, un pas mes enllà en el llenguatge abstracte.*3

Víctima de la frustració 2007 73x54cm Acrílic sobre cartró.

Si en l’home i la dona han perdurat les mateixes pors al llarg dels segles, no hi ha dubte que la més inquietant de totes és la por a la nostre pròpia desconeixença. Per que podríem estar xerrant amb un desconegut en un bar, davant una tassa de cafè durant hores i hores, abans d'adonar-nos que la persona que tenim davant no és més que el nostre reflex en un mirall.

No voldria acomiadar aquesta breu ressenya sense convidar-vos a anar a visitar-la i així trobar-se, cara a cara, amb l’obra per que, de fet, és la que interessa “llegir” realment. No es poden perdre aquesta excel·lent mostra d’abstracció i art conceptual de l’artista gironina.

Per saber més visiteu l’Espai expositiu de Cèlia Izquierdo aquí.

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*1. Aquest debat sovint ens porta a determinar el valor de la hermeneutica dins la història de l’art i sobretot en el camp de la crítica artística.

*2. No podem plantar-nos davant una obra i veure el mateix de forma universal per que tota imatge es processada en el nostre cervell on hi intervé el nostre substrat cultural i totes les nostres vivències personals que ens fan individus amb un pensament únic i irrepetible.

*3. Un pas endavant com el manierisme ho va ser en el renaixement? Potser aquesta es una comparació molt exagerada. Segurament ho es peró està clar que no hi ha res que sorgeixi del no-res. L’abstracció igual que el nihilisme com més es reafirma, menys sentit té.

Text: Meritxell Gil.
Imatges: Cèlia Izquierdo.

ELOGIO DE LA GRAN LITERATURA

2009-04-28T00:52:00.001+02:00

Aprovechando que cuando comienzo a escribir este texto no hace ni un día que fue Sant Jordi me gustaría reflexionar sobre algunos aspectos de la cultura literaria que nos rodea.

Sant Jordi es el día que más libros se venden del año. Sin embargo hay un número elevado de personas que compran libros este día simplemente para decir que fue a dar un paseo por las paradas y compró un libro. De las conversaciones que uno tiene ocasión de escuchar en diferentes lugares, uno descubre que muchos de estos libros no se acaban leyendo. A veces es posible que el libro no sea lo que uno esperaba y no lo acabe; pero hay muchas veces que se compran para poder participar en la conversación que se suele entablar al día siguiente sobre lo que cada uno compró.

Otro elemento destacable de este día es que como todos sabemos se elaboran listas de los libros más vendidos. Por desgracia casi cada año encontramos entre los más vendidos libros de dudosa calidad literaria escritos por el famosete de turno, o por su “negro” como se conoce en el argot literario. Aparte de la gente famosa que aprovecha para sacarse un dinero extra, la mayoría de los escritores profesionales que llenan las paradas tanto poco son muy dignos de alabanza. Si analizo los libros más vendidos de los últimos lustros no soy capaz de recordar ninguno que fuera un éxito de ventas en su día y del que hoy en día se siga hablando y admirando por su calidad literaria. No digo que no exista; pero si existen su número es muy reducido y mi memoria que no es perfecta no lo recuerda. Sí que hay libros, que fueron publicados hace algunos años, que hoy en día siguen siendo bastantes populares entre el público lector, pero como se sabe la calidad artística de la obra y los gustos de la mayoría no suelen coincidir.

No hace muchos años todo el mundo hablaba de la maravilla que era “El Código da Vinci”. Hoy ya casi nadie se acuerda de él, aunque parece ser que el autor está a punto de publicar una nueva entrega de la cual legiones de lectores, que muchas veces no leen, lo comprarán y volverán a hablar de la octava maravilla del mundo. Muchos libros de éxito se limitan a presentar unos argumentos bastante simplones y con unos personajes carentes de realidad y llenos de tópicos. Es digno de elogio que la gente se interese por la lectura; pero uno puede observar que el lector medio, que en este país no es que lea demasiado, se mantiene muy alejado de lo que llamaríamos gran literatura. Es cierto que uno no puede abordar ciertos libros sin el bagaje de haber leído anteriormente otros libros más fáciles de digerir y que inculquen el hábito. Como se dice muchas veces el hábito de la lectura se relaciona con el ejercicio físico, para poder correr un maratón con éxito antes hay que comenzar por hacer un poco de ejercicio cada día.

Lo que aporta la gran literatura va mucho más allá de un simple producto de ocio. Sus creadores han sido algunas de las mentes más brillantes que ha dado la humanidad y han sido capaces de ver, analizar aspectos de la condición humana y de la vida con una lucidez de la que la mayoría de los humanos carecemos. Gracias a sus libros, podemos acercamos a su visión de la existencia humana. Todo esto nos permite llegar a comprender mucho mejor lo que nos rodea y a nosotros mismos. No hay que negar que leer muchas de estas obras representa un esfuerzo mayor que un libro “comercial”, pero la recompensa una vez se llega a comprender la esencia de estas obras es algo que no se olvida y que es de una gran utilidad para la vida. Muchas veces después de haber leído una de estas obras me doy cuenta que a uno le pasan desapercibidas muchas cosas de la vida. La gran literatura ayuda a ver la vida con otros ojos. Quizás la conclusión para mí más importante, y que quizás puede animar a la gente a acercarse a los grandes autores, es que uno es capaz de disfrutar mucho más de la vida y de los pequeños placeres que nos ofrece y que muchas veces obviamos.

Israel Muñoz.

Las 4 últimas canciones de Strauss

2009-04-24T16:19:00.002+02:00

Muchas veces se ve la historia del arte como una progresión constante, donde los artistas más alejados de las estéticas dominantes de su tiempo no merecen demasiada consideración por parte de los expertos. Hay cierta tendencia a valorar los autores por el puesto que han ocupado en su momento histórico y no tanto por su obra y su capacidad creadora. Aunque siempre el tiempo acaba por poner a casi todo el mundo en su sitio. Esto no quiere decir que haya cambiado de opinión y me haya convertido en un defensor de Sorolla. Hoy hablaré de una obra que aunque estilísticamente fuera completamente de época no deja de ser admirada por cualquier entendido de música. La obra sobre la que hablaré es conocida como “Las 4 últimas canciones” de Richard Strauss (1864-1949).

Richard Strauss fue un famoso compositor alemán que inició su carrera a finales del siglo XIX y continuó componiendo casi hasta su muerte. Su obra más conocida por el gran público es “Así habló Zaratrusta” (1896). Inicialmente se centró en la composición de poemas sinfónicos, para luego centrarse en el Lied (canciones) y la Ópera. Es uno de los últimos representantes del movimiento post-romántico, quizás el último. Su estilo se puede considerar como bastante conservador; aunque a finales de la primera década del siglo XX desarrolló un lenguaje moderno, con bastantes disonancias, que le colocaron en la vanguardia de su tiempo. Esto se puede ver especialmente en sus operas “Salomé” (1905) y “Electra” (1909) que provocaron más de un escándalo. Posteriormente su estilo se volvió bastante más conservador lo que le ayudó a ser bastante popular, aunque por eso no dejó de ser un gran compositor, uno de los más importantes de la primera mitad de siglo.

En 1948, a la edad de 84 años, inicia la composición de sus “4 últimas canciones”; aunque inicialmente no fueron compuestas como un grupo y fue tras su muerte que se agruparon y recibieron el título mencionado. El autor no vivió para ver su estreno. Los títulos de las canciones son “Primavera”, “Septiembre”, “Al ir a dormir” y “En el ocaso”. (En los links se pueden escuchar las canciones)

Esta obra está compuesta en un estilo totalmente post-romántico, fuera de época. Hay que recordar que en 1948 la mayoría de los miembros de la primera vanguardias del siglo XX habían muerto o estaban a punto de morir (Bartok, Webern, Schoenberg, etc). Además los movimientos que marcarían el devenir musical de la segunda mitad del siglo XX se encontraban a la vuelta de la esquina (Boulez, Ligetti, Stockhausen, etc). Sin embargo este compositor crea esta obra que hoy en día no es únicamente admirada por el aficionado medio, reacio a buena parte de la vanguardia, sino a grandes entendidos y amantes de la vanguardia. ¿Qué tiene esta música para que a pesar de estar fuera de época fascine tanto?. Por un lado, no se puede negar la belleza de esta música, eso está claro. Sin embargo, quizás estemos delante de una de las obras done el autor encara la muerte, el autor moriría un año más tarde, con una gran serenidad y aceptación, en la que este es capaz de despedirse de la vida dando lo mejor de sí. Estamos acostumbrados a relacionar la muerte del artista con obras trágicas. Quizás el ejemplo más famoso sea el Réquiem de Mozart. Aquí sin embargo estamos delante de una obra que transmite una serenidad fuera de lo común. Mirando un poco más allá podemos ver que esta obra es mucho más que la última creación de un compositor, es el final de un mundo y una época que ya había desaparecido hacía tiempo, la época romántica.

Ese mismo año Pierre Schaffer crea una de las primeras obras de música concreta “Estudio para locomotoras”, de la cual hablaré en otra ocasión pero vital para la música de la segunda mitad del siglo XX y actual. Como podemos ver en un mismo año coincidieron dos composiciones que estaban separadas por casi un siglo en lo que concierne a su concepción artística.

Israel Muñoz.

CATEGORIES ESTÈTIQUES (TERCERA PART: LA LLETJOR).

2009-04-22T17:28:00.013+02:00

Què té la lletjor perquè sigui lletja? Doncs no tenir bellesa. Així de simple i així de clar ho tenien els Grecs i de fet, en general, és això.

Allò lleig i allò bell tot i haver-se mantingut sempre com dos contraris, no han significat el mateix al llarg de la història. Hi ha moments que, el lleig, pren una intensitat mes que important. Això passa en els períodes de guerra o d'epidèmies generalitzades, quan el lleig es converteix en l'horror*1.

Cal tenir en compte per limitar conceptes que s’hi relacionen, no és el mateix, encara que tingui punts d'unió, ni el sublim, ni el sinistre, ni l'obscè, ni el grotesc...

Déu meu! És com un xiclet mastegat convertit en gos, l'absència total de bellesa. Ho he tret d'aquest enllaç.

El que ens interessa en aquest cas, ja que la lletjor ja la tenim definida, és: Quan pren rellevància allò que ningú vol tenir prop? Per respondre a aquesta pregunta primer hem de fer un pas enrera, hem de parlar dels grecs, per a variar...*2.

Els grecs ignoren la lletjor encara que estigui allí. I de fet, és una constant en la seva cultura i religió.

Hi ha un mite (recordem que el que ara és un mite, pels grecs era una religió tant seriosa com ho és la cristiana) bastant bèstia; la del déu Cronos que es menja als seus fills per que li ha la profecia que un dels seus fills el derrotarà. Mes informació del mite aquí.

Aquesta pintura es atribuïda a Goya però algunes proves recents apunten que no és seva. És un fantàstic exemple del concepte de l'horror en pintura. Ho he tret d'aquest enllaç.

El bell i el lleig són les dues cara d'una mateixa moneda, però per als grecs, aquesta moneda té solament un valor: la cara (la creu està aquí per que ha d'estar, com suport, però no els interessa).

Si per als grecs el lleig no interessa, quan comença a tenir importància?

Pareu-vos un molent i penseu, en el fons segur que ho sabeu (excepte si sou en Giménez Losantos). Serà amb el Cristianisme (a l'Edat Mitjana).

Què és Crist sinó el paradigma de l'horror? No estic parlant del Crist-hippie tenim avui dia sinó de l'home que mor per culpa clavat de mans i peus en una creu i el deixen allà patint repeteixo, per culpa nostre! Li claven una llança al costat i li claven al cap una corona d’espines (vaja, si voleu més gore podeu veure La Pasion de Mel Gibson). El més curiós de tot plegat és que com més pateixes mes prop de Déu estàs. I si encara no en teniu prou podeu delectar-vos amb aquesta representació de l’infern cristià.

Duccio, La Crucifició del s. XIV. Ho he tret d'aquest enllaç.

És el Frontal de Durró (Romànic Català). Està al Mnac. Ho he tret d'aquest enllaç.

Podem dir que l’antiguitat, en general, es caracteritza per una forma hedonista de viure: Plaer = bo / Dolor = dolent. Al Cristianisme aquest binomi es creua i passa a ser Plaer = dolent / Dolor = bo. Només qui pateix terriblement s’endu el premi gros: la salvació.*4.

Es així que l’horror passa a tenir una identitat pròpia tot i que encara no és fins al s. XVIII, amb Lessing, que no serà un concepte estètic com ho és avui dia.

Lessing només destaca la presència de l'horror en la poesia i no en les altres arts. Malgrat aquesta limitació toca un tema de vital importància:

Quin aspecte ha de tenir l'horror? per que sentim plaure davant algunes coses horribles? L'horror en la poesia, diu Lessing, no serà poesia horrorosa. És el poeta i la forma que es presenta l'horror el qual ens aproxima al plaer. Si voleu saber al que em refereixo aneu a aquest enllaç i llegiu Una carronya de Baudelaire.

Lessing apunta això que amb l'horror no es pot sentir plaer així que si ho sentim es per que ens estem moment en un altre terreny estètic (és el terreny del sublim, ja ho veurem més endavant...).

Això queda clar si anem a buscar l’horror en un d'aquests moments d'especial: Durant la segona meitat del s. XX passa quelcom que emmudeix al poeta. Qui podria escriure unes línies davant aquesta visió?

Ho he tret d'aquest enllaç.

La primera i sobretot la segona Guerra Mundial canvi la percepció de l’artista per sempre i descobreix quina ha de ser la cara per l’horror.

Ho he tret d'aquest enllaç.

Adorno té clar que per a parlar de l'horror fa falta una forma concreta. No es poden usar els mateixos mecanismes que s'usen per a la bellesa, ja no és suficient.

Pel que fa a l’estètica literària podeu llegir Al cor de les tenebres de Joseph Conrad. I en cinema, Apocalipsis Now de Francis Ford Coppola (de fet el llibre va inspirar la pel·lícula).

Perquè vegeu que en la història tot es repeteix i que no som tant moderns, llestos i originals que ens pensem, això de discutir sobre el que és o que no és art ve molt des de lluny.

Així que el els que enteneu l’art com quelcom harmònic, ordenat i bell, està negant gran part de l'art de tots els temps.

El pròxim dia toca la formula matemàtica de l'estètica: bellesa + horror = sublim.

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*1. L'horror no és mes que la lletjor duta a l'extrem. És tan, tan horriblement lleig que ens produeix horror.

*2. Sempre amb els Grecs... No se per que no es parla més dels Sumeris com els originaris de l'horror. Pel que sé de la seva cultura, religió i art puc dir que ells van viure en l'horror! Tota la seva cultura s'assenta en la lletjor. Pot ser que estigui equivocada, no sóc cap experta en la matèria, de fet, es molt poca cosa i a més a més sobre aquestes gents que van viure fa 3500 anys se sap relativament poc, però això de prendre als Grecs com si fossin els primers en tot tampoc és cert.

*3. Pels grecs l'art tal com l’entenem avui dia no existeix. Però així ens entenem.

*4. Que consisteix la salvació? Això té gràcia per que no sempre s'ha dit el mateix i, francament, el que està escrit és bastant avorrit. Ve a ser que et deixen asseure a l'esquerra del senyor, la dreta ja està ocupada, i contemplar per a sempre a Déu.

Meri Gil.

2009-04-17T11:49:00.002+02:00

SORTIDA PEL DISSABTE 18 D'ABRIL: BARCELONA, A DIBUIXAR

APLAÇAT: SEMBLA QUE EL CLIMA PEL DISSABTE SERÀ INESTABLE, S'ANUNCIEN PLUJES

Berliner Philarmonie

2009-04-11T10:43:00.003+02:00

Esta semana hablaré de arquitectura. Esta vez le toca a la sede de la Orquesta Filarmónica de Berlín, también conocida como la “Berliner Philarmonie”.

Durante la Segunda Guerra Mundial la antigua sede de la Filarmónica de Berlín fue destruida. Por si alguno no lo supiera esta orquesta está considerada por muchos expertos como una de las mejores orquestas del mundo, quizás la mejor. Tras la muerte en 1954 del que había sido durante muchos años titular de la orquesta Wilhem Furtwangler (1886-1954) se hace con la dirección de la orquesta el mediático Herbert von Karajan (1908-1989). Él será el impulsor de la construcción de la nueva sede que se llevará a cabo entre 1960-1963 obra del arquitecto Hans Sharoun (1893-1972) Este edificio también es conocido entre los aficionados como “El Circo de Karajan”, en referencia al titular de la orquesta durante muchos años. La verdad es que el nombre que le pusieron los aficionados no andaba muy lejos de la realidad ya que este director de orquesta era bastante comediante.

¿Dónde radica el interés de este edificio?. Cuando pensamos en los lugares donde se celebran conciertos de música clásica a todos nos vienen sitios como el “Palau de la Música Catalana” o la “Sala Dorada” donde se celebran los conciertos de año nuevo. En los últimos años en nuestro país se han construido numerosos auditorios modernos, como el de Girona, que no tienen nada que ver con las salas de conciertos del siglo XIX y principios del XX. La Philarmonie de Berlin es seguramente el edificio que más ha influenciado la construcción de salas de música de la segunda mitad del siglo XX. Por ejemplo el auditorio de Zaragoza está inspirado en este edificio. Cuando se inauguró fue un edificio muy criticado por su revolucionaria forma, sin embargo hoy en día, casi 50 años más tarde, es uno de los símbolos de la ciudad.

Las características más importantes de este edifico son la extraordinaria acústica, según se dice todas las localidades disfrutan de una excelente acústica. La distribución de las localidades para el público también fue una revolución un modelo imitado en muchos sitios posteriormente. Todas están centradas alrededor del escenario de forma que los intérpretes tienen la sensación de tocar en mitad del público. La capacidad de la sala es de 2440 localidades. Finalmente la forma, el aspecto exterior del edificio, de forma asimétrica y con forma de pentágono, y los materiales empleados fueron muy modernos para su época.

En mayo de 2008 un incendio se declaró durante unos trabajos de mantenimiento en la cubierta del edifico. A pesar del susto que supuso para miles de aficionados al cabo de pocas semanas se volvieron a celebrar conciertos en su interior.

Imagen exterior del edificio. Sacada de aquí.

Imagen interior del edificio. Sacada de aquí.

Israel Muñoz.

SORTIDA PEL DISSABTE 18 D'ABRIL: BARCELONA, A DIBUIXAR

2009-04-07T00:31:00.000+02:00

En cas de pluja es suspendrà.

FLORIAN BÖHM

2009-04-03T20:08:00.002+02:00

Hace unos meses descubrí este artista en las páginas de la revista de arte “Art News”. Esta revista tiene una sección muy interesante dedicada a presentar a artistas incipientes. Lo que pude ver de su obra fotográfica me pareció muy interesante.

Florian Böhm nació en Alemania en 1969. En su juventud fue un conocido skater. Gracias a su afición por este deporte se introdujo en el mundo de la fotografía a los 14 años realizando fotografías para publicaciones y revistas relacionadas con el mundo del monopatín. Su interés por la fotografía renació con la aparición de la fotografía digital.

Se dio a conocer hace pocos año con el proyecto conocido como “Endcommercial: Reading the City” (2002) del que es coautor conjuntamente con Luca Pizzaroni y Wolfgang Scheppe donde se explora la vida en la ciudad a través de la fotografía. Este libro parece ser que se ha convertido en un objeto de culto. Más recientemente, relacionado con lo que acabo de mencionar, ha desarrollado el proyecto “Wait for Walk” (2005). Consiste en una serie de fotografías tomadas en Nueva York de gente esperando a que el semáforo cambie para poder cruzar la calle. Inicialmente fue pensado como un libro pero posteriormente se ha convertido en una exposición de fotografía, con fotografías de gran tamaño, que ha podido verse en varios centros importantes dedicados al arte moderno. Mediante su fotografía explora la complejidad en la ciudad en la que vive. En parte me recuerda al trabajo de Hannah Collins del que hablé en un artículo anterior.

Algunas de las fotos resultantes de este proyecto pueden verse aquí. Como se puede observar en la calle se da cita una representación de los diferentes tipos de personas que forman nuestras ciudades y que pueden verse esperando a cruzar la calle. Vemos gente de diferentes etnias, nivel social, simples turistas, etc. Las fotos no fueron planificadas y su realización dependía de los vehículos que circulaban por la calle, ya que las fotos eran tomadas desde la esquina opuesta. Según comentan los críticos este artista se encuadra dentro de la tradición conocida como “street photography” practicada por otros fotógrafos como William Klein o Helen Levitt. Otros comentan que su trabajo puede considerarse antropológico por su análisis de los individuos que forman la ciudad. Desde otro punto de vista, aunque mucho más lejano, se puede relacionar su obra con los retratos de grupo que pintaron Rembrandt y otros pintores holandeses, principalmente, donde se refleja la gente que forma la sociedad, o parte, como es el caso de la “Ronda nocturna”

Aparte de los temas relacionados con la vida en las grandes ciudades también está muy interesado por el mundo de la moda. Actualmente desarrolla su actividad profesional entre Munich y Nueva York.

Al igual que el trabajo que ya comenté de Hannah Collins lo que me ha gustado de “Wait for Walk” es el interés del artista por enseñarnos la diversidad que podemos encontrar en las grandes ciudad y que quizás muchas veces nos pasa desapercibido. La forma de plantear este análisis lo encuentro realmente ingenioso y elegante. No se ha planificado la posición de las personas en la foto sino que es resultado del azar, un azar que sin embargo da como resultado unas obras muy interesantes. En mi opinión obras como estas nos pueden ayudar a abrir los ojos y fijarnos el organismo vivo que es una gran ciudad, aunque a veces quizás nos pase totalmente desapercibido o no seamos capaces de mirar con “otros ojos” cuando vamos por la calle.

Israel Muñoz.

AVÍS PER AQUEST DIVENDRES 3 D'ABRIL

2009-04-01T02:04:00.000+02:00

A L'ESTACIÓ JOVE DE GIRONA. CLICA AQUÍ.

Jeff Koons. Artista genial o el arte de ganar dinero.

2009-03-27T02:03:00.000+01:00

Jeff Koons es uno de los artistas, si se le puede considerar así, más famosos del mundo artístico actual y uno de los más populares entre el público en general. Nació en 1955 en una localidad del estado de Pennsylvania. Realizó estudios de tipo artístico; aunque sobretodo se le conoce por su etapa como broker en Wall-Street antes de dedicarse completamente al arte, donde seguramente aprendió muchas cosas sobre como ganar dinero (este comentario es propio). Otro aspecto muy conocido de su vida fue su matrimonio con la estrella del porno metida en la política Cicciolina con la que tuvo un hijo; aunque el matrimonio no duró mucho. Uno de los aspectos más conocidos de su trayectoria artística fue que contrató los servicios de una agencia de publicidad para darse a conocer y un asesor de imagen.

Como se puede ver estamos delante de un personaje de lo más curioso. Su obra se asocia al movimiento denominado como Neo-pop (utilización de imágenes de la cultura popular y los mass media) y al arte conceptual; aunque su obra también se tiende a considerar como “Kitsch“, algunos lo denominan el “Rey del Kitsch”. Su obra se centra sobretodo en convertir elementos de la vida cotidiana, representativos de la sociedad de consumo, en objetos de arte. Desde juguetes, cómics, aspiradoras, elementos de la publicidad o iconos de la cultura popular como Michael Jackson entre otros. Estas apropiaciones le han causado más de un problema judicial. Según la imagen que se ha creado sería un híbrido entre Andy Warhol y Marcel Duchamp con sus ready-made. Su obra se centra principalmente en el campo de la escultura sobretodo de grandes dimensiones utilizando los más diversos materiales como pueden ser globos, jardinería, plástico, fibras, etc . También es muy conocido por una serie de obras (fotografías, esculturas, etc) de su exmujer Cicciolina realizando actividades sexuales con el mismo artista o con objetos diarios como pueden ser juguetes. Desde hace ya años dirige una especie de taller, al estilo de lo que hiciera Andy Warhol, donde unos 100 ayudantes colaboran con él en la ejecución de sus obras.

Este pasado otoño se celebró una gran exposición en el Palacio de Versalles que provocó una gran polémica; aunque fue un gran éxito de público. Su éxito entre el público en general se fundamenta en el atractivo visual de sus obras y en que son fácilmente “comprensibles” por el gran público. Sin embargo he estado intentando encontrar cual es la reflexión, el mensaje que intenta transmitir a través de su obra y la verdad apenas he encontrado cosas. Buscando he encontrado este fragmento de una fan suya (lo he sacado de esta página):

“Su trabajo explora las obsesiones contemporáneas con la sexualidad y el deseo; raza y género; celebridad, comercio, y los medios. Su elección de objetos y de imágenes direcciona poderosamente el impacto de la clase, del poder, del materialismo, y del consumismo en la vida contemporánea”.

En otro sitio se dice que es un “feroz crítico de la sociedad”. La verdad es que viendo las obras y leyendo cosas acerca del personaje no soy capaz de percibir este mensaje. Debido a la cantidad de tiempo que dedica a dar entrevistas, asistir a eventos, viajar, etc uno tiene dudas de que parte de la obra producida en su taller es resultado de la “reflexión” y “creación” del artista y no simplemente de una fábrica dedicada a crear artilugios de todo tipo y kitsch que luego se venden por sumas astronómicas. La crítica en general es muy beligerante con este creador, si así se le puede llamar, al que acusan de ser un genio en lo que se refiere a la parte económica pero cuya obra carece de un mensaje claro, salvo que forrarse a partir de la ignorancia de mucha gente sea realmente su “obra”. Solo bastan estos dos ejemplos. En 2007 vendió Hanging Heart por $23.6 millones y en 2008 Balloon Flower (Magenta) por $25.7 millones. ¿A que no son preciosos?

Uno de los “artistas”, como siempre entre comillas, que más ha influenciado es su colega de ventas multimillonarias Damien Hirst, otro que personaje del mundillo que se merece un artículo aparte.

Imagen sacada de aquí

SORTIDA PER AQUEST DIVENDRES DIA 27 DE MARÇ

2009-03-23T19:55:00.000+01:00

CATEGORIES ESTÈTIQUES (SEGONA PART: LA BELLESA)

2009-03-23T10:21:00.000+01:00

Ara parlarem de Plató.

Ja se que aquest començament pot fer badallar a uns quants però segiu llegint per que intentaré aconseguir un repte molt complicat: explicar alguna cosa de Plató que no sapigueu. Tenint en compte que s'estudia fins a la sopa no em negareu que no té un punt difícil, oi?

Som-hi! Els textos de Plató són diàlegs parlats. Val, d’acord, això no és una sorpresa tenint en compte que es diuen “Diàlegs de Plató” però, sabíeu que en realitat no son de Plató? En realitat són “apunts de classe” que ens han arribat a través d'altres filòsofs com Aristòtil (va estar estudiant a l'Acadèmia de Plató).

Aquesta Acadèmia no tenia cursos, sinó que el professor plantejava algunes qüestions i tots junts discutien sobre elles. Clar que hi havia diferents nivells dins l’acadèmia però era diferent a com ho entenem avui dia. Els assistents (alumnes) es feien els seus propis apunts del que es deia i d’aquests apunts apareixen els diàlegs de Plató.

Però que passa? És que Plató no va escriure res de res? Doncs sembla ser que si, escrivia tractats de filosofia però que només els mes experts entenien i no ens ha arribat res.

Així que (exagerant una mica) la base de bona part de la nostra cultura, en realitat és com si dintre de 1.000 anys es troben una llibreta amb dibuixets d'avorriment i restes de bava d'algun estudiant que s’explica a si mateix, amb un to una mica infantil per a no fer-se un embolic, el que ha escoltat a la classe.

La reflexió que fa Plató sobre la bellesa està lligada al seu temps, com no podria ser d'altra manera i per això, encara que signifiqui el mateix que ara, hi ha un matís a tenir molt present: per als grecs no existia el concepte del “lleig”.

- Així que la Belén Esteban a Grècia no existiria?

En realitat no és exactament així, ja veureu (en el article sobre allò lleig). El cas és que el lleig no té autonomia per si solament. El lleig a Grècia simplement és allò que no té bellesa.

Per als Grecs si és, si existeix, és per que és bell. La bellesa és una obvietat; la vida, el món, la naturalesa i l'univers és bell. No és que fossin una colla de hippies fumats sinó que la bellesa i la realitat són el mateix per a ells. Per això ens fem la pregunta la pregunta: Què hi ha en les coses perquè siguin belles? Es converteix en una pregunta sobre la vida, la naturalesa i la realitat, en general. Apareixen reflexions sobre la bellesa en un parell de diàlegs seus: en el Hippias Major i el Fedre. No penso torturar-vos amb el que diu, sinó que anem directament a les conclusions que es desprenen, sent així ja us aviso que us haureu de creure algunes coses que semblarà que em trec de la butxaca.*1

L'home i la dona van en recerca del plaer (no estic parlant de sexe, malpensats...) i si hi ha alguna cosa que produeix un plaer intel·lectual és la bellesa.*2.

Quan Plató parla del món de les idees i diu que existeix es no es refereix a quelcom sobrenatural sinó a una cosa abstracte però real (com els nombres, les matemàtiques...).

Atenció! Us presento a l'home perfecte:

És el Cànon de Policlet. Hi he tret d’aquí.

A Policlet se li atribueix un tractat d'anatomia on mostra, i fa quadrar, totes les relacions de proporció i simetria de la naturalesa del cos humà. Desgraciadament aquest tractat (el que es trobava per escrit, per a entendre'ns) no s'ha conservat, però sí l'escultura que va fer basant-se en ell.

Així ens ha arribat el cos mes bell de l’antiguitat. Per les seves mesures, és perfecte. Aquesta escultura és un exercici de mesures i matemàtica increïblement bo.

Insisteixo: és anatòmicament perfecte i bell però si us haig de ser sincera a mi no en diu absolutament res. Serà que els defectes formen part de l'atractiu? Jo d’aixó n’estic convençuda per que la bellesa es ben insulsa.

Altres mostres de bellesa aquí, aquí i aquí.
...........................................................................................
*1. Podeu llegir-los. La veritat és que no són ni tan pesats ni complicats com puguin semblar. Una mica de resum:
- L’Hippias Major: són dos que van per un camí, i parlant i parlant de la bellesa s’adonen que la cosa té tela. No responen a la seva pregunta però limitant allò que no és bell comencen a apuntar el que sí ho és.
- El Fedre: en realitat parla de l'amor. L'amor és per als grecs l'Eros, el desig, és el que ens duu a buscar incansablement la bellesa.

*2. Captem les coses amb algun dels nostres sentits i processem la informació amb la nostra ment. Els altres sentits com el gust, l'olfacte i el tacte també conten però ho deixo de costat per que en general, l'experiència estètica es produeix a través de la vista i/o l'oïda.

*Relacionat amb la bellesa hi ha allò graciós. No que et fa riure, sinó allò harmoniós i agradable. Ja parlaré d'això.

JULI GONZÁLEZ

2009-03-21T03:30:00.000+01:00

Esta semana hablaré de Juli González del que se pudo ver hace algunos meses una interesante exposición del MNAC en Barcelona. Actualmente puede verse en Madrid.

Juli González nació en 1876 en Barcelona y murió cerca de París en 1942 en el transcurso de la Segunda Guerra Mundial. Está considerado uno de los más grandes escultores del siglo XX, junto a Brancusi (1876-1957) y Giacometti (1901-1966), y contribuyó con su estilo a renovar el lenguaje de la escultura. A pesar de la importancia de su obra su figura es muy desconocida en nuestro país La característica más importante de su obra es la utilización del hierro, de lo que fue uno de los pioneros. En su época también podemos encontrar otro importante escultor que trabajó el hierro como fue Pablo Gargallo. Quizás otro día hable de él.

Juli González inició su carrera en un taller familiar dedicado a trabajar artesanalmente el metal en pleno apogeo del modernismo. Inicialmente sus intereses artísticos se centraron en la pintura y como la mayoría de los artistas de su época se marchó a París en el albor del siglo XX, prácticamente al mismo tiempo que Picasso. A pesar de llegar en plena efervescencia de las vanguardias su genio creador no explota hasta el segundo cuarto del siglo XX. A pesar de su interés por la pintura se acabó pasando a la escultura de hierro utilizando sus conocimientos artesanales y técnicas que aprendió de soldadura posteriormente. Sus primeras obras como escultor se consideran cubistas y se centran en naturalezas muertas y máscaras, estas últimas más próximas al arte primitivo africano de moda en aquel tiempo.

Sin embargo su obra más revolucionaria se desarrolló en la última década de su vida gracias a la “influencia“ de Picasso con el que colaboró entre 1928 y 1932. Picasso solicitó su ayuda ya que estaba interesado en utilizar el hierro para realizar esculturas. Parece que de la colaboración con este gigante desencadenó su creatividad. A partir de este momento desarrolla un lenguaje propio, considerado como abstracto aunque nunca abandona totalmente la figuración, que le permite unirse a las vanguardias de su época y ser unas de las personalidades más importantes dentro del campo de la escultura. Su estilo se le conoce como dibujar en el espacio. Consiste en esculturas creadas a partir de líneas creadas mediante varillas de hierro y laminas de hierro (ejemplo 1, ejemplo 2). En su escultura el espacio que contienen estos elementos forma parte de la misma obra. Un aspecto a tener en cuenta es que se ganó la vida en París como artesano, de joyas parece ser, y no como artista.

Monserrat está considerada una de sus obras maestras. Montserrat es en la escultura lo que el Guernica es a la pintura, ambas obras son una denuncia de la Guerra Civil española. Estas formaron parte del pabellón de la República Española en 1937 en la Exposición Internacional de 1937 en París En el caso de Montserrat representa la angustia de una campesina por la situación que vive. Ese mismo año crea otra de sus grandes obras Femme au Miroir. Estas dos obras representan los dos polos que dominan la creación de González, por un lado un estilo más naturalista y más cercano a la tradición, consecuencia de su formación como artesano, como se puede ver en Montserrat y otro más vanguardista y abstracto como es el caso de Femme au Miroir

A su muerte en 1942 uno de las pocas personas que acuden a su entierro fue Pablo Picasso. La obra de este escultor ha influenciado de forma importante a algunos de los escultores más importantes de la segunda mitad del siglo XX como Oteiza (1908-2003), Chillida (1924-2002) y David Smith (1906-1965).

Israel Muñoz.

SORTIDA PER AQUEST DIVENDRES DIA 20 DE MARÇ

2009-03-17T11:14:00.000+01:00

Sobre l’art i la seva interpretació

2009-03-16T10:56:00.000+01:00

Des de fa temps, el fet que moltes persones cultes i amb projecció mediàtica critiquin i rebutgin l’art contemporani gratuïtament, m’ha fet reflexionar sobre com podem fer que les persones “normals” entenguin l’art. Bé, més humilment, m’agradaria compartir la forma com jo miro una obra d’art i què sento, sense tenir cap formació en història de l’art ni en belles arts. Comencem!

En un article, Remedios Ávila (2007) feia una reflexió interessant: “Què ens ensenya l’art sobre nosaltres mateixos?, què ens descobreix l’art?, quin és el secret de la seva mirada?, què ens fa veure l’art i quin és el seu valor real?”. I després de llegir això ja no el vaig poder deixar… ¿Per què ens fa por plantar-nos davant d’un quadre i valorar-lo segons si ens agrada o no ens agrada? No fem el mateix amb la música? Potser no entenem d’instruments i no sabem si la interpretació dels músics està sent impecable, només sabem que ens agrada, que la tornaríem a escoltar, i ja tenim feta la nostra valoració. I quan ens enamorem? Qui analitza aquesta sensació quan està enamorat? Simplement ens agrada aquella persona, potser és química, o una connexió invisible que fa que aquella persona ens atregui inexplicablement... Doncs igual ens passa amb una obra d’art!

De fet, segons Hanna Segal (1955) el plaer estètic que produeix l’obra d’art vindria definit pel grau d’identificació que el subjecte té amb ella. Això ens porta a la catalogació immediata entre bonic o lleig en la contemplació de qualsevol obra, i Segal definia, de la següent forma:

* bonic és allò que produeix en l’espectador sensacions harmòniques, de benestar, d’equilibri, donant-li la possibilitat de reviure inconscientment sensacions de reparació i permetent-lo identificar-se amb l’obra;
* lleig és allò que promou conflictes no resolts, el que omple l’individu de tensió, mobilitza els odis i reviu els sentiments perseguidors.
És a dir, que la nostra interpretació davant d’una obra d’art no és només intel·lectual o estètic, sinó també afectiva i inconscient.

Remedios Ávila (2007) continua explicant que l’art consisteix en una minuciosa observació de nosaltres mateixos i de les nostres impressions. També Marcel Proust (1927) adverteix que l’art posa de manifest un “saber preexistent” i llença llum sobre els nostres abismes i les nostres profunditats: “Només ve de nosaltres mateixos allò que nosaltres traiem de la foscor que està en nosaltres i que els demés no coneixen. Jo havia arribat a la conclusió de que no som, de cap manera, lliures davant l’obra d’art, no la fem a la nostra manera, sinó que preexisteix en nosaltres”. De la mateixa manera, segons Erdelyi (1987), l’art utilitza diferents nivells de significat, ja que la realitat és diferent segons qui la contempli, i el mateix artista ignora les seves pròpies motivacions internes.

I sobre l’ús de l’abstracció per expressar la meva realitat... Utilitzaré una afirmació de Remedios Ávila (2007): “el llenguatge revela el més tràgic de la nostra condició: és insuficient quan es tracta de referir-se al més profund, al més íntim de nosaltres mateixos”, i és que, quina forma tenen els nostres sentiments? De quin color són els nostres secrets més profunds?

Cèlia Izquierdo
http://celiaizquierdo.blogspot.com/

Bibliografia

Ávila, R. (2007). La mirada del arte y su valor de verdad. Aproximación a la relación entre filosofía y literatura. Thémata. Revista de Filosofía. Núm. 39, 409-414

Erdelyi, M.H. (1987). Psicoanálisis - La psicología cognitiva de Freud. B. Aires: Labor.

Proust, M. (1927). El tiempo recobrado. En busca del tiempo perdido. Trad. C. Berges, Alianza, Madrid, 1993.

Segal, H. (1955). Aproximación psicoanalítica a la estética. En M. Klein y otros. Nuevas direcciones en psicoanàlisis (vol. III). B. Aires: Paidós-Hormé (1975).

SOROLLA

2009-03-13T11:22:00.000+01:00

Este sábado pasado he visitado la exposición en el MNAC sobre los paneles que pintó Sorolla para decorar la Hispanic Society de Nueva York. Esta exposición ha pasado por diferentes ciudades españolas en los últimos meses, con un gran éxito de asistencia. Según comentan algunos medios de comunicación se trata de la exposición más visitada en España en su historia. Uno de los factores que más han contribuido es que la entrada es libre. A pesar de venir precedida de muchos elogios por parte del público asistente mi opinión de la exposición es más bien mala. Ahora expondré el motivo de mis apreciaciones.

La obra consiste en unos paneles de unas dimensiones enormes, en algún caso de más de 5 metros de longitud. Como no es mi intención explicar los detalles de la obra me limitaré a comentar que estos paneles fueron realizados entre 1912-1919. Otras informaciones pueden encontrarse aquí.

Es cierto que la pintura de Sorolla tiene sus encantos para la vista y para el aficionado medio. Pintura de un gran realismo, bañada en muchas ocasiones por una luz mediterránea muy atractiva, algunos le llaman el pintor de la luz, son algunos de los factores que justifican esta fama. Aunque si nos ponemos a analizar su influencia en la historia del arte creo que no se puede considerar como una figura muy importante. De las obras que se podían ver algunas tenían cierto interés, sin embargo la mayoría están sobrecargadas de personajes y no transmiten nada en especial. Quizás porque fueran concebidas para decorar un espacio. Y es quizás aquí donde radica el punto clave para entender la exposición. Quizás estemos delante más de una exposición de artes decorativas que de una exposición de arte pictórico. Evidentemente la mayoría del público que acude a verla sale maravillado, no es mi caso.

Como siempre en este tipo de exposiciones uno puede darse cuenta del bajo nivel cultural del ciudadano medio. No quiero culpar de esto a los asistentes a las exposiciones, sino más bien como consecuencia de un entorno educativo, social, etc que no valora el interés por el arte y la cultura. Se ve como una cosa aburrida y carente de interés. A pesar de que actualmente se tenga la mejor generación a nivel de formación de todos los tiempos es de una gran pobreza cultural. Todo esto viene a cuento de que alguna de las obras que carecían del mínimo interés eran consideradas por la mayoría del público asistente como maravillas. Sin embargo el espectáculo más triste se producía a la salida. Como he comentado la entrada era gratuita, pero los ingresos que se realizarán en la tienda dedicada a vender objetos relacionados con la exposición será considerable. La verdad es que no recuerdo museo o exposición donde haya visto a tanta gente en la tienda comprando, y eso que hay crisis. La aglomeración era tal que era casi imposible poder salir de la exposición.

Si analizamos las obras presentes en esta exposición y las ubicamos en un contexto histórico podremos ver lo anacrónico de los postulados artísticos de este pintor. Mientras Sorolla pintaba esto (es uno de los pocos cuadros que me gustaron de la exposición), Picasso hacía años que había pintado las “La Señoritas de Aviñon” o Matisse “La Danza” por poner dos ejemplos. Como podemos a partir de esta comparación este pintor estaba en las antípodas de las vanguardias de su época. Sin ir muy lejos del MNAC se puede visitar la exposición antológica dedicada a Joaquim Mir (1873-1940). Este artista sin ser una figura de primer orden estuvo muy próximo a las vanguardias de su época, eso sí hasta que se casó, con influencias del simbolismo, puntillismo o fauvismo. Cuadros de fechas comparables de Sorolla y Mir demuestran que Mir iba muy por delante de Sorolla. Sin embargo las aglomeraciones de la exposición de Sorolla no se veían en la de Mir, a pesar de que su obra es mucho más interesante de la expuesta en el MNAC.

Es un poco triste que el MNAC se preste a un espectáculo de este calibre. En los últimos tiempos se han podido ver algunas exposiciones interesantes como la dedicada al escultor Juli González o a Duchamp, Picabia y Man Ray. Eso sí la asistencia de público por desgracia fue muy escasa.

Israel Muñoz.

JUAN CARLOS ONETTI

2009-03-05T19:38:00.000+01:00

Aprovechando que este año se cumplen lo 100 años del nacimiento de Juan Carlos Onetti hablaré de él; aunque no sé gran cosa. Me centraré en dos obras que leí hace ya algún tiempo y que me dejaron maravillado.

Juan Carlos Onetti nació en 1909 en Montevideo (Uruguay) y falleció en 1994 en Madrid. En España pasó sus últimos 19 años. Entre los galardones más importantes que ganó se encuentra el Premio Cervantes en 1980. Parece ser que fue propuesto para el premio Nóbel de Literatura. Si queréis saber algo más de su vida y milagros podéis encontrar información en muchos sitios, como aquí.

A pesar de ser un gran escritor y que es bastante mencionado tanto por articulistas y escritores, no es una persona que sea muy conocida entre el público en general. Como apuntan algunos expertos quizás se debe a que sus obras transpiran un gran pesimismo, como es el caso de las que hablaré, “El Juntacadaveres” y “El astillero”. Sin embargo es considerado por algunos grandes escritores latinoamericanos como el precursor de la novela contemporánea latinoamericana y uno de los pocos existencialistas latinos. Los temas que toca en su obra son por lo general bastante sórdidos, la prostitución, la soledad, el dinero, la rutina, la corrupción, etc.

“El astillero” (1961) y “Juntacadáveres” (1967) forman pare de la llamada “triología de Santa María”, conjuntamente con “La vida breve” (1950) que no he tenido ocasión de leer. Se les llama así porque la historia que relatan estos libros transcurre en la misma ciudad, Santa María, totalmente imaginaria. Aunque aparecen los mismos personajes la importancia que tienen unos y otros en cada novela varía. Sin embargo, cada novela no deja de ser una obra en sí misma. De hecho “Juntacadáveres” que está escrita posteriormente a “El astillero” es cronológicamente anterior desde el punto de la historia que cuenta.

“Juntacádaveres” narra la historia de Larsen que un día llega a Santa María para fundar un prostíbulo, pero se encuentra con una sociedad muy conservadora e hipócrita. Al principio su negocio tiene bastante, pero las fuerzas vivas del pueblo se encargan de estropearle el negocio.

En “El astillero” este mismo personaje, una vez finalizada la aventura del prostíbulo, comienza a trabajar en un astillero en estado ruinoso con el objetivo de reflotarlo y mejorar su situación económica. Al mismo tiempo intenta seducir a la hija del dueño del astillero, Petrus, con la idea de que por esa vía podrá avanzar. Al final ni el astillero es reflotado ni consigue el favor de la hija de Petrus. La novela acaba con la caída moral y física de Larsen.

Estas dos novelas transmiten una sensación de derrotismo, de situación sin salida, de fracaso y pesimismo, como la vida misma que acaba con la mayor de las derrotas, con la muerte. Es lo que ocurre al final de “El astillero”. Quizás el gran mérito de este autor radica en que es capaz de transmitir estos sentimientos negativos. A pesar de la negatividad que domina su obra, su lectura genera un enorme placer.

Este autor se comenta que ha sido influenciado por autores como Dostoievski, Joseph Conrad (1857-1924) (él del “Corazón de las Tinieblas”) o William Faulkner (1897-1962).

Israel Muñoz.

AMIMAC'09

2009-03-02T10:32:00.000+01:00

Aquest cap de setmana vam anar a l’Animac’09 a Lleida. És un festival dedicat a la animació de tot tipus: dibuix, plastilina, imatge real... S’hi fan moltes activitats paral·leles a la simple exhibició de curts, potser això és el millor que té. Als matins fan activitats de tipus més familiar, per tothom, conegui o no el món de la animació. A la tarda fan la exhibició de curts i a la nit concerts. Això ho dic en general, per conèixer exactament que s’hi va fer podeu anar aquí.

Hi ha activitats gratuïtes però la majoria són de pagament (els tallers poden anar des de 1€ fins a 10€, la mostra de curts a la tarda també es fa pagar) El que surt a compte és el ”pase” per tot un dia que costa 9€ (5€ amb carnet d’estudiant). Els concerts van a part i van des de 20€. Nosaltres només hi vam anar dissabte i diumege al matí peró només us parlaré del que es fa fer dissabte a la tarda. Us faré una mica de resum de la mostra de curts passant-vos els enllaços que he trobat del que trobo que va destacar. He cregut oportú comentar les tarifes ja que l'únic punt negatiu que es podria destacar es que no les trobes per enlloc.

En primer lloc es va poder veure la feina de la animadora Checa Michaela Pavlátová. Va presentar una selecció dels seus darrers treballs sota el títol de “L’ordre i el Caos”. A la introducció xerrada que va fer va explicar que és el que la mou a l’hora de pensar les animacions.

Ens va dir que parteix sempre de la realitat, de la cuotidianitat per dinar vida al que a ella més li interessa; les relacions entre persones i en especial home-dona. Michaela va comentar que recorre a la realitat degut a la seva falta de imaginació (veient els seus treballs això no s’ho creu ningú). Ens va detallar que li agrada observar la gent, com es relacionen entre elles i anar un pas més endavant inventant o interpretant les seves vides, per això el seu treball construeix una combinació de dos elements que per si podrien semblar contradictoris: l’humor simple amb una reflexió simple sobre nosaltres mateixos i el nostres rols dins una societat, grup, família... La seva web és aquesta.

Us poso els enllaços del que vam veure. Us recomano de debò que els mireu, son molt bons.

El primer, el millor i el més divertit sense cap dubte és Reci, Reci, Reci... (Paraules, Paraules, Paraules...). El trobareu aquí. Sobre aquest curt la autora va comentar que està íntegrament fet a mà, TOT dibuixat sobre paper. No hi ha ordinador excepte per muntar (suposo).

El següent va ser Repete. El podeu veure aquí.

També es va projectar This could be mine que sentint-ho molt no he trobat al youtube. Semblant en el dibuix vam veure Forever and Ever. Aquí es pot veure bé allò que va dir d’anar un pas més enllà de les histories que cada dia veiem i que parteixen de les relacions humanes. En podeu veure només uns segons aquí. És que és una llàstima que no es pugui veure tot.

Laila, està fet en flash i havia de ser una mini sèrie d’humor més o menys negre sobre les relacions amoroses. Aquí estem de sort per que hi ha tota una web amb els capítols i es poden veure gratis! Es aquesta.

L’últim és el més nou i arriscat que ha fet. Es diu El carnaval de los animales (en Chec és Karneval zvírat, per qui li interessi) i és del 2006. Michaela va comentar que l’havia fet en col·laboració amb el seu marit i parla de sexe. Com ella mateixa va dir “a través de la animació es poden mostrar coses que costaria molt mostrar amb imatges reals”. Es molt divertit. El podeu trobar aquí. Els conillets van fer patar de riure a tota la sala...

A part de l’obra de Michaela van projectar més cuts i d’entre tots voldria destacar-ne un que va deixar a tota la sala amb la boca oberta. Es molt original, en el youtube segur que perd, en pantalla gran de cinema és al·lucinant. Fet a Buenos Aires per Blu i es diu Muto. El podeu trobar aquí.

Després, cap a les 21,30h, Florence Miailhe, il·lustradora i animadora francesa va presentar algunes de les seus curtmetratges. No us en puc dir res per que no ho vaig veure però si va estar tant bé com la resta segur que val la pena buscar-ne més informació. No he trobat cap web d’aquesta senyora però aquí en podeu consular més coses.

Van projectar els següents títols: Hammam del 1991, Schéhérezade del 1995, Les oiseaux blancs, les oiseaux noirs del 2004, Au premier dimanche d’aourt també del 2004 i Conte de quartier del 2006.

Meri Gil

http://merigil.blogspot.com/

Sergiu Celibidache

2009-02-26T19:39:00.000+01:00

Esta semana hablaré de nuevo de música. En esta ocasión voy a hablar de mi director de orquesta favorito. Su nombre es, mejor dicho fue Sergiu Celibidache (1912-1996). Ya veréis que fue todo un personaje.

Celibidache nació en Rumanía, donde inició sus estudios musicales. Aparte realizó estudios de filosofía y matemáticas. Como es normal en cualquier estudiante de música amplió estudios en diferentes centros europeos. Lo más notable de los inicios de su carrera es que fue nombrado director de la Filarmónica de Berlín, la mejor orquesta del mundo para muchos, al poco de finalizar la Segunda Guerra Mundial. El motivo era que su director titular, el mítico Wilhem Furtwangler (1886-1954) estuvo apartado hasta 1952 de la orquesta por su colaboración con el régimen nazi. En 1952 dejó la orquesta ya que Furtwangler fue encargado de volver a dirigir la orquesta. En 1954 a la muerte de Furtwangler fue uno de los candidatos a sustituirle sin embargo es elegido otro famoso director Herbert von Karajan (1908-1989). Desde entonces hasta su muerte su trabajó se centrará principalmente en dirigir orquestas de “seguna fila” y también a la docencia. Desde 1979 hasta su muerte en 1996, dirigió hasta su muerte, fue director titular de la Orquesta Filarmónica de Munich.

En lo que se refiere a sus concepciones artísticas fue un personaje de lo más peculiar. Para él cada concierto era una ocasión para que los espectadores vivieran una experiencia única y trascendental. Aunque esto suene un poco pretencioso muchos de sus conciertos provocaban el delirio en la audiencia. Para intentar lograr esta experiencia no dudaba en realizar muchos más ensayos de lo que era normal, si una cifra normal se puede considerar 3 ensayos, Celibidache no dudaba en realizar 12 si lo creía necesario, era un perfeccionista. Esta fue una de las razones por las que tuvo que tocar con orquestas que le permitieran trabajar a sus anchas, casi imposible con una orquesta de primera línea. Aunque su estilo tuvo muchos críticos, un gran número de aficionados y expertos consideran sus conciertos una experiencia inolvidable. Hace poco se pudo escuchar en un programa de radio que “...hay que darle gracias a la vida todos los día por haber podido asistir a un concierto suyo..”. Hay pocos directores de orquesta que los asistentes a sus conciertos hayan suscitado tales elogios por parte de críticos y aficionados. Otro figura comparable, que también se las traía, fue Carlos Kleiber (1930-2004)

Relacionado con el punto anterior se puede comentar su aversión a grabar discos. De hecho casi no se pueden encontrar grabaciones suyas de estudio. Sin embargo, durante su carrera muchas emisoras de radio grabaron muchos de sus conciertos; aunque a condición de que se destruyeran las grabaciones a su muerte. Por suerte sus herederos a su muerte vieron negocio, y editaron bastantes grabaciones. Celibidache consideraba que las grabaciones discográficas eran obra del diablo. En parte tenía razón, ya que lo que lograba en sus conciertos se perdía bastante al escuchar una grabación. Otra de las características de su estilo como Director eran los tempi (velocidad) de las obras que interpretaba. No se ajustaban demasiado a lo que se puede considerar una interpretación normal, generalmente eran muy lentos. Muchos de estos postulados no se podrían entender, sino fuera por la gran influencia que tuvo el budismo en su vida, de hecho él era budista.

Yo conocí sus interpretaciones hacía el año 2000 en una serie muy larga de programas, más de un año, que dedicaron en la radio a sus grabaciones recién publicadas. Yo ya conocía su figura. Sus interpretaciones poco a poco me comenzaron a interesar, sobretodo en la interpretación de sinfonías de Anton Bruckner (1824-1896). A pesar de sus tempi lentos era capaz de crear y mantener la tensión musical durante largos periodos de tiempo. Aunque no trabajaba con las mejores orquestas, muchas veces era capaz de sacar lo mejor de ellas, de manera que sonaban como la mejor, todo un mérito del director. En muchas grabaciones era tan impresionante la interpretación como la reacción del público. Muchas veces daba la sensación de que el público al final de la obra entraba en una especie de estado de trance, ya que después de un largo silencio al acabar la obra el público estallaba. Hace unos pocos meses conecté la radio, estaban emitiendo una grabación de una conocida obra. A pesar de que la interpretación era más bien lenta, me quede atrapado por la fuerza y el magnetismo de la interpretación, la tensión se incrementaba sin parar hasta el final. Estaba deseando saber el nombre del director, al finalizar la obra anunciaron que se trataba de Celibidache. Luego pensé y me dije, no podía ser otro.

Algunos ejemplos:

Aquí podéis ver un fragmento de la Sinfonía del Nuevo Mundo, precedida de un comentario por Daniel Baremboin. El fraseo de la flauta que aparece a los pocos segundos entonando el tema principal del movimiento es prodigiosa.

Dirigiendo el final de la 8 sinfonía de Anton Bruckner, una se sus especialidades. Si buscáis otras versiones de la misma obra veréis que la velocidad es muy lenta.

Israel Muñoz.

CATEGORIES ESTÈTIQUES (PRIMERA PART: INTRODUCCIÓ)

2009-02-21T23:31:00.000+01:00

Que és això de les categories estètiques? Doncs una vegada una noia em va dir molt convençuda que això ho havia estudiat a l'acadèmia de perruqueria i em va anar d’un pel que no pico de cap a terra. No. No parlo de pentinats, ni cremes, ni roba encara que molt, molt en el fons si té una petita relació. Parlo de conceptes estètics. És a dir, d’allò que té una cosa perquè la classifiquem com bella, lletja, sinistra o sublim? (per dir-ne algunes de les mes conegudes). I alhora, què significa exactament bellesa, lletjor, “cursileria”, patètic, graciós, èpic...?

Sovint utilitzem aquests conceptes d'una forma completament subjectiva i moltes vegades massa arbitrària. Per exemple: Us sembla bell aquest quadre?

Imatge extreta d'aquí.

Doncs no ho és. La categoria estètica que realment s’hi ajusta al quadre és: El sublim. Ja en parlarem d'això més endavant.

Us haureu adonat, si no ho sabíeu ja, que aquests conceptes s’hauran d’utilitzar correctament per a fer qualsevol crítica d’art o per a fer una obra d'art mateix (Atenció Sr. o Srta. Artista: encara que vulgueu apartar-vos d'aquestes qualificacions millor que ho deixeu córrer per que si no és impossible és molt i molt difícil.

Hi ha una gran varietat de categories estètiques i moltes tenen una història llarga i complexa que es remota molts segles enrere. Per exemple, la bellesa s'inicia a Grècia i el sublim en el s. XIX (mes o menys).

L'estudi de l'estètica és una branca de la filosofia i per això parlarem de filòsofs (quin remei!). També té molta relació amb la psicologia ja que l’ésser humà percep el món a través els ulls però la interpretació de les dades i per tant l’experiència estètica té lloc al cervell*1. El tema de la percepció visual el deixaré per mes endavant tot i que reconeix que és força mes interessant que tot això.

El primer a tractar, la setmana vinent, serà la BELLESA i per a això parlarem de Plató. A Grècia és on neix aquesta categoria estètica tal com l'entenem avui dia (o gairebé).

No en som conscients però la bellesa és quelcom més concret del que ens puguem pensar. A diari fem servir aquest concepte per gairebé totes les coses que ens agraden, i moltes fins hi tot, van més enllà de la pròpia estètica. La bellesa està relacionada amb l'ètica (la correspondència entre bell i bo parteix de la Grècia antiga. Que sapiguem...).

A vegades amb moltes coses de la vida, i amb la estètica és imprescindible, es fonamental saber fer una pregunta correctament. Si la nostre pregunta és: Què és la bellesa? És molt possible que la resposta no ens solucioni el que realment volem saber.

La vellesa és això, això i això. Ah, per molts també és això (ei, que és d'or, eh?) i això altre per dir-ne algunes.

Però a mi això no m’interessa, jo, com vosaltres ja sé que és bell. Es diu que la bellesa és quelcom que no s’aprèn, sembla venir de fàbrica amb el nostre cervell. Bé, jo no ho sé (de moment) però estic segura que la majoria de nosaltres coincidiríem en gust si féssim una llista de coses belles.

Però a mi, seguint amb el que acabo de dir de fer correctament una pregunta per obtenir-ne una resposta que ens satisfaci la curiositat, el que m'interessa és saber que tindrien en comú totes les coses d’aquesta llista de coses belles per que poguéssim classificar-les d’aquesta manera i no d’una altre.

Així que la pregunta l'hem d'anar a buscar en l'arrel de tot; Que hi ha en les coses perquè siguin belles? En realitat és una pregunta molt profunda, gairebé sobre el sentit de la vida. La setmana que ve veurem per que.

...................................................................................

*1: Fa alguns segles la forma com es pensava que l'home i la dona miraven les coses era distinta a la forma com sabem que es fa avui dia. Al Renaixement es pensava que l'ull era l'òrgan que veia les coses, el que ho feia tot. S'entenia l'ull com una espècie de camera de vídeo. (Atenció: Inici del moment friki) A mi aquella manera d’entendre la vista em em fa pensar en Sauron – el de la pel·lícula – quan està a punt de veure a en Frodo i en Sam al “Monte del destino” que és com un far. (Atenció: Fi del moment friki).

Imatge extreta d'aquí.

Avui sabem que això no és cert. El que “mira” sí és l'ull però el que “veu” les coses en realitat és el cervell. L'ull sol és l'encarregat de passar tota la informació al cervell i aquest de processar-la per a convertir-la en alguna cosa que podem racionalitzar (mes o menys). Aquesta imatge mental (o material que el cervell crea per a nosaltres) no és objectiva ja que al formar-se en el nostre cervell la fem nostra. Per a entendre'ns, la interpretem segons un munt de coses, tantes com tot allò que hem mirat (o experimentat amb algun altre sentit) en tots els instants que hem viscut fins aquell moment.

Ni l'ordinador mes potent podria emmagatzemar tanta cosa però sí el nostre súper cervell. Sembla que agrupem informació segons la semblança i així simplifiquem molta informació però tot i així no em podeu negar que tingui molt de mèrit. Encara hi ha alguns que no el valoren com es mereix i diuen que que solament usem un 10% o que seria molt mes “super-guay” si pogués moure coses. És que us sembla poc que tingui la capacitat de sintetitzar i guardar tants estímuls rebuts durant tantissim temps? A mi em sembla increïble (o com diria el meu “amic” Iker Jimenez: ¡Espeluznante!).

DIARIO DE UN AFICIONADO

2009-02-20T11:39:00.001+01:00

Voy a hablar de la fauna que habitualmente puebla los eventos culturales de nuestra ciudad y lo que opinan algunas personas respetables. Debido a mi afición a la música la mayor parte de los ejemplos están relacionados con conciertos de música. Sin embargo muchas cosas de las que aquí explico son extensibles a otro tipo de eventos.

El primer tipo de persona que podemos encontrar es aquel al que todo le parece bellísimo y sublime. Muy típico en mujeres de avanzada edad a las que todo les parece maravilloso; aunque sea un bodrio. Eso sí, cualquier cosa que no este de acuerdo con sus gustos, buena parte del arte realizado a partir de 1900, no les parece “bueno” y su autor no es un buen artista; aunque sea el propio autor el que busca la disonancia o que el cuadro no parezca realista.

Dentro de este grupo podemos encontrar una serie de mujeres mayores que suelen frecuentar las salas de conciertos. Estas mujeres, temidas como la peste por los aficionados, tienen por afición comer caramelos durante el concierto, siendo muchas veces el momento culminante del concierto el rato que tardan en quitar el envoltorio del caramelo. El diálogo rudio-musical que se produce entre el envoltorio y el instrumentista es en muchas ocasiones sublime. Otra afición de este grupo es ponerse a hablar durante el concierto, a pesar de que todo es maravilloso, con el agravante de que están medio sordas, y claro, en lugar de hablar en voz baja hablan con un volumen de voz que facilita que todos los presentes sepamos de lo que están hablando.

Gracias al Auditori la alta sociedad de nuestra ciudad tiene un lugar más donde dejarse ver. Esta claro que si el concierto no tiene lugar en el Auditori y el precio es más bajo no es tan bueno. Aun recuerdo un concierto de un cuarteto de cuerda. En la Casa de la Cultura valía 5 € y no creo que fuéramos más de 50 personas. En el Auditori un año y medio más tarde, mismo cuarteto de cuerda, igual de famoso, 24 € la entrada, la Sala de Cámara del Auditorio estaba llena a reventar. Está claro que la Casa de Cultura no es el mejor sitio para lucir las mejores galas; aunque sean los mismos interpretes. A mí me hace mucha gracia escuchar en los intermedios de los conciertos en el Auditori comentarios del tipo “Es que yo no entiendo de música“, etc. Eso sí de moda y complementos son auténticos expertos. En los conciertos de pago de nuestra ciudad también hay un tipo de especie numerosa que desaparece a mitad de concierto, por causas que no acabo de comprender. En algunas ocasiones buena parte del aforo ha desaparecido en el intermedio.

Otros tipo de especie estos dignos de compasión, son aquellos que se ven casi obligados a acudir a un concierto por su pareja, padre, abuela, etc. La verdad es que puede llegar a ser una tortura para algunos. Aún recuerdo un caso en el que el novio de una chica aguantó todo el concierto gracias a los sobornos de esta. En repetidas ocasiones escuche la promesa de que a continuación lo invitaría a comer pizza si aguantaba todo el concierto. Dentro de este grupo encontramos los que llevan a los hijos que no tienen otro diversión que la de ponerse a jugar durante el concierto. Alguno se ha ganado un buen tirón de orejas por mi parte, por no decir otra cosa.

Lo peor que he visto en esta ciudad es la crítica y algunos articulistas de medio pelo. Mi experiencia con la crítica se puede resumir en dos puntos. Adulación a unos, crítica despiadada a otros. No acabo de entender muy bien el criterio que aplican; pero mientras que a algunas agrupaciones musicales se les considera que han realizado un gran concierto, a pesar de numerosos fallos en la interpretación, a otros que no lo han hecho peor, y de los que cabe esperar menos, son atacados sin ningún tipo de piedad. Aunque en todo caso son mejores que algunos de los políticos que de vez en cuando se ven en la necesidad de tener que opinar sobre arte. Con la polémica surgida a raíz del “Niu” se pudo ver el nivel de algunos articulistas y políticos. No tanto porque estuvieran a favor o en contra, sino por los argumentos simplones que utilizaban, en gente que era de esperar que demostraran un nivel más elevado. Se les supone estudios, capacidad de análisis, etc.

Un ejemplo del nivel cultural medio de esta ciudad se pudo ver en un concierto celebrado hace algunos años en la Casa de la Cultura. Al final de un concierto para piano, de un nivel muy elevado tratándose del lugar y que era gratuito, el intérprete, norteamericano para más datos, decidió tocar una propina. Antes de comenzar la obra dijo dirigiéndose al público en inglés, idioma conocido por pocas personas allí presentes, “Como uds ya la conocen no les voy a decir la obra” (o algo así). Se trataba de una famosa obra de Isaac Albéniz, famoso compositor nacido en Camprodon. Aunque yo no conocía con exactitud el título de la obra si que sin ningún tipo de duda sabía que era de este compositor. Al finalizar el concierto, por los comentarios que escuché de fondo, nadie supo identificar el compositor de la obra; a pesar que era de estas tierra y una de sus obras más famosas.

Israel Muñoz.

DUES VISIONS DE JOSEPH BEUYS: l’artista o l’obra?

2009-02-19T16:46:00.000+01:00

Aquest artista (Krefeld, 1921 – Düsseldorf, 1986) va ser clau en la segona meitat del segle XX i l’iniciador de noves vies d’exploració artística, essencials per al desenvolupament de l’art actual. El seu discurs parteix de la creença en el poder universal de la creació humana i del convenciment que l’art pot provocar canvis revolucionaris. Beuys va fer seu el concepte d’”art ampliat”, amb el què fomentà la integració de l’art i la vida per assolir un estat en què l’individu pogués viure en harmonia amb l’entorn social i natural. Aquests dies podem trobar dues exposicions d’aquest artista que ens permeten tenir dues versions de la mateixa persona.

Joseph Beuys a la Fontana d’Or (Girona)
Del 27 de gener fins al 29 de març de 2009 podem trobar a la Fontana d’Or l’exposició JOSEPH BEUYS. DIARY OF SEYCHELLES. Difesa della Natura. Col·lecció Lucrezia De Domizio Durini. Diary of Seychelles aplega les fotografies, els instruments, els objectes i els documents relatius a la plantació, per part de Joseph Beuys, de dues espècies de cocoter protegides. A la segona part de l’exposició, Difesa della Natura, hi ha documentació que intenta il·lustrar la seva concepció de l’art com a revolució social a través del seu pensament sobre la naturalesa, l’economia, la política o la societat. Després d’observar tota una sèrie d’objectes quotidians que l’artista va utilitzar per executar les seves intervencions, signades i tancades en vitrines, ens trobem davant de la exaltació de tot allò que toca l’artista, com si es tractés d’una poma mossegada per un famós actor de Hollywood que s’exposa per ser subhastada i adquirida per un afamat col·leccionista. Ens trobem, doncs, amb una exposició caòtica de Joseph Beuys, més aviat una veneració de la imatge de l’artista que no pas de la seva obra, que impedeix als que no la coneixem poder sortir de l’exposició entenent alguna cosa del què hem vist.

Joseph Beuys al Caixa Forum (Barcelona)
Mentre tant, al Caixa Forum podem descobrir, amagat en una de les sales d’exposicions itinerants, una obra de Joseph Beuys que forma part de la Col·lecció d’Art Contemporani de la Fundació “la Caixa”, que de forma més simple i contundent ens deixa el missatge de l’artista sense grans pretensions i amb una gran sinceritat. Es tracta d’una instal·lació anomenada “Es compta darrera l’os – Espai de dolor” (1983), amb les parets cobertes de plom i, al sostre, una bombeta encesa i dues anelles platejades, una de les quals sembla tenir la mida d’un crani d’adult i l’altre la d’un nen. Per entendre aquesta obra només cal introduir-se en ella i sentir... És un espai interior que demana la concentració, el estar a soles, mirar el nostre interior, i prendre consciència d’un mateix, retrobar-nos. En definitiva, aquest coneixement comporta la soledat, l’angoixa i l’experimentació del dolor; i aquest exercici permet a les persones enfrontar-se a un mateix, acceptar-se, reconciliar-se i, per tant, poder viure en equilibri amb l’exterior.

I realment va ser així, allà dins et pots submergir en els teus pensaments i reflexionar lliurement, sota la protecció de la negror del plom i el punt de llum que emergeix enmig de tanta foscor... Sense cap mena de dubte, jo em quedo amb aquest Joseph Beuys.

Cèlia Izquierdo
http://silencidelesrespostes.spaces.live.com/

IGAC: Informació Girona Art Contemporani

2009-02-15T19:22:00.000+01:00

L’IGAC (Informació Girona Art Contemporani) és una iniciativa que neix amb la voluntat de posar a disposició dels artistes d'art contemporani una plataforma que, a través de la xarxa, permet establir contactes, presentar propostes i difondre la seva obra. Aquesta iniciativa es materialitza en una web, on cada artista pot tenir un espai on-line. En definitiva, l’IGAC és una eina que, amb la col·laboració dels seus propis usuaris, pot convertir-se en un referent indispensable per als consumidors i creadors d'art contemporani.

Dins del projecte IGAC, el CONTAINER és un espai que pretén assolir un fons d'art i cada trimestre inaugura una exposició de net art: un artista o col·lectiu d'artistes, amb l'ajuda d'un tècnic informàtic, creen un treball pensat i realitzat exclusivament per a la xarxa.

Una d’aquestes propostes creades pel CONTAINER s’inaugura aquest divendres 13 de febrer a les 20h a “La interior Bodega” (c. ferlandina 34 / 08001 Barcelona). Es tracta del projecte de Xavier Maristany "Badall, una inspiració". Haurem d’estar atents a les noves propostes d’aquesta iniciativa!

De moment, més informació: http://www.xaviermaristany.com/ i www.igac.org/

Cèlia Izquierdo.

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L’exposició del Bòlit per als no-entesos en art (com jo)

2009-02-13T14:39:00.000+01:00

El Bòlit. Centre d'Art Contemporani de Girona, el un nou equipament cultural, va inaugurar el passat divendres 6 de febrer la seva segona exposició: “Recursos Propis”. Què podem trobar? Després de pensar, meditar i reflexionar, he arribat a la conclusió que l’exposició és una col·lecció d’actituds creatives de recerca o d’intervenció. Per una banda, això aconsegueix crear vincles entre els artistes i els espectadors, des de la solidaritat a l’empatia i la quotidianeïtat, que permet la comprensió de l’acte en sí mateix, però, i l’obra? I la intenció filosòfica que l’artista ens volia plantejar? Això ho podem deixar per al final, si és que arribem...

L’exposició es reparteix en diferents espais, a l’espera que el Bòlit disposi d’una única seu (al 2010, posem millor al 2011), fet que dificulta entendre l’exposició com un tot. Tot i així, el Bòlit demostra saber aprofitar els pocs “Recursos propis” que té i no es conforma, fent el primer pas i demostrant que l’entitat també ha de fer ús dels “recursos propis per a la creació i l’emancipació”. Els deu artistes es reparteixen com poden en els espais de la següent forma (per a que ningú es perdi):

· La Rambla: Emili Padrós, Ana Garcia-Pineda i Platoniq
· Dadespai (allà mateix): Núria Güell
· El Niu (a la teulada d’allà mateix): col·lectiu Telenoika
· Sant Nicolau: Luis Gárciga, Vladimir Arkhipov, Chiu Longina i Oh Eun Lee
· Xarxa de biblioteques municipals de Girona: Elín Hansdóttir

Un cop ens hem situat, podem trobar propostes d’interacció amb l’espectador, com el “Banc Comú de Coneixement” del col·lectiu Platoniq, projecte que ja s’està desenvolupant en algun Centre Cívic i alguna entitat, que consisteix en intercanviar coneixements i aprenentatge (“jo et puc ensenyar...”, “jo vull aprendre...”); també un taller de fabricació d’instruments musicals a partir de materials de rebuig, del col·lectiu Telenoika (proposta que també em recorda a bandes experimentals que toquen instruments de joguina, o fets amb verdures, o amb peces reciclades...); i la instal·lació "Book Space" a les biblioteques, d’Elín Hansdóttir, que consisteix en llibres en blanc on la gent pot incorporar continguts propis (res de nou tampoc).

Altres projectes es fonamenten en la recerca i recol·lecció, com Escoitar.org (Chiu Longina) que recull sons de diferents llocs; la gironina Núria Güell que recopila experiències de supervivència entre els ciutadans cubans; i el rus Vladimir Arkhipov, que amb la seva proposta “Home-made”, potser la més interessant, recull objectes casolans que posen de manifest l’enginy i la creativitat que comporta la necessitat i la carència, al marge de qualsevol intencionalitat artística, i que Vladimir exhibeix com a suposades obres d’art.

En definitiva, aquesta exposició ens mostra, de forma oberta i polivalent, una sèrie de propostes “artístiques” que aprofiten aquesta nova flexibilitat que l’art contemporani ofereix, on l’artista actua com a “activista” social i cultural, creant noves xarxes d’intercanvi i coneixement, que més que estar a una sala d’exposicions, podria ubicar-se dins de les propostes d’una ONG o d’entitats socials, però que extretes d’aquest context i amb una mica de “plataforma” semblen veritables “obres d’art”. I després ens queixem quan les persones que es passegen per les sales fan comentaris com: “això què és?”, “no ho entenc”, i el mític “i això és art?”.

La pregunta que jo em faig, des de la meva humil ignorància, és: era aquest el millor espai per presentar aquests projectes? No estem menyspreant o ignorant totes les iniciatives creatives que estan desenvolupant des d’educadors socials fins a professors a les escoles, amb propostes d’intercanvi d’experiències a través de la xarxa, o projectes de millora de col·lectius a través de la participació, o les milers de formes per aconseguir que els ciutadans/es es conscienciïn amb el canvi climàtic? Reflexionem, que de ben segur que això era el que volien artistes i comissaris, i així podran dir que ha estat tot un èxit perquè han assolit els seus objectius.

Cèlia Izquierdo

http://silencidelesrespostes.spaces.live.com/

2009-02-12T21:24:00.001+01:00

Como hace unos días hablamos de cine, esta vez me gustaría hablar de uno de los más importantes directores de cine de la historia, Ingmar Bergman. Como no puedo decir que sea un experto en su obra me limitaré a dar algunos datos sobre él e intentaré dar mi opinión acerca de su cine y de algunas de sus obras.

Ingmar Bergman (1918-2007) fue uno de los más grandes directores y guionistas de la historia del cine. Nació en Suecia, hijo de un pastor luterano, lo que supuso que su educación estuviera muy marcada por la religión, cosa que se reflejará más tarde en su obra. Aparte de dedicarse al cine también fue un importante director de teatro. A mediados de los años 40 inicia su carrera como Director de cine; aunque no es hasta los 50 que comienza a firmar sus primeras obras maestras como “Un verano con Mónica” (1953), el verano pasado se pudo ver en Girona en una proyección al aire libre, “El séptimo sello” (1956) o “Fresas Salvajes” (1957). La cantidad de obras maestras que firmó es increíble. Aquí podéis consultar una lista de sus películas con lo que opina la crítica de algunas de ellas. Cuando todo el mundo pensaba que no filmaría ninguna película más después de retirarse tras “Fanny y Alexander” en 1982, (aunque su mano estuvo detrás de otras obras), en 2003 filma “Saraband”, aunque aquí se estrenó en 2005. No únicamente volvió a firmar una gran película con 85 años, sino que además la realizó utilizando las últimas tecnologías mediante una cámara digital.

Sus obras son de una gran profundidad, los temas que más le obsesionaron fueron la vida, la muerte, el dolor, el amor, la existencia Dios (consecuencia de su educación), el teatro, la música, el artista, etc Algunas de sus películas pueden contemplarse más como una obra de teatro llevada a la pantalla, ya que estas transcurren en interiores y con muy pocos personajes. Debido a estas características sus obras requieren una cierta disposición previa para abordarlas. Esta es una de los motivos que alejan a la gente de sus películas, aunque resulte una figura muy conocida para muchos aficionados.

Una de las cosas más sorprendentes de este autor es que es capaz de tratar temas de una gran profundidad como si se tratara del mejor de los escritores, desde una edad muy temprana, con menos de 40 años. Para mí una de las cosas más criticables de su estilo es que algunas de sus obras los personajes hablan en un nivel de lenguaje tan elevado y tan profundo que quizás llega a dar la sensación de irrealidad. Es como ver una obra de Shakespeare, los personajes utilizan un lenguaje muy elevado y florido que en la realidad nadie utilizaba; aunque en el caso de Bergman no se llegaba a tales extremos.

Otro elemento muy presente en sus películas es la música. Parece ser que en un ocasión dijo que creía más en Bach y Beethoven que en Dios. Desde el punto de vista de un simple aficionado, la música de Bach, de una enorme espiritualidad y profundidad, encaja a la perfección con los temas que toca y la forma de tratarlos. La música de este compositor está presente en varias de sus películas.

Si alguien no se acaba de atrever a ver una película de este director, yo le recomendaría que viera “El séptimo sello”, una se sus obras maestras. Esta película trata de una partida de ajedrez que juega el protagonista con la muerte, aunque el tema pueda sonar un poco escabroso, es una película que por un lado toca temas profundos pero al mismo tiempo no está exenta de cierto humor que la hace más asequible que otras de sus películas.

A mí la película que más me impresionó fue Fanny y Alexander; esto no quiere decir que las demás que he visto no me apasionen. Esta larguísima película narra la historia de dos niños, que dan título a la película, hijos de una familia burguesa y que ven como su madre se casa con un duro pastor a la muerte de su madre. En esta película aparte de tratar los temas habituales de este autor, y hasta cierto punto autobiográfico, hay un elemento adicional y es la preciosa puesta en escena y la fotografía exquisita. Para mí fue una película que disfruté del inicio al fin. Más tarde me enteré que la visión cinematográfica es una versión reducida, donde se omiten partes importantes, de la obra original que filmó para la televisión Según dicen la realizada para la televisión a pesar de durar 5 horas es superior a la versión que se extrajo para su exhibición en el cine.

Israel Muñoz.

2009-02-05T04:40:00.000+01:00

La música desde la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad ha evolucionado a partir de los avances que se habían producido en la primera mitad de siglo. Algunos elementos destacables de este periodo son la experimentación, la utilización de sonidos de origen eléctrico y electrónico y la relación cada vez más estrecha de la música con las matemáticas. Entre tanta innovación también hay compositores que han seguido elementos de la tradición; aunque no hablaré de ellos. Uno de los foros más importantes de difusión de las nuevas técnicas compositiva y de los nuevos lenguajes fueron los cursos de verano de Darmstadt en la década de los 50. Dos de las grandes figuras que hicieron de nexo de unión entre la primera y segunda mitad fueron Olivier Messiaen y Edgard Varese.

Olivier Messiaen (1908-1992) es una de las grandes figuras de la música del siglo XX. Hace pocas semanas se celebraron los 100 años de su nacimiento. Su música combina innovaciones, ritmos complejos y algunos elementos pertenecientes a la tradición. Una de sus grandes pasiones era el canto de los pájaros, que es utilizado en muchas de sus composiciones, a su manera. Otro elemento importante para entender sus creaciones es su profunda espiritualidad que impregna casi toda su obra. Fue maestro de algunas de las figuras capitales de la segunda mitad de siglo. (Pierre Boulez, Iannis Xenakis, Karlheinz Stockhausen). Se le considera uno de los creadores del serialismo integral que utilizarán muchos compositores en sus obras. Esta técnica es una evolición del sistema dodecafónico al que me referí al hablar de Arnold Schoenberg. (Ejemplo: Sinfonía Turangalila)

Edgard Varese (1883-1965) a pesar de su escasa obra, la duración total de su obra es de unas 3 horas, influyó de forma decisiva a los compositores de este periodo. Aunque inicialmente su música está influenciada por Debussy y Stravinsky fue capaz de desarrollar un estilo muy “avanzado” para la época que sería la base de buena parte de la música de este periodo. Su concepción de la música está muy alejada del concepto de melodía y armonía y se basa en el principio de la música como una combinación de sonidos. Se le considera uno de los padres de la música electrónica, la utilización de sonidos generados por medios eléctricos o electrónicos. Yo personalmente soy un apasionado de este compositor. (Ejemplo: Ionisation)

Karlheinz Stockhausen (1927-2007) es uno de los compositores de referencia de esta época. Sobretodo sus creaciones de los años 50 y 60 marcaron las pautas para muchos compositores de la siguientes décadas. Fue otro de los pioneros en trabajar con medios electrónicos en combinación con instrumentos clásicos, utilizó técnicas compositivas como la música aleatoria (relacionada con el azar y la improvisación) y el serialismo integral. Algunas de sus obras más emblemáticas son “El canto de los adolescentes” (1956) o “Gruppen” para tres orquestas. (Ejemplo: Cuarteto para Helicópteros)

Pierre Boulez (1925) es otra de las grandes figuras. Es uno de los principales seguidores del serialismo integral y como muchos otros compositores ha utilizado la electrónica en sus obras. En las últimas décadas su labor se ha centrado más en la dirección de orquesta.

Gyorgy Ligetti (1923-2006) es quizás el compositor más popular de este periodo gracias al cine. Algunas de sus obras se utilizaron en la película “2001 una odisea del espacio”, sin su permiso. El estilo compositivo es muy original. Algunas de sus características son la micropolifonía, los clusters y las masas sonoras complejas (todo esto es muy complicado de explicar) . Es una de los compositores más originales del siglo XX. (Ejemplo: Lux Aeterna). Os recomiendo también Atmósferas.

John Cage (1912-1992) es considerado el compositor más experimental del siglo XX. Sus composiciones exploran el límite de la música, hasta confundirse muchas veces con el ruido. El silencio tiene una importancia capital en su obra y llega a formar el sí de la obra en su famosos 4:33 segundos. En otras obras modifica los instrumentos tradicionales, como el piano, introduciendo elementos ajenos a la música, entre la cuerdas del piano.

Otras figuras destacables de este periodo, entre muchos otros, son Luigi Nono (1924-1990), Iannis Xenakis (1922-2001), Pierre Schaeffer (1910-1995) creador de la música concreta, Witold Lutowslawsky (1913-1994), Luciano Berio (1925-2003), Elliot Carter (1908), George Crumb (1929), Hemult Lachenman (1935) o Toru Takemitsu (1930-1996) que combina la música japonesa con la música de vanguardia. (Ejemplo: Cuarteto Black Angels de George Crumb)

Actualmente algunos de los nombres más importantes del panorama musical actual que están en el esplendor de su carrera son: Wolfgam Rihm, Magnus Lindberg, Hans Werner Henze, Jesús Rueda, etc. Las mujeres ocupan un puesto importante en la creación musical actual con nombres como Sofia Guvaydulina y Kaia Saariaho.

Una de las figuras llamadas a jugar un papel muy importante en el siglo XXI fue el compositor español Francisco Guerrero (1951-1997). Desgraciadamente murió muy joven en la plenitud de carrera. Aquí podéis leer un artículo sobre su figura. Se le considera uno de los más grandes compositores españoles de todos los tiempos y es uno de mis favoritos de los últimos 50 años.

Israel Muñoz.

DAVID LYNCH

2009-02-02T11:19:00.000+01:00

David Lynch, un déu per uns, un pèssim director per uns altres i per uns pocs un oportunista descarat.

Està clar que el que realment ven en el món de l'art no són les obres sinó el prestigi que un obté d'elles. No és tan diferent d'altres èpoques. ¿Per que un noble es deixava bona part de la seva fortuna en contractar un pintor i fer-se fer una floritura religiosa de ves a saber quin màrtir, sant o verge del seu entorn? Hi ha diversos motius: per devoció, per gust estètic... però una de les raons més fortes és la del prestigi social i molt lligat amb aquest; el bon gust que és quelcom intel·lectual.

El noble que penjava a alguna estança de casa seva i organitzava algun esdeveniment social per mostrar als seus la seva nova adquisició estaba dient: “Mireu el que m’he pogut comprar per que estic forrat” i també: “i es que tinc més bon gust, cultura i intel·ligència que tots vosaltres”. No us sona de res això? Qui no ha conegut un d’aquests suposats “nobles” sigui a la feina o als estudis o amb els amics?

Avui dia no cal ser un noble, un burgès adinerat, ni el rei, ni el propi Papa per poder gaudir d’una obra d’art. Una de les característiques dels nostres temps i que la tecnologia ens ha portat és la copia ens acosta a l’art (més que el grabat i la imprempta). En cinema i en fotografia (en gravat també) la cosa és clara, l’original gairebé no existeix, i en les altres arts, tenim aparells tant bons que fan que tots puguem contemplar fins les marques del pinzell que va deixar l’artista a l’obra des de la paret de la nostre habitació en forma d'un pòster (per exemple). Potser a nosaltres ens sembla que no n’hi ha per tant (un pòster? Si molts son molt cutres!) però si pensem amb una mica de perspectiva històrica ens adonem que és la primera vegada a la història que podem gaudir de l’art dels rics a casa, per pocs cuartos i amb tant cualitat. Així doncs, i parlant clar, qui s'acosta a l'obra d’art, el té i la coneix en profunditat sembla mes llest que els altres (no hem inventat res de nou).

Hi ha persones que es deixen la pell al gimnàs per tenir un cos 10 i d’altres que se la deixen aprenent-se de memòria noms d'artistes, les seves obres i desenvolupant una "opinió". Després, uns ho fan servir a la discoteca amb una samarreta ben cenyida i els altres ho fan servir en una conversa o monòleg que sovint ens pot sembla interminable. Tot sigui per semblar millor que els altes.

No és el mateix conèixer de pé a pa totes les pelis de Torrente que totes les de Lars von Trier, clar. Que passa amb les pel·lícules de David Lynch? Doncs que donen un prestigi intel·lectual molt bo. Com que va de raret...

Jo ara fico en el mateix sac uns quants títols molt diferents tot i que sé que no es correcte per això trio una pel·lícula representant: Mulholland drive. Aquesta pel·lícula és molt interessant per a adonar-nos de com funciona una gran part del món de l'ART.

Com Muholland Drive es va convertir en una pel·lícula de culte? Pas a pas.

1- El senyor Lynch fa (o li encarreguen) un projecte per una sèrie de televisió després del gran èxit que ha tingut amb un altre. Abans d’aquesta sèrie d'èxit (Twin Peaks) ja havia fet alguna altre cosa un pèl “rateta” tot i que sense passar-se (Vellut blau). No té res de l’altre món tenint present que no innova massa.1*

2- Fa, com va fer en la sèrie anterior, un capítol pilot de 1,30h. aprox.

3- No li accepten el projecte, no li interessen les condicions del contracte...bla, bla, bla... Això francament no ho se però no es tira endavant la idea de sèrie per a televisió. Coses de Hollywood.

4- El senyor Lynch té un munt de material filmat (capítol pilot + escenes de la sèrie). I aquí ve la genialitat d’en David Lynch – Empresari: Ho converteix en una pel·lícula! Es ven el projecte com una peli surrealista, molt artística.

5- Els Gafapasta (i tots aquells que necessiten fer-se passar per intel·ligents ja que el gimnàs no els va bé) es tornen bojos i van en massa a veure-la. Els gafapasta es fan una pila de palles mentals i escampen la seva llavor en forma de teoria pseudo-experta per tota la població. En conseqüència tothom sent a parlar de Muholland Drive.

6. Aquí tenim la bogeria i el gran súper èxit. Que fa en David Lynch? Els dóna mes!! Els diu que a la pel·lícula, com si ho hagués previst des de un principi, està plena de claus simbòliques a desxifrar que entendrem si ens comprem el DVD a un mòdic preu.

És genial.

I després a opinar! Que si és un somni, que si és l'infern, que si es tracta d'una malaltia mental i en realitat la morena és altra personalitat de la rossa... No nego el to oníric ni la forma de narrar simbòlica de la història però anava a ser una sèrie i per això no té sentit posar-se a “desxifrar”. En realitat el Sr. Lynch ofereix la possibilitat de fer-se passar per expert a tot aquell que li vingui de gust per pocs diners.

El misticisme que donem al procés artístic fa que moltes vegades passem per alt l’interès econòmic real que hi ha darrera.

I no ho critico, és molt lícit guanyar-se la vida. Els artistes també mengen malgrat la imatge d'una bohèmia on solament es fa art-per-el-art que encara arrosseguem. Els artistes no són intermediaris entre una espècie de divinitat, ni són posseïdors d'una capacitat superior, són persones normals.
.....................................................................
1. El surrealisme (Buñuel), allò angoixant i sinistre (Hitchcock) i l’ambient sòrdid (cinema i novel·la negre) s’ha tocat i remenat molt a hores d’ara – anys 80 –. S’ha de reconèixer que avui dia amb una sexualitat més alliberada, allò morbós o pervers es mostra sense pudor (això precisament em sembla que és el que més agrada).

Meri Gil (http://www.merigil.blogspot.com/)

2009-01-29T10:03:00.000+01:00

Tanto hablar de él creo que ha llegado el momento de explicar algo sobre Marcel Proust y su gran obra cumbre. Marcel Proust (1871-1922) está considerado como uno de los más grandes escritores de todos los tiempos y que entre otras obras escribió la monumental “A la búsqueda del tiempo perdido”, una de los obras cumbres de la literatura de todos los tiempos y considerada por muchos la primera novela moderna y una de las que más marcó la literatura del siglo pasado.

Marcel Proust nació en Auteuil en 1871. Hijo de una familia acomodada, su padre era un reputado médico y su madre una persona de una gran cultura que influenció de forma importante en su personalidad. Los problemas respiratorios y de asma fueron una constante en su vida y le llevaron a la muerte. La buena situación económica de su familia le permitió llevar una vida sosegada y visitar con frecuencia los salones de la alta sociedad, burguesa y de la aristocracia. Aunque estudió algún tiempo en la Universidad su vocación verdadera no era el estudio, sino la literatura. Uno de los rasgos que más le caracterizaron a nivel personal fue su hipersensibilidad y su homosexualidad.

Tras la muerte de su madre (1905), a la que se encontraba muy unida, inicia la redacción de su gran novela. No era su primera obra, anteriormente había escrito otras obras como “Los placeres y los días” o “Jean Santeuil” que nunca llegó a completar. Para llevar a cabo esta tarea se enclaustra en su casa e intenta aislarse del exterior. En 1913 publica el primer libro “Du cote chez Swann” (de los siete que la componen). A pesar de los problemas que tiene para publicarla su obra causa sensación. Debido a la guerra no puede publicar la segunda parte hasta 1919 “À l’ombre des jeunes filles en fleurs” por la que gana el premio Goncourt. A su muerte en 1922 parte de la obra está pendiente de revisión y se publica con posterioridad.

Esta novela es el relato semiautobiográfico de la vida del autor desde su infancia hasta el momento en el que se pone a escribir. Se trata de una novela circular en la que el tema impulsor es el deseo del narrador de ser escritor que aparece constantemente en esta. Sin embargo la decisión se pospone continuamente por falta de confianza y de tema. Al final de la obra encuentra el tema de la obra, la vida misma. Aunque el relato es imaginario está basado en buena parte en personajes reales y vivencias del propio autor.

La técnica narrativa utilizada, escrita en primera persona y la utilización del monólogo interior, también conocido como stream of consciousness, hace de esta obra una de las más influyentes del siglo XX. El monólogo interior permite seguir la narración desde la consciencia del personaje, donde se combinan descripciones que realiza de lo que ocurre en el mundo real con ideas, reflexiones, evocaciones que pasan por su cabeza. Esta técnica ha sido ampliamente utilizada en la literatura del siglo XX. En el caso de Proust se traduce en revivir el transcurrir de su vida a través de la memoria y reflexiones profundas que le sugieran los hechos. Esto hace que la historia avance muy lentamente y sea en muchos casos más importante las reflexiones, sensaciones, etc del autor que los hechos reales que rememora. En esta obra casi no existe ningún tipo de acción dramática, siendo la vida y el paso del tiempo el argumento principal a través de sus distintas etapas, niñez, adolescencia y adulto. A lo largo de la novela aparecen, desaparecen y reaparecen personajes cuya evolución en el tiempo se puede observar, así como la del propio autor

Esta obra engloba diferentes géneros. Entre otros:

Novela psicológica: Realiza un análisis muy profundo de la psicología de los
personajes, las emociones humanas y estados de ánimo.
Novela filosófica: Realiza reflexiones muy profundas sobre varios temas como el paso del tiempo o el arte.
Novela social: Estudia la sociedad de su tiempo, principalmente el
ascenso de la alta burguesía y la decadencia de la aristocracia de su
tiempo.

También hay que destacar la gran cantidad de descripciones poéticas que realiza de las cosas que ve y de las sensaciones que le causan.

La cantidad de temas tratados es enorme: amor, muerte, celos, homosexualidad, etc. Aunque los dos temas principales sean el arte, principalmente literatura, música y pintura y el paso del tiempo.

Israel Muñoz.

2009-01-26T18:00:00.000+01:00

2009-01-21T10:45:00.000+01:00

Esta semana me gustaría hablar de una exposición que fui a ver hace unos meses. Se celebró en el CaixaForum de Barcelona y se pudieron contemplar algunos trabajos de la artista británica Hannah Collins.

Esta artista nació en Londres en 1956, aunque actualmente pasa bastante tiempo en Barcelona. Es conocida principalmente por sus fotografías monumentales y por la realización de películas que pueden considerarse experimentales y muy cercanas al documental. En este caso la exposición se centraba en algunas de sus fotografías monumentales y en la proyección de alguna de sus películas.

Los temas que más le atraen y que plasma en sus obras son: el paso del tiempo, la fugacidad de la vida moderna, las comunidades que viven “al margen de la sociedad”, las huellas de la historia. Registra la vida de los diferentes grupos humanos que se asientan por el mundo. Algunos de sus trabajos tratan sobre la inmigración, la vida cotidiana,…

En Youtube podéis ver la presentación que realiza la propia autora de esta exposición sobre la que os he hablado. En este caso hablaré de una de las obras que vi e intentaré explicar porque me fascinó.

La obra en cuestión es una película que se proyecta en cinco pantallas de forma simultánea. Se llama “La Mina” y fue realizada en 2001. Es una mezcla entre película y documental que narra la vida del barrio de “La Mina” durante un día. Junto a secciones que muestran la vida diaria del barrio hay otras partes en las que los habitantes del barrio se interpretan a sí mismos. Por ejemplo el patriarca gitano interviene en una pelea, la pelea no es real pero todos actúan como si fuera de verdad.

Lo que me fascinó de está obra fueron varias cosas.

En primer lugar la exploración de los “submundos” que existen en las grandes ciudades. Dentro de las grandes ciudades podemos encontrar barrios donde la gente vive de una forma muy diferente a la vida que llevamos la mayoría de la población. Todo esto tiene un gran atractivo precisamente por esta diferencia. Aunque quizás sepamos de su existencia no somos demasiado conscientes, excepto en muchos casos por los aspectos negativos asociados a estos barrios. Buscando información sobre la autora he encontrado otra obra donde explora otros “submundos”. Consiste en una serie de fotografías monumentales de las azoteas de Barcelona (una muestra). Las azoteas podemos entenderlas como otro “submundo” donde se desarrollan actividades, donde la gente se relaciona, se relaja, tiende y del que en general no somos conscientes cuando paseamos por las calles. Están allí pero no las vemos.

Otro aspecto que me fascinó en esta obra, no sé si era realmente el objetivo de la autora, fue la contemplación de la “belleza” de la vida cotidiana. Muchas veces buscamos la “belleza” en obras elevadas. Sin embargo si miramos con otros ojos como diría Marcel Proust, la “belleza” la podemos encontrar a la vuelta de la esquina. En actividades tan sencillas como el pasar de la gente por la calle, el trajín diario en un mercado, en escuchar los sonidos de la calle, en pasear por zonas que desconocemos de la ciudad, en observar edificios antiguos Por ejemplo Marcel Proust encontraba la belleza en muchas cosas de la vida diaria, en los cantos de los vendedores callejeros, en la ciudad oscura… todas estas cosas le provocaban sensaciones, le despertaban la imaginación y le causaban placer.

Israel Muñoz.

2009-01-21T00:20:00.000+01:00

Aquí penjo el CADAVER EXQUISIT que vam fer el divendres passat. M’ho sembla a mi o hi ha algú força obsessionat amb les cerveses?

De pas explico com es fa:

1. Que cal per començar? Com a mínim ser dues persones amb poca vergonya, dos fulls i un boli.
2. S’agafen els dos fulls de paper: un per escriure-hi i l’altre per tapar el que es va escrivint.
3. Comença el primer escrivint una frase (podeu pactar escriure més o menys però una frase es una bona “mida” per començar a provar coses).
4. Un cop escrita cal tapar-la amb el full per que ningú la vegi i passar-la a la persona que tingueu al costat.
5. A aquesta persona li podeu dir (o deixar llegir) l’última paraula que heu escrit.
6. La persona que li han passat el full tapat i segons el que li suggereixi la última paraula que ha escrit la persona d’abans ha de començar a escriure la seva propia frase.
7. Es va passant fins que us en canseu.

Ja teniu fet el cadàver exquisit i ve a ser una cosa curiosa com aquesta:

Sota el pont em trobaràs
Un sentit per fer una trucada al mòbil
Que no pare de sonar dentro de una cama
En estos momentos yo me agarro a mi amiga cerveza
El lúpulo se adueñó de mí, ¿servirán las balas de plata?
I carbó dels reis d’orient
Desde donde sopla el viento con fuerza
No tengo fuerza para pedir otra cerveza.

Aquest tipus de jocs era una practica força comuna entre els artistes Dadaistes primer i després els Surrealistes. També és pot fer amb un dibuix o amb alguna altre cosa (com un còmic, un collage... per exemple). Mostres diverses: 1, 2, 3, 4, 5.

AGENDA FINS EL MAIG (I ALGUNES COSES D'ABRIL)

2009-01-19T20:27:00.000+01:00

GIRONA

Bolit
06/02/2009-: Recursos Propis

Centre Cultural la Merce
20/01/2009: Nou mesos, nou artistes: Quico Estevill

Fontana d’Or
23/01/2008-08/03/2009: Enric Casanovas. «Escultor i amic»
27/01/2008-29/03/2009: Joseph Beuys. «Diary of Seychelles. Difesa della natura»
02/04/2008-24/05/2009: Joan Brull. «Somni i realitat»
03/04/2008-24/05/2009: Imatges medievals de culte. «Talles de la col·lecció El Conventet»

Museu del Cinema
Siempre hacen un montón de actividades. Se puede consultar en el siguiente link (ir a Activitats Temporals).

Obra Social "La Caixa"
21/10/2008-28/02/2009: Chaplin en imatges
Hay unas cuantas actividades paralelas a la exposicion. Se puede ver aquí.

Ciclos Conferencias

12/01/2009-16/02/2009: La construcció social de la identitat. Cos, gènere i cultura (videoconferencia. Lunes 19:30)
13/01/2009-10/02/2009: Biografies històriques (Martes 19:30)
15/01/2009-12/02/2009: Més enllà de la icona. Repensar Charles Chaplin Avui (Jueves 19:00)
16/01/2009-27/02/2009 (viernes): Redescubramos las Obras Maestras (II edicion) (musica clasica).
24/02/2009-24/03/2009: Pensament clàssic: Cinc grans figures de l'antiguitat grecollatina (II edició) (Martes 19:30)
02/03/2009- ¿?: Arts del diàleg. Literatures peninsulars en connexió (Lunes 19:30)
...................................................................................................
BARCELONA

Barbier Muller
Hasta 10/2009: Obras maestras del arte precolombino (no hay informacion acerca de la exposicion).

Caixa Forum
12/12/2008-18/1/2009 - 23/1/2008-1/3/2009: Zonas de Riesgo. Colección de Arte Contemporaneo Fundacion "La Caixa".
22/10/2008-08/02/2009: El pan de los angeles. Colecciones de la Galeria de los Uffizi de Boticelli a Luca Giordano.
22/01/2009-15/03/2009: Col·lecció d’Obra Gràfica de la Fundació “la Caixa”.
04/02/2009-26/04/2009: Joaquim Mir. Antologica (1879-1940).
06/03/2009-07/06/2009: Richard Rogers+Arquitectes. De la casa a la ciutat.
02/04/2009-17/05/2009: Zabaleta 101. Centenari de Rafael Zabaleta.

CCCB
http://www.cccb.org/ca/programacio
04/11/2008-22/02/2009: A la ciutat xinesa. Mirades sobre les transformacions d'un imperi.
10/02/2008-24/05/2009: Il·luminacins. Catalunya visionaria

Fudació Joan Miró
31/10/2008-25/01/2009: Modernitat Americana. Obres de la Corcoran Gallery of Art.
20/02/2009-31/05/2009: KikiSmith. Her Memory.

Fundació Caixa de Catalunya-La Pedrera

10/02/2008-14/06/2009: Josep Mompou

MACBA
23/01/2009-19/04/2009: Joan Rabascall.
06/02/2009-19/04/2009: Thomas Bayrle. Diria que ja no som a Kansas.
11/02/2009-26/04/2009: Cildo Meireles (coproducción con la Tate Gallery, una de las estrellas de la temporada segun la premsa).

MNAC
28/10/2008-25/01/2009: Juli Gonzalez. Restrospectiva.
04/11/2008-01/02/2009: L'imaginari d'Eugeni Lucas. La influencia de Goya a la poetica romantica.
19/02/2008-3/05/2009: Sorolla. Visió d’Espanya. Col·lecció de la Hispanic Society of America.

Museu Picasso
22/11/2008-01/03/2009: Objectes Vius. Figura i natura morta en Picasso.

Obra Social Caja Madrid

Hasta 31/03/2009: Dones. Obrint Camins.

Palau de la Virreina
06/11/2008-08/02/2009: De Facto. Joan Fontcuberta. 1982-2008
19/11/2008-08/02/2009: Working Documents. Relats de la Cultura Immaterial.

De Israel.

Pequeña historia de la música del siglo XX

2009-01-15T10:21:00.001+01:00

Esta pequeña historia de la música del siglo XX la dividiré en dos partes debido a su extensión. En esta primera parte me centraré en la primera mitad del siglo XX.
Nota: Los hipervínculos de las obras permiten escuchar fragmentos de estas).

La música occidental se desarrolló durante varios siglos, aproximadamente entre 1600-1900, en base al sistema tonal. Para exponerlo de una forma fácil, se puede decir que el sistema tonal consiste en una serie de “reglas” que hace que la música sea “fácil de escuchar” y que por lo general resulte “agradable” a quien la escucha. Hoy en día este sistema se sigue utilizando para componer la música de muchas películas o lo que conocemos como “música moderna” como la música pop que podemos escuchar a todas horas por la radio.

Este sistema fue evolucionando con el tiempo. Entre final del siglo XIX y principio del siglo XX algunos compositores llevaron este sistema al límite. Para exponerlo de una forma sencilla se puede decir que la música comenzaba a sonar “disonante”, sin abandonar del todo el sistema tonal. Entre las figura mas importantes de esta evolución encontramos a Richard Wagner (1813-1883), Anton Bruckner (1824-1886), Gustav Mahler (1860-1911), Richard Strauss (1864-1949) o Claude Debussy (1862-1918).

A principio del siglo XX como en otros ámbitos del arte se produce un rechazo a los modelos de creación musical del pasado. Muchos compositores comenzaron a considerar que el sistema tonal no daba mas de sí y que había que buscar nuevas formas de expresión musical (¿os suena de otros campos del arte?).

Arnold Schoenberg (1874-1951) fue uno de los compositores que lideró el camino hacia lo que se conoce como atonalismo. En el sistema tonal se da más importancia a unas notas que a otras en función de la tonalidad. Su idea de atonalismo consistía en que todas las notas tuvieran la misma importancia. Basándose en esta premisa creó en la segunda década del siglo XX el sistema dodecafónico. Es un sistema en el que todas las notas de la escala cromática (Do, Do sostenido, Re,.....hasta Si) tienen la misma importancia dentro de una obra. Este sistema fue utilizado por algunos compositores durante algún tiempo como son los discípulos de Schoenberg, Alban Berg (1885-1935) y Anton Webern (1883-1945), otros grandes compositores del siglo XX. Este grupo también se conoce como la Segunda Escuela de Viena. Una de sus obras más conocidas de Schoenberg es Pierrot Lunaire

Otra de las grandes figuras de la música del siglo XX, quizás la más importante, fue Igor Stravinsky (1882-1971). Debido a su longevidad y a que adaptó su estilo compositivo a diferentes corrientes que recorrieron el siglo XX su figura se puede comparar con la de Picasso. Su primer periodo, en el que los elementos de su tierra natal tienen mucha importancia, se conoce como ruso o primitivo. En este periodo que abarca desde sus inicios hasta 1920 aproximadamente compone el que será una de sus obras maestras y uno de los mayores escándalos de la historial de la música, “La consagración de la Primavera”. Es un ballet compuesto para la compañía de ballet de Serguei Diaguilev que representa los ritos primitivos de los campesinos de la Rusia pagana (Acordaros de la exposición que fuimos a ver) con una música que es mejor escuchar y ver (aquí).

En los años 20 inicia un periodo denominado “neoclásico”, como en otros campos del arte, de retorno a los compositores clásicos como Mozart. Evidentemente este retorno al pasado incorpora elementos modernos. Finalmente a partir de 1950 adopta los elementos del sistema dodecafónico de Schoenberg.

El periodo neoclásico que se inició hacia finales de la segunda década influyó en muchos otros compositores, entre los más famosos encontramos a Serguei Prokofiev (1891-1951) y su sinfonía clásica o el concierto para piano de Maurice Ravel (1875-1937).

Bela Bartok (1881-1945) fue otra de las grandes figuras de la primera mitad del siglo XX. Fue un gran estudioso de la música folclórica de su país. La característica más importante de su música es la combinación de elementos de la música folklórica, principalmente la de su país, era húngaro, con técnicas vanguardistas y algunos elementos del sistema tonal. El Concierto para Orquesta es una de sus obras más famosas

Muchos de estos compositores revolucionarios compusieron bastantes obras dentro de la tradición del sistema tonal antes de realizar sus obras más innovadoras.

A pesar de las innovaciones realizadas en la primera mitad del siglo XX hay grandes compositores que continuaron utilizando bastantes elementos del sistema tonal, aunque incorporando elementos de las vanguardias en mayor o menor medida, por ejemplo: Dmitri Shostakovich (1906-1975), Benjamin Britten (1913-1976), George Gershwin (1898-1937) (combinó elementos de la tradición y el Jazz), Sergei Rajmaninov (1873-1943) o Paul Hindemith (1895-1963) entre muchos otros. Una de las obras más emblemáticas de Shostakovich es la Sinfonía 7 “Leningrado”

Israel Muñoz

2009-01-07T12:41:00.000+01:00

Últimamente ha resurgido con fuerza la polémica acerca de la continuación de las obras de la Sagrada Familia. Mi intención no es entrar en la polémica ni juzgar si estamos delante de una obra de arte o simplemente de un edificio que no tiene nada que ver con su autor. Pero si que me gustaría llamar la atención sobre lo que se estaba realizando en otras partes de Europa cuando Antoni Gaudí murió en 1926.

La sede de la Bauhaus en Dessau (Alemania) fue inaugurada el mismo año en que Gaudí murió. Un vistazo a algunas de las partes que forman este complejo nos hacen pensar que estamos delante de un edificio moderno.

Este edificio es obra de Walter Gropius uno de los más grandes arquitectos del siglo XX y uno de los miembros más destacados del “Estilo Internacional” en arquitectura.

La Bauhaus fue una escuela de diseño, arte y arquitectura fundada por Water Gropius en 1919 y cerrada por los nazis en 1933. Entre sus profesores se cuentan artistas de la talla de Kandinsky o Klee. El estilo que se desarrolló en esta escuela ha marcado de forma importante el diseño y la arquitectura del siglo XX, sus ecos todavía llegan hasta nuestros días. En este articulo sobre la Bauhaus (está en inglés) podéis encontrar información más detallada. El complejo lo forman varios edificios conectados entre sí que incluyen aulas, talleres, administración, salas de actos y habitaciones para los alumnos

“Estilo internacional” hace referencia a un estilo arquitectónico que se desarrolló entre los años 20 y 30 del siglo pasado. Sus características principales son: formas volumétricas simples (predomina la línea recta), ausencia de ornamento, superficies lisas, utilización del acero, hormigón y cristal como materiales de construcción, etc.

Las características fundamentales de este estilo se pueden seguir viendo hoy en día en muchos edificios que se construyen actualmente. La sede de la Bauhaus se considera todavía hoy en día como un edificio de una gran modernidad.

Como se puede observar en la década de 1920 ya estaban establecidos bastantes de los principios que guiarían una parte importante de la arquitectura del siglo XX.

Walter Gropius fue un gran admirador de la obra de Gaudí. Parece ser que Walter Gropius acudió a ver a Gaudí en 1907 pero no puedo hablar con él. En 1953 conjuntamente con Le Corbusier y otros arquitectos firmaron un manifiesto para pedir que la obras de la Sagrada Familia no se continuaran.

Israel.

Sortida al Bòlit: 10 de Gener del 2009

2009-01-04T12:35:00.000+01:00

Per més informació:
El Bòlit
El Café de la Charlotte

ACTIVITATS FINS EL MAIG

2009-01-04T00:12:00.000+01:00

GIRONA

Bolit
Para la proxima exposicion ya añadire algo.

Centre Cultural la Merce
20/01/2009: Nou mesos, nou artistes: Quico Estevill

Museu del Cinema
Siempre hacen un montón de actividades. Se puede consultar en el siguiente link (ir a Activitats Temporals).

Obra Social "La Caixa"
21/10/2008-28/02/2009: Chaplin en imatges
Hay unas cuantas actividades paralelas a la exposicion. Se puede ver aquí.
16/01/2009-27/02/2009 (viernes): Redescubramos las Obras Maestras (II edicion) (musica clasica).
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BARCELONA

Barbier Muller
Hasta 10/2009: Obras maestras del arte precolombino (no hay informacion acerca de la exposicion).

Caixa Forum
12/12/2008-18/1/2009 - 23/1/2008-1/3/2009: Zonas de Riesgo. Colección de Arte Contemporaneo Fundacion "La Caixa".
22/10/2008-08/02/2009: El pan de los angeles. Colecciones de la Galeria de los Uffizi de Boticelli a Luca Giordano.
04/02/2009-26/04/2009: Joaquim Mir. Antologica (1879-1940).
06/03/2009-07/06/2009: Richard Rogers+Arquitectes. De la casa a la ciutat.
02/04/2009-17/05/2009: Zabaleta 101. Centenari de Rafael Zabaleta.

CCCB
http://www.cccb.org/ca/programacio
04/11/2008-22/02/2009: A la ciutat xinesa. Mirades sobre les transformacions d'un imperi.
10/02/2008-24/05/2009: Il·luminacins. Catalunya visionaria

Fudació Joan Miró
31/10/2008-25/01/2009: Modernitat Americana. Obres de la Corcoran Gallery of Art.
20/02/2009-31/05/2009: KikiSmith. Her Memory.

Fundacion Caixa de Catalunya-La Pedrera
No hay datos sobre proximas exposiciones

MACBA
23/01/2009-19/04/2009: Joan Rabascall.
06/02/2009-19/04/2009: Thomas Bayrle. Diria que ja no som a Kansas.
11/02/2009-26/04/2009: Cildo Meireles (coproducción con la Tate Gallery, una de las estrellas de la temporada segun la premsa).

MNAC
28/10/2008-25/01/2009: Juli Gonzalez. Restrospectiva.
04/11/2008-01/02/2009: L'imaginari d'Eugeni Lucas. La influencia de Goya a la poetica romantica.
19/02/2008-3/05/2009: Sorolla. Visió d’Espanya. Col·lecció de la Hispanic Society of America.

Museu Picasso
22/11/2008-01/03/2009: Objectes Vius. Figura i natura morta en Picasso.

Palau de la Virreina
06/11/2008-08/02/2009: De Facto. Joan Fontcuberta. 1982-2008
19/11/2008-08/02/2009: Working Documents. Relats de la Cultura Immaterial.

**Propostes de l'Israel.